1、画眼睛，就要分析它的光影、结构、质感、透视、比例，然后好好分析一下眼睛的细节。

2、先把铅笔削好，君欲善其事必先利其器

3、首先就是，构图，形要准。构图是锻炼人的组织能力，打形就是靠基础的深厚了，最基本的才是最难的。

4、分析眼睛的结构、比例、透视、由内而外，下笔如有神，了然于胸 自然跃然纸上。

5、形打好后，光影等分析自然也就差不多了，黑白灰分明，层层过度，万千颜色自然赋形，一遍遍的修改。画就是不断的修出来的，如此反复，不断的加深自己的认识。

素描是一只单色画，是一门哲理艺术， "完美卓越来自于孜孜以求"。

　　我们平时在进行素描作品创作的时候都会遇到一个问题，很难画出物体的质感。玻璃杯、金属、纸张等不同的物体都有自己独特的质感，我们在进行描绘的时候也要注意不同的技法。今天我就以玻璃杯和金属为例给大家讲解一下如何画出物体的质感。

　透明的玻璃杯，反射强烈，表面的明暗与透过的背景和有关。玻璃杯灰色调面积较大，并且大部分是通过周围的环境景物表达出来。我们需要分清杯口厚度的深浅、变化和高光，注意物体本身的前后虚实。如果要表现质感比较强烈的透明玻璃杯，光线的表现可以稍微夸张一些。除此之外在刻画细节的时候多下功夫，不能像画石膏头像或者其他静物那样，只注重画面整体和虚实。

　金属质感在我们日常绘画的过程中也是遇到比较多的一种，很多人掌握不好，遇到这种情况手足无措。我们应该怎么画呢

　在光线的下具有金属质感的物体明暗对比较为强烈，所以我们一般先从暗部开始画起，然后再慢慢向亮部过渡。

　通常金属物体透光性比较弱，但是反射力强，对光源非常敏感。高光是其重要的视觉特征。光洁度高的金属物体高部或暗部都可能出现高光，其形状、位置和亮度也不一样。从整体上讲，它仍然具有着明暗变化的一般规律，色阶层次较为清晰。我们在进行深入刻画时多以硬铅笔为主，线条要细腻有力度。

古风眼睛怎么画,如何画眼睛古风？想必这些问题都是绘画学者们都会遇到的问题吧，针对这些常犯的问题，下面整理了一份古风眼睛的画法教程，教大家如何画古风眼睛，赶紧来看看吧。

Step 1：

先画草稿，大面积铺肤色，然后用棕色勾出眼睛的轮廓，注意眼睛的形态，眉毛与眼睛联系紧密，因此把眉毛也带上，注意两者之间的关系。

再给眼睛上阴影部分面积，注意贴合眼睛的起伏。

Step 2：

用深色加深眼睛轮廓以及眼珠，上眼皮画法注意前轻后重。加深瞳孔和眼珠阴影。

再用阴影色强调眼睛的明暗面，加上双眼皮和眉毛。

Step 3：

调整色块细节，区分细节处亮暗面，加上眼睫毛。眼白部分用偏蓝色的阴影色画出暗部。

Step 4：

最后画出高光和反光，颜色可以根据自己喜好，然后整合画面，将色块过渡均匀，提高皮肤质感。

古风眼睛怎么画就是如上所述这样你学会了吗？当然想学会画古风眼睛，图文形式还是不够直观，最好还是有视频教学更加容易学会 。

学习插画时古风的CG插画怎么画

基本绘画技法

1、在Photoshop里面建好的画纸文件上新建一个图层并勾勒所画对象的线稿。草图完成后,将草图图层的透明度调整至20%左右。新建一个图层,用4像素硬标圆笔刷选取黑色来勾线条,慢慢刻画五官的轮廓,注意虚实结合。

2、在衣服的大致框架画完之后,开始刻画衣服上面的细小花纹。在主体人物的线稿大致完成之后,画面需要一些小景搭配,才会显得更有情趣,比如花、草、山、石。

3、给所画人物涂色。首先从皮肤开始,先新建一个图层,在画面上皮肤的位置用硬标圆笔刷平涂上纯白色,将图层的透明度设置为40%左右。

4、给饰品上色。新建一个图层,用硬标圆笔刷选取相应的颜色并根据暗面和亮面的明暗关系平涂所画物体的底色。

5、在妆面完成后,就给衣服上色。色彩根据参考的物体来选择色值参数。注意,不同的颜色须放在不同的新建图层里,以便后期的修改和调整。

6、为了使画面的衣服更具有立体感,需再新建一个阴影的图层,将图层模式调整为正片叠底,选取所需阴影布料的相近色,用软标圆笔刷顺着衣服褶皱的纹理上色。

7、当人物画完之后,再给加一些点缀装饰就可以了。

“古风”是以中国的传统文化为基调,结合中国传统的文学、琴棋书画、诗词歌赋等,经过不断的发展磨合,在现代形成的古典文化风格,拥有音乐、文学、绘画等艺术表现形式。

作为中华民族的文化继承者,看到国外不断革新传统文化,不由的萌发强烈的责任感。我们有义务发扬民族文化的精神与内涵,不能让民族文化沉睡,变成遗迹,而是取其精华,学习并运用,让其活起来,让大众体验更加丰富。溯本求源,探求源远流长的插画艺术,找寻属于中国的民族风格,促进中国插画的民族化发展,展示中国文化价值理念。由点及面,未来将有无限的可能性。

“古韵”的气质如何体现角色面部、服饰造型、背景刻画缺一不可,下面就跟着晓尚老师来学习如何在插画作品中体现出曾经真实存在的“古韵”。

古风服饰,关键讲究一个“飘”字。除去军装,无论男女老少都身着长袍的那个年代,想要画好古风的衣物要在材质和设计上多下功夫。无材质表现,则布料的柔软轻盈无从表达,无设计感,则主角配角难以分辨一眼望去皆平庸。

在如何表现材质上,指尖糖老师做了棉布、沙质、皮质、毛料、硬领的演示。

棉布:画出布料的起伏,通过Y字形、V字形、Z字形等形状表现褶皱,注意疏密关系。

纱质:用套索工具顶形,填色后再用半透明的橡皮擦擦去中间,边缘保留实线。通过横向排线画出纱料的质感。

皮质:比较硬的皮带需画出厚度,明确边缘,用材质笔刷画出粗糙的切面感。较软的皮质袖套经过手部弯曲在内侧边缘形成波浪形,中间提亮。

毛料:用虚化笔刷勾出形状,再用粗线笔刷画出毛的质感,注意用色避免毛之间过于突兀。

硬领:在边缘画出领子的厚度,用色块表现出起伏感强调硬度。

学会了材质表现后,就可以运用各类布料设计出造型别致的古装了。不论是男装还是女装在设计上的思路是通用的,以指尖糖老师的设计为例。

服饰的设计亮点多在领口、袖口、腰带、下摆、装饰。领子有交领、立领、直领等款式,老师演示的是交领,领口用紫色花纹点缀。袖子是飘逸的直筒长袖,如果是可爱系的角色可以加上蝴蝶结、荷叶边等元素。腰带缠绕白色花线,并缀有丝带,在后期可更改颜色丰富色彩。下摆采用侧边开叉的设计,露出美腿。注意塑造整体感,在腰部和领口上多下功夫整个造型就会显得很出彩。

衣服的绘制需要基于人体结构去塑造。衣褶的造型会根据人物的动态产生拉扯变化。在质感处理上,要注意线条软硬刻画和上色时衣褶的厚度刻画。衣服线条不要用太直的线去画,除布料紧绷处(腋下、手肘挤压等位置),其余地方需要用松一些的线条去表达。

上色时,要注意线和色块的过渡,让线条融于画面色块,有助画面协调。在色彩丰富上,可以在衣服的下摆、靠后的部分和闭塞区域添加环境光和高饱和颜色,能帮助画面用色丰富。

怎么画古风人物

问题一:古风人物画法你好,可以画,但是步骤很繁琐,需要你有很大的耐心,和一定的绘画基础,我以工笔画的方法给你讲解,下面就是材料和步骤。

材料:第一,纸张,选择“熟宣”(宣纸的一种),这是画作品需要的纸张。其畅是画底稿所需的素描纸(画底稿的纸张材料质地较硬,因为底稿需要反复修改)。

第二,国画类画笔:描笔一支(勾勒人物线条需要,这支笔是沾浓墨),大中小白云笔各一只(一支大白云笔作为清水笔,记住这支笔千万不能沾色和墨汁,这支只能沾清水;第二支中白云笔作为染色笔,第三支小白云笔作为淡墨笔)

第三,素描铅笔,橡皮擦,各类画底稿的笔种都可以

下面是步骤:第一,画底稿,画在素描纸上,画中人物的大小由你自己来定,底稿初步成型后,用勾线笔或者描笔将底稿的人物勾勒一遍。

第二,底稿成型后,将”熟宣”蒙在底稿上,用铅笔轻轻的将底稿中的内容勾勒出来,记住,宣纸上是千万不能用橡皮擦的,因为宣纸的质地很薄,更因为“熟宣”上有一层防水层,如果你用橡皮擦后,会破坏这个防水层,会影响后面的画质

第三,宣纸上用铅笔勾勒雏形后,用淡墨再勾勒一遍,掩盖住铅笔痕迹,如果你有一定的功底,可以直接用淡墨勾型,那就省略第一步

第四,宣纸上的人物具有一定成型后,用描笔将沾浓墨将画中需要有一定质感的地方再勾勒一遍(如,植物,建筑)

最後,上色,这步没有功底,你无法完成,买教材,或者去兴趣班培训吧

问题二:如何画好一个古风人物可以在书店去看书照着画画的次数多了头脑中有影响了自己就知道怎么画了

问题三:我想问一下古风人物是怎么画出来的同一楼,可是手绘线稿然后扫描再PS/SAI加工

或者数位板直接画

当然数位板画直接画比较方便吧

人物衣服上和背景的花纹不一定要自己一笔一笔画,可以找素材(也不是让你偷懒啦

上色的话,自己去找一些水彩笔刷会比较好

问题四:古风图怎么画的主要是得画出那种感觉来吧。古风图给人的感觉就是工笔画水墨画跟动漫风格揉在了一起,所以的话,去练一下工笔的画法比较好哦。还有就是古风图的人物比起日式漫画风的人物要写实一点,就是眼睛小一点,眼睛位置高一点(以成年人物算),身头比例也大一点。个人认为古风的男子(成年)一定得有两道英挺的剑眉和一双深邃的星目啊有木有!!~女生的话倒是没啥大区别

然后就是各种的服饰和道具~~古风图怎么能没有美腻古朴端庄大气能胜任各种风格的古装呢~~~美人儿跟美腻的衣服道具是相互补充相映成趣不可分离的啊!!~

还有一点很重要的就是配色!古风图的配色一般来说都不可以太过鲜艳,纯度太高的颜色。因为那种大胆的配色如果用的不恰当,就会把画面的韵味给毁掉,使整幅图变得不伦不类。所以说虽然大胆的配色用的好有时能表现出一种独特的风格和韵味,但是如果不是在这方面很厉害的人,一般都不会轻易尝试呢。古风的配色,果然还是纯度低一点的颜色会更容易搭配的顺眼呢。

最后,还是建议多看、多临摹一些古风的好图,多观察学习,最好还能多跟同好交流心得,收集一些小诀窍神马的。不过啊,画画这东西,最重要的还是要多、动、笔、练、习呢!!~

话说这些全是小生自己边想边打的,虽然只是个人观点,但我觉得不会有什么大的错误的。希望这个答案能解答你的疑问~~

问题五:请大家推荐几位画得好的画古风人物的作者《甄执叙花列》(布卡漫画可以看),《南烟斋笔录》(漫画岛可以看)都是画风很好的漫画,不过作者更得有点慢,而且作者不止一个人。。主要作者就是魏莹壳小杀,另外我自己也比较喜欢夏达和晓泊。

问题六:求古风人物画法教程先找经典的古风作品多临摹。最好自己有爱的~多看看好的古风漫画、插画等等作品(古风的话插画做的好一些)~(像eno、王一、韩露、非墨、伊吹五月、米沙、昔酒都很有爱~)在看得过程中多思考人物的神态、线条的运用、色彩的搭配等等。(漫画人物比例一般都是7头身吧。新人比例也要注意哦~)临摹的多了。自己可以适当创作,结合自己之前临摹所得的东西。画多了之后自然而然会形成一个较为稳定的画风。到时候还得临摹。临摹这东西停不了。说白了还是得多练吧。

表示我也是这么画过来的。现在画风比较稳定。但还是会有很多缺点。画画要多画、不停地画,最好是每天都要动动笔,不是说一定要认真坐下来画一幅什么的,随意涂鸦也行啊。

亲,加油吧!相信你可以的!

问题七:古风人物彩色铅笔怎么画其实用水彩来表现要更加真是一些,因为有些渐变的地方需要退晕,需要自然的退晕,而彩铅表现得不如水彩,但是如果你一定要用彩铅的话,主要需要掌握彩铅排线、彩铅退晕、用笔方式的不同导致的效果不同的方法,上一些视频网站去看一下就会收获不少,我就是专业学绘画的,这些都是我自己一个一个字打字上去的哦,希望楼主采纳哦

问题八:怎样画古风人物的嘴巴可是手绘线稿然后扫描再PS/SAI加工,或者数位板直接画人物衣服上和背景的花纹不一定要自己一笔一笔画,可以找素材上色的话,自己去找一些水彩笔刷会比较好

问题九:为什么很多人都喜欢画古风人物画让别人一看到你喜欢古风的东西,逼格就特高

问题十:怎样画好古风水彩1铅笔打稿

2先从肤色开始,上一层淡色的肉色

3用深**混合赭石上阴影部分

4画眼睛~眼睛慢慢画吧一点点画

5头发注意留白先涂淡淡的一层黑色,然后深色部分一层一层的加深

6继续涂头发

7添上一些深色的发丝让头发看起来更自然

8勾衣服的线条

9最后画的衣服自己凭着感觉涂吧自然就好

“古风”是以中国的传统文化为基调,结合中国传统的文学、琴棋书画、诗词歌赋等,经过不断的发展磨合,在现代形成的古典文化风格,拥有音乐、文学、绘画等艺术表现形式。

作为中华民族的文化继承者,看到国外不断革新传统文化,不由的萌发强烈的责任感。我们有义务发扬民族文化的精神与内涵,不能让民族文化沉睡,变成遗迹,而是取其精华,学习并运用,让其活起来,让大众体验更加丰富。溯本求源,探求源远流长的插画艺术,找寻属于中国的民族风格,促进中国插画的民族化发展,展示中国文化价值理念。由点及面,未来将有无限的可能性。

“古韵”的气质如何体现角色面部、服饰造型、背景刻画缺一不可,下面就跟着晓尚老师来学习如何在插画作品中体现出曾经真实存在的“古韵”。

古风服饰,关键讲究一个“飘”字。除去军装,无论男女老少都身着长袍的那个年代,想要画好古风的衣物要在材质和设计上多下功夫。无材质表现,则布料的柔软轻盈无从表达,无设计感,则主角配角难以分辨一眼望去皆平庸。

在如何表现材质上,指尖糖老师做了棉布、沙质、皮质、毛料、硬领的演示。

棉布:画出布料的起伏,通过Y字形、V字形、Z字形等形状表现褶皱,注意疏密关系。

纱质:用套索工具顶形,填色后再用半透明的橡皮擦擦去中间,边缘保留实线。通过横向排线画出纱料的质感。

皮质:比较硬的皮带需画出厚度,明确边缘,用材质笔刷画出粗糙的切面感。较软的皮质袖套经过手部弯曲在内侧边缘形成波浪形,中间提亮。

毛料:用虚化笔刷勾出形状,再用粗线笔刷画出毛的质感,注意用色避免毛之间过于突兀。

硬领:在边缘画出领子的厚度,用色块表现出起伏感强调硬度。

学会了材质表现后,就可以运用各类布料设计出造型别致的古装了。不论是男装还是女装在设计上的思路是通用的,以指尖糖老师的设计为例。

服饰的设计亮点多在领口、袖口、腰带、下摆、装饰。领子有交领、立领、直领等款式,老师演示的是交领,领口用紫色花纹点缀。袖子是飘逸的直筒长袖,如果是可爱系的角色可以加上蝴蝶结、荷叶边等元素。腰带缠绕白色花线,并缀有丝带,在后期可更改颜色丰富色彩。下摆采用侧边开叉的设计,露出美腿。注意塑造整体感,在腰部和领口上多下功夫整个造型就会显得很出彩。

衣服的绘制需要基于人体结构去塑造。衣褶的造型会根据人物的动态产生拉扯变化。在质感处理上,要注意线条软硬刻画和上色时衣褶的厚度刻画。衣服线条不要用太直的线去画,除布料紧绷处(腋下、手肘挤压等位置),其余地方需要用松一些的线条去表达。

上色时,要注意线和色块的过渡,让线条融于画面色块,有助画面协调。在色彩丰富上,可以在衣服的下摆、靠后的部分和闭塞区域添加环境光和高饱和颜色,能帮助画面用色丰富。

然而，在现代教育模式下，课程的安排没有强调中国古典哲学观念的教育，这使得欣赏中国画受到了一定的障碍,加之我现在的知识结构也还很欠缺,所以只能浅析历代的“画论”和各个时期的“评画标准”来作为的主要依据和基本理论。第一章 中国画的现状与文化背景随着科学技术的不断发展，社会文明的不断进步，使得人们的生活节奏也在不断的加快，生活之余的内容更是丰富多彩，因此，现在喜欢画的人多，真正懂画的人少，加上改革开放的今日，中西文化的碰撞加剧，无论是作画还是欣赏画，理论上都有一定的混乱和误导。 在生活中当面对一幅国画作品时，能否看懂作品并拿什么作为评判标准呢？对于一般人来说，首先要看作品表现的是什么内容？画家所表现这种形象的意境是什么？如果都能回答出来了，便认为是看懂，反之，则是看不懂，这种方法就是一种传统的“讲故事”方法；但，相对来说，国画工笔的作品中因为是具体的、真实的，还是容易欣赏；而写意作品呢，笔墨奔放，意到笔不到，甚至于泼墨画作品就更难看懂了，因它形象不具体，加上手法夸张、抽象，一般从作品表面是很难读到画者的寓意。 当然，这种方法只能作为一般人的欣赏方式，因为画得好，看得明白，才容易引起人们更多的联想，产生共鸣。但我们必须明白，一幅中国画的好坏，却不是简单的以表面上的形象来衡量的。

回想自己在大学的四年时间里，深深的体会到作为国画专业的学生，要欣赏好一幅中国画，首先要深入了解中国画的历史文化背景、表现方法以及语言理念等。

中国画，（简称“国画”），它是以墨为主，以色为辅，以水作为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和锦帛为载体的具有中华民族特色的画种，它植根于华夏民族上下五千年的文化沃土中，历经萌芽、发展、成熟、创新和再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。

中国画从内容上看，可分为花鸟画、山水画及人物画三大类，而从表现形式上来看，国画又可分为工笔、写意。 工笔画即精工绝伦、一丝不苟，十日画一水，五日绘一石，积年累月画成一幅图画。 而写意则笔画简略而又不拘小节，大笔一挥，笔收意在，顷刻而成。 如唐朝天宝年间，唐玄宗因爱四川嘉凌江沿岸三百余里的风景，而要人在大同殿壁上把其画出来；李思训画了几个月方成，而吴道子只用了一天，便画好了。唐玄宗给他们的评语是：“李思训数月之功，吴道子一日五迹皆极其妙”。今天看来，吴道子，李思训当年所作的壁画已经不存在了，但从画论上我们可以知道，吴道子以线条的雄浑流畅见长，下笔如疾风骤雨简略而迅速；李思训的风格以金碧辉煌的重色山水著名，需要较长的时间去描绘才能完成，他们的绘画风格是各有特色，各有千秋。

之上所述，无论是花鸟画、山水画还是人物画，写意或工笔之类，只不过是其内容与表现形式不同而已，不同的画家有不同风格的表现，当我们面对着同一题材而不同风格，或是不同题材而同一风格的各种作品时，我们又如何去欣赏呢。第二章 谢赫的评画标准等观者在欣赏一幅国画作品时，首先要碰到如何品评这件作品的优劣问题，这就需要一个标准。最早提出绘画品评标准是五世纪末谢赫的“气韵生动”，“骨法用笔”，“应物象形”，“随类赋彩”，“经营位置”，“传移模写”等①。首先提出作品要“气韵生动”，是指人物画要有生动的艺术形象，把对象的神情风貌，性格特征，内心世界表现出来。

谢赫等其他文艺批评家认为：艺术作品中活跃的生命力与整个宇宙中的生命力一样，是“气”遍布太空,是生命之“气息”，是一种动力,渗透、滋养、刺激着世间万物。这里谢赫特别提到“气”：表现物体客观的“壮气”、“气候”或“气力”。 “气”，另一种说法就是作品中的出气孔或者透气的元素，一幅好的中国画，画面是不会使人感觉到“闷”和“烦”，这是因为画面中有着恰到好处的透气点，虽然作者在画面中将自己的情绪发泄出来，使观者受到了一定的感染，但是因为作品中有着透气点，就让你再纵观画面时就不再是“闷”和“烦”的感觉，大有通过透气点跳出画面。 而“韵”又是六朝时期文艺批评中常见的另一个字，这里面就包含艺术品完成的和谐之感及韵味，好的、感人的作品，必定给人以无限的回味和不尽的遐想，给观者以身临其境而又从中联想绵绵的高于其中。当然，由于欣赏者的修养、水平不同，将会有更多、更丰富的理解。 谢赫等用“气韵生动”来表明一幅作品完成之后，必须在 “气”、和谐度、生动性及充满活力等方面皆生机盎然。如唐代阎立本的《步辇图》描绘的是贞观十五年，唐太宗接见吐蕃使者禄东赞来迎文成公主入藏的情景，画面上乘步辇的唐太宗威严而和睦，禄东赞精干而恭敬，礼官肃穆、宫女顾盼，气氛亲切融洽②；

又如魏晋时期顾恺之的《洛神图》，画面人物之间的情思不是依靠面部表情来显露，而是通过人物之间相互关系的巧妙处理展现出来。画中洛神含情脉脉，若往若还，表达出一种可望而不可及的惆怅之情③。 其二的“骨法用笔”，是指用笔上的动力，描绘形象要注意笔致变化，讲究线条的形式与动感之美。可以说，线条的优美将会给作品带来锦上添花之功，也可以说气韵生动的最终体现是离不开骨法用笔。 比如吴道子的《送子天王图》中的线条：将净饭王的衣纹画得遒劲挺直，王后的衣纹则柔韧而圆转流畅，既表现出衣服的质感不同，也衬托出男女的性格各有差别。前面伏地的鬼神，线条更为崩流豪放，大有“毛根出肉，力健有余”之感，夸张的造型表现出神怪的非凡力量，拂地的飘带，行笔飞舞，卷舒自如。

“骨法用笔”在传统的中国画绘画当中，它还融合了汉字的书法中的用笔规律，美学原则，体现出线条的力度、质地和美感等；通过不同的线条去体现出笔墨的动态、势向、韵律、节奏。 如魏晋时期顾恺之的《女史箴图》图卷中的一系列动人的形象，非常注重用线条来造型，作品中以连绵不断、悠缓自然的线条形式，体现出节奏感，线的力度略有控制，正如“春蚕吐丝”、“春云浮空、流水行地”一样，具有疏密、长短的变化④。 中国画以点作画，易于零散、琐碎；以面作画易于模糊、平板；而用线作画易捕捉物体的形象及动感，是最适宜于发挥毛笔、水墨、宣纸、绢帛的特性；可以说线条是中国画家情有独钟的艺术语言，它是国画的灵魂，是作者在抒情达意中的宣泄和表诉。 所以，千百年来，中国画家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地，不同感受的线条。并以这些含情线条的渐变、排列、交搭、分割、呼应等，在画上构成了形态各异、情变万千的诸多造型来，表达着一份份爱国之情，表达着一幕幕悲欢离合，表达着一颗颗赤子之心。

诚然，我们在欣赏国画作品时还应注意到，用于表现中国画的线条要有生命力，它的抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿无不显现着画家的才思、功底。国画大师黄宾虹先生把绘画的点线用五个字概括：“平”、“圆”、“留”、“重”、“变”。“平”，如锥划沙，笔锋与纸保持在一个水平上，运压力与提浮力相衡；“圆”，如折钗股，指用笔圆浑有力，浑厚、不露锋芒，富有弹性；“留”，如屋漏痕，笔在运行中感觉有阻力，在与纸摩擦的阻力中艰涩前行；“重”，如高山坠石，用笔要用劲，要有力度，使之大有力透纸背的感觉。特别是打“点”，要象高山掉下的石块那样有分量；“变”，笔画形成多样性的对比，有变化，不雷同。如他的《山中坐雨》、《青山红树》等作品就体现了其山水画用线的特点⑤。

无论古代的，还是近代的；无论是奔放的，还是抒情的；也无论是高昂的，或是低沉的，都特别强调笔法的力与气韵的结合，有气为活笔无气为死笔；笔断意连，形断气连，迹断势连均有气接，因而作品才能气势逼人，情动理明。所以我们在欣赏国画作品时，应注意作品中作者的运笔与气韵的结合，通过笔法来表现画面形象的神貌。如南朝西善桥画像砖《竹林七贤图》中，衣褶行线以刚劲为主，刚中有柔，与顾恺之“春蚕吐丝”式的线描相近，生动的刻画出这些人的特征和颓废、空虚的精神面貌⑥。

其三的“经营位置”，是画家在作画时对物象的安排和组织。如“经营”二字，内涵就十分丰富，它包含着思考、分析、研究、推敲等一系列思维活动。这里的“位置”不仅是画面上物象安置的处所，还包括整个画面的结构安排，格局布置，讲求“疏可跑马”、“密不透风”等。这就是说画家要完成一件作品，决非随随便便一挥而就，是要经过苦心孤诣地思考、探求，精心慎密地选择取舍、匠心独到地组织、安排，最终成功的作品才得问世。 如北宋范宽的《溪山行旅图》融汇了“三远”法（即“高远”、“深远”、“平远”）为构图方式，主峰采用“高远”法（从山脚往山顶望，称之“高远”），高耸而挺立中又略带向前倾斜，气势宏伟壮观，大有一种向你直面扑来之感，使你不觉间意识到自己的渺小，同时显示了作者写山绘水之功是何等的高以及构图之妙；主峰两旁采用“深远”法（自前向后渐渐深远，称之“深远”），既衬托了主峰之气概，又能充分的表现群山连绵之意境，同时体现作者对大自然的向往之情及认识之全面；前景以“平远”法（自近景而层层叠进到远景，称之“平远”），前景奇石异树，石之形貌变化无穷，树之品种繁多，造型各异，给人以无限的向往及惊叹作者对大自然之观察力、想象力及表现力。可见中国画家在不断的探索和实践中十分注重构图的研究，他们总结了一系列的规律与法则。 比如早在东晋时代，顾恺之就提出了“置陈布势”的构图原理，其后历代画家不断的探索，建立了具有民族特色的完整的中国画构图体系：“宾主”、“呼应”、“虚实”、“疏密”、“藏露”、“开合”、“取舍”等。这些规律符合辨证法中的对立与统一；只有符合对立与统一规律的作品，才能经久耐看，才有吸引力。反之，美的因素就会不同程度地大打折扣。所以说构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调，是将生活的每一个很小的场面、片段、景象推向了高于生活的境界。

另外，构图还有极大的自由性和灵活性，就如同生活中，家具的摆设，格调的布局，青绿淡雅，随之任之。它不受时间和地点限制，不求物体现象，只求构思和形象入“理”。之上所述，欣赏国画作品的优劣主要是以六法中的“气韵”、“骨法”、“构图”为主要切入点，顺理便成章，无气便失势，无骨便失力，无虚实便失意趣，无呼应便失统一，无宾主便平铺散漫，无疏密便均齐刻板，有露无藏便失含蓄之雅，有开无合便失承接照应。 因此，可以说“六法”是一个评画整体，它的出现表明我国绘画理论已上升到一个有较完整体系的阶段，它是魏、晋、六朝画家艺术实践的总结；还有五代荆浩在《笔法记》中，也根据山水画的要求和创作实践提出，画有“六要”，来作为评画标准，即“气”、“韵”、“思”、“景”、“笔”、“墨”，他说：“气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗。”这两点仍是指内容和形式的统一问题。“思”，是指剪裁取舍、立意构思；“景”，是要求画山水应根据不同的时令与具体的环境描绘，要“搜妙创真”才能为山水传神写照；“笔”与“墨”便是中国画的重要技法。到了宋代，刘道醇在《宋朝名画评》里，又提出了“六要”与“六长”。他说：“识画之决，在乎明六要而审六长也。所谓六要，即“气韵兼力”、“格制俱老”、“变异合理”、“彩绘有泽”、“去来自然”、“师学舍短”；所谓六长，即“粗卤求笔”、“僻涩求才”、“细巧求力”、“狂怪求理”、“无墨求染”、“平画求长六”；其中“六长”是根据中国画形式美方面的对立统一法则，较有价值；“粗卤求笔”，意思是奔放粗旷之画，讲求笔墨技法；“僻涩求才”，创作中描绘一些生冷僻见的题材时也得讲求法度，不得糊写乱画；“细巧求力”，是指精工细匠的作品中，表现力量要强，不要纤弱柔软；“狂怪求理”，作品中如造型狂野怪异的，要合乎情理；“无墨求染”，其意与“计白当黑”相同，即空白处并非真的“空”，而是表现了丰富的含义。

综上述，是自己平时学习及欣赏中国画的一些粗浅体会、认识及看法，给一些爱好国画及在欣赏国画的同时，能基本上了解中国画的特点及风格。毕竟，中国画有着数千年的历史文化背景和丰富而又具有独特的表现形式，观察认识，形象造型等。 在对客观事物的观察和认识中，采取以大观小、小中见大的方法，并在活动中去观察和认识客观事物，甚至可以直接参与到事物中去，而不是做局外观，或局限在某个固定点上，它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到了“恶以诚世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然的客观物象，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣联想有联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。第三章 欣赏国画的思维方式国画欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造的三个重要阶段；这就是要求我们直观的去观察、认识审美对象，即作品本身的意境、色彩、线条、描绘等；在这基础上进行审美、理解、思考，把握作品的意味、意义、内涵以及对作品的艺术形式、艺术技巧、表达主题、时代背景的理解等。 这样，才能给欣赏者有更多的想象余地，作品的内容怎么去表现及所采用的艺术手段等，同时，我们也可以从作品的画面、情调及意境等，去猜揣作者的心思，是热情地歌颂还是辛辣的讽刺，是深沉的表诉还是豪放的抒怀，再结合作者的创作特点和所处的时代背景进行分析，并通过自己多年积累的审美经验、文化知识、生活阅历等惊醒丰富的联想，升发开去，必能将作品所表达的寓意展现出来。

就拿宋代王希孟的《千里江山图》（长卷）为例：王希孟，生平画史失载，据卷尾蔡京文可知他原为画院学生，后入宫廷文书库，徽宗曾亲自指授其画艺，十八岁时画成此卷呈进，现仅存《千里江山图》长卷；此卷采用长卷的构图方式，布置以“六比四”把天空与景物一分为二，这使得景象空旷深远，能更好地表现江山的壮观；画中群山错落连绵，江河环绕，楼亭其间，茅舍相衬，舟渔繁忙，嘉树、飞瀑点缀等，表现出作者对理想化社会的憧憬和对多彩自然的向往，充满丰富的感情，其间也不乏肯定人对自然的改造，以及生活在祖国美好山河中的自豪；大青大绿着色，染天染水，富丽细腻，代表了画院青绿一体的精密不苟，严守格法的画风；笔法以勾勒为主间以没骨法画树干，用皴点山坡，丰富了青山绿水的表现力；人物衣褶无勾勒，虽小如豆，而形态、服饰各异，动态活泼，体现出宋代山水画经过北宋早期荆、关画风的高度成熟，中期的唯李成、范宽是举，以致烂熟的状况，晚期在“复古”思潮的影响下，提倡以古为新的思想，综合唐宋，创造出独具一格的熔李思训、李昭道及水墨山水成就为一体的画风。这种思想影响到后世，如董其昌等的以“复古”为表，实含创新的思路。结束语 欣赏中国画的过程不仅需要对作品本身作认真的分析、研究，还需要对国画的文化背景以及作者的创意有所了解，这就得需要具备一定的相关知识才能更好的把握国画作品的优劣。特别在现代的文化背景里，很多学习中国画的人都在大呼“崇尚传统”、大搞“创新”，如果对传统没多少了解，甚至连传统的东西还一窍不通，又怎么去创新？

我大体先给你归纳为两种吧

一般两种质感的

一，亚光，表面粗糙，无明显高光，亚光表现手法就是保持色调的匀称，就像石膏圆球的表现手法，正常比例的黑白灰三面，不要留高光点，一遍遍的铺调子，直到色调达到预期的暗度，建议铅笔不要用6B以上的，虽然6B以上的黑度可以，但是铅笔过于软，画出来发油，就影响亚光的表现效果了。

二，光面，表面光滑，有明显高光，表面环境色较多，反射环境物体较强烈，这个可以和上面一样的表现手法，但是区别在于，这种光面的器具要注意留白，多观察环境物体对它的影响，高光点明显，轮廓清晰，对比强烈，刻画明暗交界线的时候可以用到8B的铅笔，能衬映表现效果。

然后说到一些金属或者暗色的物体不好找明暗交界线的问题，这个是一个常识性的东西

不好区分明暗交界线的物体，可以参照周围物体的明暗交界线，本物体的投影，以及本物体的构造形状

和光线的角度来判断

表现黑罐子要注意一点！为了保证暗色物体的立体感，一般把明暗交界线的位置达到原色就可以，亮部，反光部注意减轻色调。

如有不明白请继续追问。

唔~~~~擦擦汗

望采纳~