起源于原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画。

先秦绘画己在古籍中有记载，己达到较高的水平。

秦汉多是神话人物，气势恢宏。魏晋南北朝，出现文人画。隋唐发展快，产生名家。宋朝发展到高峰，元明清相继发展。

中国古代绘画起源很早，五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙朴的动植物纹样和人形图案，在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰，之后又在青铜器上刻铸纷繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远，所保存下来的实属凤毛磷角，却使我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天所能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品，是出土于墓葬的随葬品，距今己有2000多年的历史。

早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科，如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后，欧洲绘画传入中国，为了与本土传统绘画相区别，舶来之欧洲绘画作品冠名为"西洋画"，本土绘画自然就称为"中国画"。因此，中国画最初的称谓，是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。

中国画是东方绘画艺术的主流，在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式，还是表现手法上，中国画与西方绘画都有极大的差别。

工笔重彩画与水墨写意画

在多数人的印象中，传统的中国画似乎就是水墨写意画，其实这是一个误会。中国画按照其技法及风格可分为两大类型，即工笔重彩画和水墨写意画。工笔画又称"细笔画"。其绘画风格工整细致，以规整并富有表现力的线条勾画出物象的轮廓，并注重于细部的刻划，然后再敷以厚重、鲜亮的颜色。工笔画所用颜料大多以矿物质制成，历经多年，仍然可以保持原有的色彩;整个画面漂亮明丽，有着很强的装饰效果。正因为这部分绘画作品具有富丽堂皇的外观，中国历史上大多数宫廷画家部采用此种画法，以表现皇家气派。

相对于工笔画的就是写意画，又称 "粗笔画"。其画风简略，通过尽量简练的笔墨，着重描绘物象的神韵相意态，而并不十分在意所画对象的逼真与形似。画家在画中多采用概括、夸张的手法，运用丰富的联想，最大限度地抒发自己的情绪，张扬不同的个性。因此，写意画作品带有一定的即兴性、随意性和偶然出现的意外效果，较难临仿和描摹。它们几乎部是用水墨完成的，有着素淡、清雅的外观。这类作品在后期中国画坛上占有很大的比例。

从中国画发展的历史来看，早期的(公元12世纪以前)画幅均为工笔重彩画。晚期的作品则多是水墨写意画；再从作者的情形来看，工笔重彩画的作者大都是职业画家或工匠画家，水墨写意画的作者则大多兼有文人的身份。

当然，在工笔画和写意画之间还有一片开阔地带，供画家们在两端取舍，从而形成折中的即半工笔半写意的画法。

诗、书、画、印的完美结合

传统的中国画离不开诗词。题款。篆刻，是诗"书。画、印相结合的艺术表述。

早期中国的许多文字，是根据对象的形状或意义，用简练的 线条描绘出来的象形艾宇。这与使用线条画画相似。中国文字的这一特点，加上书写文字的形式本身带有很强的艺术创造性，因而与绘画有着某种天然的联系，人谓之"书画同源"。中国画家(尤其是文人画家。在作画的过程往往十分自然地将写字的笔法运用到绘画中去;他们在创作中的情感，很多时候以诗句的形式——直接题在画面上；并按中国文人的习惯，在画的落款处盖上刻有自己名号的朱砂红印章。强调线条的表现力，强调绘画笔墨的书法情趣，是品评中国画作品格调高下的重要标准。

中国绘画非常讲究画家综合的艺术修养，画家在下笔之先，一般已经将题诗的内容、宇体及印章在画面中的位置作了通盘的考虑。画中的诗何与图像相辅相成，对画面意境和构图起到了某种补充和平衡的作用;印章的红颜色义与黑白的(水墨)图画形成色彩的差异。将诗、书、画、印四个分割的因素融为一体，组成一幅统一的画面，是中国画一个很重要的特色。

从画面布局上看，中国传统绘画与欧洲绘画有一个明显不同，就是中国画很注重在画面留有空白。空白处并不是空无一物，它可以是山中的云蔼，可以是江面的晨雾，也可以是日月的光华，甚至可以什么都不是。有人认为，"布白"是中国画中最为人关注的要点。画家强调画面诗意的传达，那些空白处也许正是诗意的不确定性、模糊檬拢的象征，留给观赏者想象的余地。公元11世纪时的中国大画家、大文学家苏拭(1036-1101)曾提出"诗中有画，画中有诗"的主张，这也是后来历代画家追求的境界。

人物画、山水画、花鸟画三足鼎立

在中国画中，人"物、山水、花鸟是三个最大的科目，也是最常见的题材。它们大致可以和欧洲绘画中的人物、风景、静物相对应。

以人物形象为赛主体的绘画，是中国"古代绘画各科目中出"现最早的，美术考古发现也证明了这一-点。原始社会的先民"们用白茎、红矾土、霸炭黑在岩壁上画的人寨形和动物图案，可以"说首开人物画的先霸河。至大约1500年前的魏昔南北朝时期，人物画的艺术发展逐渐成熟。这一时代的霞著名画家、艺术理论家顾档之(348-409)提出了人物画应"以形传神"、"形神兼备"的主张，认为画家不仅应当正确地描绘人物的外形，而且要注意刻划人物的精神、气质，即内在的东西。在此后的漫长岁月里，艺术家。艺术评论家几乎无一例外地依循这一认识，从事创作和品评。人物画在中国绘画发展的前期有极其辉煌的历史。

以描写山川自然景色为主体的绘画称为山水画，是中国画中最重要，也是影响最大的一个科目。它的兴起比人物画要晚得多，大约在唐代(618-907)趋于成熟，此后名家辈曲 名作不断，盛极一时。山水画的兴盛，有其中国传统文化上的深层的原因。中国古代哲人崇尚"天人合一"，认为人与天地万物是相通的，人的善性天赋能感知自相通的，人的善性天赋能感知自然。即便人在官场市井，心也向往着山水林木;亲近自然、融人自然，成为中国文人 (包括画家)最大的愿望。画家们在描绘自然景色中寄托内心的感情和追求，同时给予观赏者以许多联想与启示。纵观中国古代的绘画史，山水画画家在所有画家电 所占比例是最大的。

中国画的另一门类，以描写花卉、竹石、鸟兽，虫鱼为主体，其中最常见的是将花、鸟组合在一起，故称之为花鸟画。花鸟画给人一种特殊的观赏情趣，其兴起较山水画为早，起先用于工艺品的纹样上，到唐代开始成为中国画中的一个独立门类。中国古代文人喜好梅、兰、竹、菊，认为它们清雅高贵，表现了文人清高脱俗的气质。因此，梅兰竹菊是花鸟画中常见的题材。

作品介绍

《斗牛图》简介： （戴嵩 册页 绢本 水墨 纵44厘米

横408厘米 中国台北故宫博物院藏） 此图绘两牛相斗的场面，风趣新颖。一牛前逃，似力怯，另一牛穷追不舍，低头用牛角猛抵前牛的后腿。双牛用水墨绘出，以浓墨绘蹄、角，点眼目、棕毛，传神生动地绘出斗牛的肌肉张力、逃者喘息逃避的憨态、击者蛮不可挡的气势。牛之野性和凶顽，尽显笔端。可见画家对生活的观察细致入微，作品不拘常规、生意昂然，不愧为传世画牛佳作。

戴嵩向来以画牛著称。他的画牛和韩干的画马同样著名。合称“韩马戴牛”。戴嵩有一幅“斗牛图”被宋朝的大臣马知节所收藏。马知节非常珍视这幅图。有一天，天气晴朗干燥，马知节把这幅“斗牛图”从箱底拿出来，放在大厅前晒太阳。一个农夫前来曜馑埃看见这幅图。他看著看著，不禁笑了出来。马知节在旁觉得很奇怪，便问农夫：“你懂得画吗？这张图有什么可笑啊？”农夫回答说：“我只是个种田人，并不懂得画，但是却很了解活生生的牛。牛打架的时候，一定把尾巴紧紧地夹在大腿中间，力气再大的人也没有办法把它拉出来。可是你看这张‘斗牛图’，两只牛气冲冲地在打斗，而它们的尾巴却举得高高的。这根本和实际情形不一样嘛！”马知节听了，对这农夫的见识非常佩服。

另：《唐朝名画录》说他画牛能“穷其野性筋骨之妙”，所画《斗牛图》《三牛图》《归牧图》等作品，被视为绝世佳作。其中，《斗牛图》被杜处士所收藏。有一天，杜处士将这幅画拿出来晾晒，有位牧童路过时仔细看了《斗牛图》，忍不住“嗤”笑一声，杜处士惊奇地问小孩笑什么，牧童指着图画说：“牛相斗时，力气集中在角上，尾巴是夹在两股中间，可笑画牛的人不懂斗牛的道理，让牛尾翘起来摇晃。”杜处士听了十分叹服。显然，戴嵩画斗牛时，缺乏细致观察斗牛细节而造成误笔。但是，瑕不掩瑜，这幅画仍是久享盛誉的名作。

戴嵩画牛①

蜀中有杜处士，好书画，所宝以百数。有戴嵩牛一轴，尤所爱，锦囊②玉轴，常以自随。一日曝书画，有一牧童见之，拊掌③大笑曰：“此画斗牛也！斗牛力在角，尾搐④入两股间。今乃掉尾⑤而斗，谬矣！”处士笑而然⑥之。 古语有云：“耕当问奴，织当问婢⑦。”不可改也。

字词注释①选自《东坡志林》，作者苏轼。嵩（s#ng）。②囊（n2ng）：袋子。此处指画套。③拊（f掌：拍手。④搐（ch））：抽缩。⑤掉尾：摇尾巴。⑥然：认为对。⑦婢（b@）：女佣人。

诗文翻译四川有个杜处士，喜爱书画，他所珍藏的书画有几百种。其中有一幅是戴嵩画的牛，尤其珍爱。他用锦缝制了画套，用玉做了画轴，经常随身带着。有一天，他摊开了书画晒太阳，有个牧童看见了戴嵩画的牛，拍手大笑着说：“这张画是画的斗牛啊！斗牛的力气用在角上，尾巴紧紧地夹在两腿中间。现在这幅画上的牛却是摇着尾巴在斗，错了！”杜处士笑笑，感到他说得很有道理。 古人有句话说：“耕种的事应该去问农民，织布的事应该去问女佣。”这个道理是不会改变的呀！

　　中国古代的绘画起源于新石器时代，发展脉络如下：

　　1、绘画的萌芽

　　石器时代是中国绘画的萌芽时期，伴随者石器制作方法的改进，原始的工艺美术有了发展。但在若干年以前，我们所掌握的中国绘画的实例还只是那些描画在陶瓷器皿上的新石器时代的纹饰。但近年来，在中国的许多省份发现了岩画，使得史学家们将中国绘画艺术的起源推前至旧石器时代。在这些众多的发现中，也包括了许多描绘人的图像，有些堪称宏幅巨制。内蒙古阴山岩画就是最早的岩画之一。在那里，我们的先人们在长达一万年左右的时间内创作了许多这类图像，这些互相连接的图像把整个山体连变成了一条东西长达300公里的画廊。据推测，是宗教或巫术的感召促使先人们不辞辛劳地创作了这些图像。类似的图像还可以在苏北的连云港孔望山将军崖岩画遗址中见到。

　　2、新石器时代的绘画艺术

　　探讨新石器时代的绘画，我们仍然要把目光投向那些地处边远地区的神秘岩画。在云南沧源发现的岩画反映了人类的活动，包括狩猎、舞蹈、祭祀和战争。岩画的构图更趋于复杂，所表现的内容也由单个的物体发展为互相关联的具有动感的人。它们的存在使我们看到了中国绘画发展的一个重要时期。当然，这个时期艺术家们在绘制岩画的时候并没有任何的边界的限制，岩面也并没有作任何的处理，它们的创作是无拘无束的。

　　这一切的改变源自于陶器和木结构建筑的出现，具有创造力和想象力的艺术家们马上就发现这些材料是绝好的作画之处，于是，缤纷的色彩和丰富的纹样出现在这些器物上。以质朴明快、绚丽多彩为特色的仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案，是我国先民的杰出创造。此外，大汶口文化、红山文化、河姆渡文化等，也有一定数量的彩陶。仰韶类型的彩陶以在西安出土的半坡陶盆《人面鱼纹盆》最具特色，也最耐人寻味，关于这种图案具体的含意一直在猜测之中。庙底沟类型的彩陶的图像中最引人注目的是绘制于陶缸上的《鹳鸟石斧图》，出土于河南临汝闫村。该图以写实手法所描绘的鸟、鱼及斧据说代表了鹳氏族兼并鱼氏族的历史事件。此外，在青海大通出土的马家窑类型的舞蹈纹彩陶盆，描绘了氏族成员欢快起舞的景象，堪称新石器时代绘画艺术的杰作。

　　3、先秦绘画概况

　　在整个"先秦"时代中，春秋以前属于奴隶制社会，战国以后则进入了封建社会。伴随着社会分工的扩大，各种手工业得到了极大的发展，出现了所谓的"青铜文明"。统治阶级的需要带动了美术各门类的发展，绘画当然也不例外，有了长足的发展。但是，我们今天能够见到的先秦绘画遗迹少之又少，造成这种现象的原因被推测为大部分的绘画都绘制在了易于腐烂的木质或者布帛上面。在商代的多处墓葬中发现了残存的彩绘布帛，在商代王室的墓葬中更是发现了很多的木质品上的漆画残留。可见，用漆作为颜料绘制器物在当时已很广泛了，常用的黑、红两种基本色的并置形成了强烈的对比。据说，那时的漆绘制品经常是与铮亮的青铜器以及白色的陶器摆在一起的，极富观赏性。在殷墟也曾发现过建筑壁画的残块，以红、黑两色在白灰墙皮上绘出的卷曲对称的图案，颇有装饰趣味。西周、春秋、战国时期都有庙堂壁画创作的情况被记载下来，楚国屈原著名作品的《天问》就是在观看了楚先王庙堂的壁画后有感而作的。

　　幸运的是，在长沙的楚墓中先后出土了两幅战国时期的带有旌幡性质的帛画，它们都属于公元前3世纪的作品。两画描绘的都是墓主的肖像，一幅为妇人，其上方绘有飞腾的龙凤；另一幅则是一位有身份的男子，驾驭着一条巨龙或龙舟。墨线勾勒的侧面肖像及伴有象征意义的动物是两画的相同之处，所不同的是《人物御龙图》所表现出来的画家技巧要熟练了许多。

　　4、秦汉绘画概况

　　秦汉时期，是中国统一的多民族封建国家的建立与巩固时期，也是中国民族艺术风格确立与发展的极为重要的时期。公元前221年，秦始皇统一中国后在政治、文化、经济领域的一系列改革使得社会产生了巨大的变化。为了宣扬功业，显示王权而进行的艺术活动，在事实上促进了绘画的发展。西汉统治者也同样重视可以为其政治宣传和道德说教服务的绘画，在西汉的武帝、昭帝、宣帝时期，绘画变成了褒奖功臣的有效方式，宫殿壁画建树非凡。东汉的皇帝们同样为了巩固天下，控制人心，鼓吹"天人感应"论及"符瑞"说，祥瑞图像及标榜忠、孝、节、义的历史故事成为画家的普遍创作题材。汉代厚葬习俗，使得我们今天可以从陆续发现的壁画墓、画像石及画像砖墓中见到当时绘画的遗迹。秦汉时代艺术以其深沉雄大的气魄，在中国美术史上放射着夺目的光彩。

　　5、汉代帛画

　　汉代画在缣帛上的作品很多，但历经千年之后，遗存极少。目前最重要的发现有本世纪70年代分别出土于湖南长沙马王堆、山东临沂金雀山的汉墓中的西汉帛画。马王堆1号墓中出土的帛画的含意最为隐晦，学者们的解释极为多样，但一般都认为帛画的上部和底部分别描绘的是天界和阴间，中间两部分则表现的是死者軑侯夫人的生活场景。墓主及各种神禽异兽的刻画极为生动，勾线流畅挺拔，设色庄重典雅，显示了西汉绘画的卓越水平。此外，马王堆3号墓中的三幅帛画的重要性也不容忽视，除墓主人外，还描绘有"导引"、仪仗等内容，精美非常。金雀山的帛画内容与马王堆汉墓帛画相近，上有日月仙山、下有龙虎鬼怪，中间部分描绘的是墓主人的人间生活景象，此画"没骨"与勾勒相结合，反映了汉画技法

　　6、三国两晋南北朝隋唐绘画概况

　　三国魏晋南北朝的历史，是由统一而分裂的过程。先是魏、蜀、吴三国鼎立，随后由司马家族统一为西晋，但十六国的连年战乱，使得中国再次进入了一个分裂的时代。5世纪时，由北魏的统一和相继分裂而形成的北朝和西晋王朝偏安江左后被宋、齐、梁、陈替代形成的南朝相互对峙。政治的不稳定、时局的混乱动荡，带来的是经济的普遍衰退，但在意识形态领域却有了超乎寻常的改变。此时的统治阶级早已被儒家思想所左右，民间的风气也随之俯仰。纷乱的社会，又给宗教的蔓延和传播创造了极好的机会，社会各个阶层都对佛教有了更为迫切的需要和更为广泛的接受。作为社会意识形态的映象之一的书画艺术在此时也发生了强烈的变化。绘画中的人物画得到了突出的发展，对其他对象的描绘则还处在很不成熟的阶段

　　在中国绘画发展史上，隋唐是魏晋南北朝之后的又一重要时期。隋朝书画，继往开来，酝酿着新风格的出现。初唐的书画则承袭了隋朝的风尚，崇尚法度，但已呈现出不同的面貌。这一转变到盛唐时就已经完成了。各科画家先后涌现，风格趋向于健美飞动。以吴道子为代表的人物画（包括宗教画）与山水画，展现了唐代绘画的卓越成就。中晚唐的绘画又发生了新的变异，它的影响直到五代时仍能体现出来。 魏晋南北朝时期在艺术方面的变化更多的是体现在书法艺术方面，楷书真正出现了。绘画艺术的变化虽然不象书法那么显著，但是社会风气的变化，崇佛思想的上扬，都让本来简略明晰的绘画进一步变得繁复起来。曹不兴创立了佛画，他的弟子卫协在他的基础上又有所发展。作为绘画走向成熟的标志之一，南方出现了顾恺之、戴逵、陆探微、张僧繇等著名的画家，北方也出现了杨子华、曹仲达、田僧亮诸多大家，画家这一身份逐渐地进入了历史书籍的撰写之中，开始在社会生活中扮演愈来愈重要的角色。

　　在这一时期中，发展得最为突出的是人物画（包括佛教人物画）和走兽画，而中国绘画中的其他各科还远未成熟，东晋顾恺之的传世作品《洛神赋图》中出现的山水只是作为人物故事画的衬景，山水画的逐步独立直到南北朝后期才趋于完成。之所以会这样，也是由于这一时期绘画的主要任务决定的--为政教服务，"是知存乎鉴戒者图画也"。这也是那时绘画的一个主要特点。

在投资领域中，古玩字画已成为当前有艺术雅兴投资者的一种时尚。大凡初入此道者，都愿先从收画作为投资点，认为书画书画在国内外艺术市场炙手可热，行情旺、风险小、增值快、效益大，其收藏价值经久不衰，是投资回报率最为理想的收藏品，然而，随着投资者不断增多，字画价格愈来愈高，特别是名家作品的高价位，驱使某些贪财者不择手段地制造假字画。那么，在此介绍一些最常见的作伪方法，以达到能够辨别真伪的目的。

1、勾描着色填墨

作伪者用纸或尖铅笔双勾措下线条轮廓。如果是，即在空心中填墨；若是绘画，则按线条轮廓对照原作模仿着色。这种伪作乍看还有些相似，但仔细端详就会发现整幅作品气韵滞钝，笔锋呆板无神，墨色缺少浓淡，有的伪作虽然先描后临，但终因心虚笔怯，难免其神韵，只要细察即能看出破绽。

这种手法以伪造名人题款和名家书法为多。如南宁岳飞的《满江红》等草书，明人的条幅，以及清代和的书法作品等，都常见此类伪品。

2、改头换面

作伪者利用残破字画，采取挖、洗、添、改移等各种手段，将无款作品变成有款作品，将近代作品改成古代作品，将一般作品改成名家作品，曾使不少功力不深、见识不广的投资者上当受骗，甚至行里人也难免落入圈套。

书的作品几乎每件都有题款，而作者款的签名却根据他不同、不同境遇及心情等有所变化。款字是历来作伪者下功夫最大的地方。

迄今所能见到有题款的画作，应从北宋开始，这些画的题款位置不一，而字都很小。到了南宋，一些画院的画家有的写款，有的不写款，有的即使写款也仅简单地落个姓名款。元明清的院体画，多不题诗文，只写年月日、姓名、仅写一行款，很少有二行款。明代院体画的时代离我们这样近，而流传下来的画却很少。因为明院体画的款少，容易让人挖去，冒宋人作品，于是传世署名的明代院体画也不多。

洗款，是题款作伪的手法之一。所谓洗款，就是把原作者的款字洗去，不裁，不挖，不补。这种作假手段不十分多见，因为过去书法家讲究腕力，其书常透纸背，入木三分。也就是说下笔很重，笔画扎实，墨渗过纸背。既然如此，款字怎么可能洗去呢？岂不会把纸洗烂？这类作品当然无法被洗款。被洗款的作品所用不是一般的纸，而是用的藏经纸。

加伪款是作假的另一种形式。我们对书法作品进行时，首先要看款与字的风格是否相符。书法家写字都很熟练，写完主文，连下来将落款一笔写就，极其自然，而伪款就前书主文的风格不同。

还有一种作伪的手法值得注意。旧时有的书画家为了自己学习之用，照临别人的作品，到了末篇，连原作者的题款也如实临下，最后在落上自己的款。

挖款也是题款作伪的常见手法之一。

书画题款作伪的手法虽然多种多样，有的甚至十分隐蔽，但总会有漏洞可寻。我们如果掌握了作伪的规律，在实践中认真考辨，就可以予以识别了。

3模仿风格特征

一个书画家长年累月所形成的笔法习惯，无论其作品题材如何变化，总能看到他的笔法轨迹和风格特征。作伪者往往故意在伪作上夸大原作者的某些习惯性特点，哪怕是缺点，也尽其渲染，其用心是使人猛然一见，反而会产生开门见山的效应。

有很多名人字画，风格极其鲜明，特点非常突出，不少玩字画的老手，以不看题款便知何人作品来炫耀自己的眼力，作伪者抓住这些人的轻浮心理，专门模仿原作特征，以至达到以假乱真程度，使某些骄傲粗心的投资者上当受骗。

中国的传统艺术：

1、绘画。

中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画，原始绘画技巧虽幼稚，但已掌握了初步的造

型能力，对动物、植物等动静形态亦能抓注主要特征，用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。先秦绘画己在一些古籍中有了记载，如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰，楚国出土帛画等，都己达到较高的水平。

2、书法。

书法，是中国及深受中国文化影响过的周边国家和地区特有的一种文字美的艺术表现形式。包括汉字书法、蒙古文书法、阿拉伯书法和英文书法等。其“中国书法”，是中国汉字特有的一种传统艺术。

3、戏曲。

戏曲是中国传统的戏剧形式。是包含文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术各种因素综合而成的。它的起源 历史悠久，早在原始社会歌舞已有萌芽，在漫长发展的过程中，经过八百多年不断地丰富、革新与发展，才逐渐形成比较完整的戏曲艺术体系。

4、音乐。

传统音乐是我国民族音乐中一个极为重要的组成部分，传统音乐与新音乐的区别并不在于创作时音的先后，而是在于其表现形式及风格特征。如二胡独奏曲《二泉映月》、《渔舟唱晚》虽是近代音乐作品，但其表演形式属中华民族所固有，所以也是传统音乐。

5、园林。

在一定的地域运用工程技术和艺术手段，通过改造地形（或进一步筑山、叠石、理水）、种植树木花草、营造建筑和布置园路等途径创作而成的美的自然环境和游憩境域，就称为园林。在中国传统建筑中独树一帜，有重大成就的是古典园林建筑。

传统中国文化中的一种艺术形式，受到传统“礼乐”文化影响很深。通过地形、山水、建筑群、花木等作为载体衬托出人类主体的精神文化。

参考资料：

古代四艺，即琴、棋、书、画，通常指中国文人所推崇和要掌握的四门艺术，又称为“文人四艺”，或“秀才四艺”。

“琴”指的是弹琴（多指古琴）、“棋”指的是弈棋（多指围棋和中国象棋）、“书”指的是书法、“画”指的是绘画。

在古代是文人雅士把玩的艺术，是相当风雅的事情，它综合了一个求艺者的志趣追求和艺术修养，文人雅士们以“琴棋书画，样样精通”而自豪。

琴棋书画之所以能吸引文人雅士，是因为它不但能锻炼人的意志，陶冶人的情操，而且还包含着极其丰富、极其深刻、极其博大的人生哲理和和文化内涵。

扩展资料

琴

中国古代推崇正音雅乐，以“清幽平淡”为上，不以繁声热闹为趣。琴瑟、箫笛、胡琴，

都音色柔和，恬淡而音韵绵长，如此幽婉清雅的音乐背后是丰厚的文化底蕴。

儒家注重社会伦理的“教化”，推崇中和之美，平稳节制、含蓄淡雅，排斥媚惑喧闹的溺

音*乐。道家倡导自然、清静、无为、柔弱、和谐。

棋

“古松流水间，唯闻棋声”，“闲敲棋子落灯花”,“胜固欣然，败亦可喜”，古人弈棋

的乐趣可见一斑。闲暇时，下棋交友，益智增慧。

下棋讲究棋品。弈棋情状种种，往往表现出棋手的性格修养。宋大臣潘慎修以孔孟之道比喻围棋，曰：“棋之道在乎恬默，而取舍为急。仁则能全，义则能守，礼则能变，智则能兼，

信则能克。

书

书法是中国古代极为普及的、雅俗共赏的艺术形式，习书法能调神修心、健康长寿。历史

上许多著名的书法家大都是寿星；

唐代写《九成宫》的欧阳询，活了85岁；写《夫子庙堂

碑》的虞世南，活了89岁。当代书法家上海的苏局仙、北京的孙墨佛都年逾百岁。

画

古代文人画讲究全面的文化修养，提倡“读万卷书，行万里路”，必须诗、书、画、印相

得益彰，人品、才情、学问、思想缺一不可。

在题材上多为山水、花鸟以及梅兰竹菊一类，象征淡泊宁静的隐逸生活，纯正敦厚的君子之风，清高坚贞的人格精神。

—古代四艺

　　可以采用揭裱的方法。

　　在揭裱古书画时，首先要重视运用先进的保护技术。　

　　1、在揭裱古书画时，工作室一定要安装现代化的温控装置，进行自动恒温、恒湿和

　　空气调节器等。如用温度计、湿度计测量仪，能准确地掌握气候变化，用空调器、加湿器

　　调节工作室的小环境，以增强裱画工作的科学性。一般温度控制在14℃至20℃，湿度

　　50％至60％，这是最佳的工作环境。　

　　2、揭裱古书画操作过程中用水也是不可忽略的重要环节，采用PH试纸测试，使P

　　H值达到中性为准。一般古书画用经过处理的自来水即可，对高档珍贵的古书画一定要用

　　蒸馏水、纯净水才能起到有效的保护作用。　

　　3、揭裱修复古书画的重要功能就是保护古书画作品，如果古书画作品具有很高的价

　　值，而保护古书画作品所选用的材料宣纸、绫绢、浆糊、天地杆都是劣质的，揭裱修

　　复技术再高，也不可挽回其损失，那么不论将来的保护条件多么好也谈不上收藏和传世。　

　　4、揭裱修复人员使用生长霉菌的抹布，用发霉的浆糊，或收到生霉生虫的古书画后，

　　没有及时消毒、去霉、杀虫，如果不及时隔离存放，又不进行技术处理，其它的裱件就会

　　全部被感染，后果是不堪设想的。虽然用户在取画时不一定能发现霉菌的存在，但是实际

　　上霉菌已给古书画潜伏下了致命的“癌细胞”，导致裱件完成几个月后就会造成严重发霉、

　　虫蛀，使有价值的古书画作品缩短寿命，影响观赏

　　甚至断送古书画作品寿命。　

　　总之，装裱修复人员要在思想上重视对古书画保护的意识，同时，更要重视在揭裱修

　　复过程中正确应用科学保护技术。

　　古画揭裱当慎重

　　收藏书画的朋友，时常遇到的一个问题就是古旧书画的揭裱。

　　大多数的书画收藏者购得古旧书画后，便很随意地就近找人揭裱

　　了事。这是断然不可的，因为这直接关系到一件古旧书画作品的

　　成全与毁坏以及寿命的永暂。

　　古旧书画能不重新揭裱的尽可能不要揭裱，因为每揭裱一次，

　　要经过热水闷烫、清水淋洗、化学药品洗霉去污和修补、全色等

　　多道工序，耗费很多时间，这些无疑会使古旧书画大受损伤。所

　　以古人曾说古旧书画非到了“蝴蝶翩翩舞”的破烂程度，一般不

　　要重新揭裱。

　　揭裱古旧书画，尤其是具有珍贵文物价值的古旧书画，一定

　　要找那些经验丰富、技艺高超又认真敬业的装裱师。北京、上海、

　　苏州等地都有专业的书画装裱店和技艺上乘的装裱师。如北京琉璃

　　厂的荣宝斋是国有企业，负有保全救护文物的责任。他们接到古旧

　　书画，须经过研究讨论决定如何揭裱后才分配专 人操作。切不可

　　为了图省事省钱就近找技艺平庸的人揭裱。清代书画鉴别名家陆时

　　化在其所著《书画说钤》一书中说：“书画不遇名手装池，虽破烂

　　不堪，宁包好藏之匣中。不可压以它物，不可性急而付拙工，性急

　　而付拙工，是灭其迹也。拙工谓之杀画刽子。”此实为经验之谈。

　　另外，珍贵的古旧书画揭裱前最好拍照或录像，以备揭裱过程

　　中毁坏而诉诸法律的凭证。