我们要首先明白这样一个事实：中文在头一开始就是没有标点符号的。这也就解释了为什么古籍没有标点符号。其实标点符号的流行，也就是近两三百年的事。

那么自然而然的，我们就会在心头升起这样一种疑问，“没有标点符号，古人怎么读文章？”

古人采用“句读”的读书方法。

古人读书的时候，第一件要搞懂的事情就是“句读(judou）”。句读就是读古文的方式，俗称“断句”。在《三字经》里对学生就有明确的要求:“明句读”。《师说》里也有“句读之不知，惑之不解，或师焉，或不焉”的句子。

就好像很多人一辈子都《红楼梦》每一次都能读到不一样的意思。古人反复读一本书，却每次都能读到同一个意思。这也就是因为他们长期接受”句读“读书法的锻炼结果。

”句读“的读书方法究竟为何物？

句读的断句方法在汉代以前的古书，多为师徒之间的口传心授。而表示感叹、疑问等语气就交给了专属的语气词。比如“知”、“乎”、“者”、“也”、“焉”等。

汉代之后的古文，由于大量引用的句式减少，格式更加灵活。则通过“通读全文了解大概意思；抓住关键中心；理清脉络，点断句子；最后通读。”这种方法来读。

其实在活字印刷术出来之后，明清时期的古文刻本，开始用“句读”标注。也就是说一句话没有说完，那么在字的后面都要加上一个“、”。当一句话说完了之后，在旁边画上“。”。这就是我国最初标点符号的起源。

在古代不明句读是要闹出笑话的。

古人因为不明句读的笑话，最常被引用的也就是“下雨天留客”了。

说的是有个人去朋友家玩儿，不巧下起了雨，客人回不去，那么就只能留在房子主人家。可是房子主人却不欢迎人留下，于是就写了“下雨天留客 天留人不留”这几个字。想让客人看到字知趣而退。

当然我们都知道，后来客人非常聪明，拿起笔在这句话上加了几个标点，改为“下雨天，留客天，留人不？留。”就安心的留了下来。一句话因为拆解方式的不同，变成了完全相反的意思。这句话也作为句读重要性的经典案例广为流传。

标点、段落、章节的出现:

说完了“句读”这种读书方法，我们再探求一下标点符号的推广。因为不光是中文，英文、法文、拉丁文和希腊文再头一开始也都是没有标点符号的。

标点符号的产生其实是一种商业行为的结果。在五六百年前，欧洲出现了古登堡印刷术。这个时候书籍大量印刷，变成了一种商品。

但是很快问题出现了:书很难读，很难被大众轻松接受并广泛购买。为了使读书更简单，欧洲市场发明创造了标点，并在全球广泛应用。

演化到后来，分段和章节也出现了。这使得普罗大众读书效率倍增。因为在最开始，古人的书是没有分段的，也没有章节。虽然听起来骇人听闻，但事实确实如此。我们可以想象一下:一本书，不光没有标点符号，没有段落，甚至章节也没有。那读起来想必是异常艰辛的。

我们在看一些家居设计，或者艺术设计的时候，偶尔会看到一种风格叫侘寂。如果我们并不是很清楚的时候，设计师们会换一种说法告诉我们——你也可以理解成极简。 侘寂是日本汉语词汇，是一种审美体验 在清朝的时候，当中国人正推崇精致的花纹的青花瓷的时候，日本却花了大价钱从中国买了一些并非当时中国主流的陶碗、茶碗。 其实来源于日本对中国文化的否定 宋代以后，日本人从中国买回去的，几乎都不是中国主流的东西。如果你带着明代人的审美标准去参观日本国立美术馆，会觉得很奇怪。日本人为什么要把二流货色当成国宝呢？ 所以，今天中国人会觉得日本保存了很多中国没有的古籍，还有已经失传的艺术形式，比如禅宗画。这不是因为他们保存文化传统的意识更好，而是因为他们选择的标准跟我们不一样。我们忽视的，正是他们珍视的。 比如说南宋的僧人画家牧溪，他的画在中国几乎失传，在日本倒成了「 ”日本画道的大恩人”。日本著名的美学家柳宗悦，几年前去看牧溪的画，看了好久好久。他最后说，牧溪的故乡在日本。他的意思是说，中国人不认可牧溪，就算他生在中国，但是他的艺术、他的精神是属于日本的，他的故乡就在那里。 日本人为什么要买中国人看不上茶碗？要推崇进不了中国绘画史的牧溪？ 因为他们虽然向中国学习，却又不希望被中国彻底同化。他们需要从大山旁边再起高峰。中国这么伟大的文明，日本想要摆脱它的影响，建立自己的文化，你想，这得有多难，他们的否定得有多决绝。 从丰臣秀吉的时代开始，他们就不再亦步亦趋地效仿中国。不是中国说什么好，他们就学什么，而是拿当时中国二流的东西，跟中国强大的主流文化对抗，靠否定创造自己的文化。 中国茶刚传入日本的时候，日本也流行过奢华的茶室。丰臣秀吉在他著名的北野大茶会上，就摆出了一个完全用黄金打造的黄金茶室，奢华至极。而丰臣秀吉的茶师、日本茶道的鼻祖千利休，选择了跟丰臣秀吉完全相反的画风。他简化茶道，用朴素的道具，建简陋的茶室，就是要否定「 ”黄金屋”这种审美。朴素否定奢华，简化否定繁缛，日本茶道也就彻底脱离了中国的茶文化。 侘的本意是简陋。中国有一个词叫「 ”秀外慧中”，日本茶道就是「 ”陋外慧中”，追求一种不要繁华、不要装饰，直指本源的精神。这就是侘。寂的本意是旧的。在能乐表演中，慢慢地延伸出了一种美学含义，简单来说就是沧桑美。外表衰朽、老旧，不会减损这种美，反而会强化这种美。侘寂的作者科伦是这么区分侘和寂的，他说：侘是空间的，寂是时间的；侘是哲学的，寂是美学的；侘是主观的，寂是客观的。 这样一个古老的、日本的美学概念，为什么我们今天要讨论它 为什么侘寂这个古老的美学传统，能在现代商业社会复活？ 你肯定见过那种极简风格设计，今天它已经成为流行了。最典型的要数日本某品牌了，白色、简单、朴素、自然……你想想，这个品牌是不是在很多方面都很像日本茶道？这就是现代社会中的侘寂。 为什么侘寂能这么自然地融入现代社会？ 这是因为侘寂跟西方的现代主义不谋而合。说得再直白点，就是侘寂很适合工业化、商业化的现代社会。科伦在书里专门比对了侘寂和现代主义，概括出了它们的五个共性。 第一，它们都反对时代主流的、固有的感觉。现代主义是要远离19世纪以来的古典主义，在审美意义上主导了20世纪全球现代化的进程。侘寂舍弃的是16世纪来自中国的完美和奢华，在审美意义上主导了16世纪之后日本的发展。 第二，它们都适合人造物，适合空间和设计。 第三，它们都回避多余的装饰。这两点，放在室内设计中你就好理解了。一间房子，把白色当成主色调，装饰很少，你用极简、侘寂、现代来形容它，好像都可以。 第四，它们都有能让你明确把握的特点。侘寂是陶的质感，质朴的、残缺的，是千利休陶碗的样子；现代主义是金属的质感。举个例子你就明白了。中国有一个当代艺术家，用金属制作古代的观赏石。他这样表达之后，赏石就不再是古老的传统，而是现代的艺术。 第五，它们都是抽象的、理想的美。侘寂和现代主义的美，都得放到特定的环境中，你才能体会到。现代艺术博物馆里那些东西，像杜尚的小便池、金属的装置，从博物馆里拿出来，一般人就不会觉得它是艺术。在博物馆里，人们已经预设了「 ”这是艺术品”，所以才会觉得这些作品有意义，有美的价值。同样的，如果没有茶道构建的环境，我们也不会觉得茶道里茶碗、茶师的动作能带来审美的体验。 都市越繁华，人们越会对侘寂产生共鸣 在热闹、拥挤、嘈杂的环境里，只有保持自我，才能够争取空间。我们需要对比，需要不同。各种思想和方法都可以试试。摇滚、朋克是表达自我，奇装异服是表达自我，侘寂的家居装饰，也同样是表达自我。越平庸，就越要反叛；越热闹，就越要冷淡。 在极度发达的现代社会里，人才会有这种拧巴的需要。我们向往旅游宣传片上的碧海蓝天，也离不开城里的大超市。最好是在喜马拉雅山颠，也能享受便捷的服务，这才是完美的生活。这种生活，过去不能满足，但今天慢慢变成可能。 服务业越来越发达，生活越来越便利。洗衣、做饭这些生活琐事，打开手机就能找到人帮你解决。所以，我们可以一边过着世俗的物质生活，一边享受原本宗教苦修才能够获得的精神满足。 这样矛盾的社会，更需要侘寂这个美学概念。 侘寂本来就诞生在否定中。在矛盾和对比中，它反而能够展现出更大的力量。 日本的茶室，就是一个茅草房子，如果建在山野村边，它和周边的环境融为一体，它没有力量。茅草房子一定要建在市中心，才侘寂。这跟中国的山水画很不一样。山水画里，人和房子都只是一个小点，要跟自然万物融为一体。 我们对生活品质的要求，实际上就是找到物质和精神合适的比例关系。我们心里就像有一个天平，物质的一边堆的越来越重，精神的一边也要跟着加码。侘寂就是满足精神需要的一种方法，而且是最适合现代社会的方法之一。人们越是需要侘寂，侘寂越得保持高冷。所以，现代社会中的侘寂不是更庸俗，而是更脱俗了。 文章部分来源：伦纳德·科伦 刘玄 杨婧

1，达芬奇画鸡蛋

达芬奇是意大利的一位著名画家，他在小的时候，有一天，教师拿出一个鸡蛋说：“请你画出两个一模一样的鸡蛋，能做到吗”说完就走了。达芬奇想：鸡蛋有什么好画的，这又有何难呢达芬奇从这边看，那边看，鸡蛋还是鸡蛋，但他怎么也画不出两个一模一样的鸡蛋。于是，他去问老师，首先，老师表扬了他认真观察，并告诉他别小看这一个鸡蛋，其实他是千万个鸡蛋从不同的角度看是不同的鸡蛋。达芬奇记住了这句话，不仅用手去画，而且用心灵去画，几十年之后，他终于成为了一个大画家。

2，怀素练字

怀素小时候家里很穷，年少时就出家当了和尚，诵经坐禅等佛事之余，他对练字产生了兴趣。因为买不起纸张，就找来一块木板和圆盘，涂上白漆书写。后来，怀素觉得漆板光滑，不易着墨， 就又在寺院附近的一块荒地，种植了一万多株的芭蕉树。芭蕉长大后，他摘下芭叶，铺在桌上，临帖挥毫。

由于怀素没日没夜的练字，老芭蕉叶剥光了，小叶又舍不得摘，于是想了个办法，乾脆带了笔墨站在芭蕉树前，对着鲜叶书写，就算太阳照得他如煎似熬；刺骨的北风冻得他手肤迸裂，他还是在所不顾，继续坚持不懈地练字。他写完一处，再写另一处，从未间断。这就是有名的怀素芭蕉练字。

他勤学精研；又用漆盘、漆板代纸，写至再三，盘板都穿，秃笔成冢，以“狂草”出名。“运笔迅速，如骤雨旋风，飞动圆转，随手万变，而法度具备”。前人评其狂草继承张旭又有新的发展，谓“以狂继颠”，并称“颠张醉素”。对后世影响也很大。怀素晚年草书趋于平淡。

他存世草书墨迹很多，著名的有《东陵圣母帖》、《论书帖》，是含有章草笔意的优秀作品；《苦笋帖》、《千字文》和《自叙帖》，均为狂草，笔势狂怪怒张，神彩飞舞，可以说是着力的佳作。

3，王献之练字

王献之是王羲之的第七个儿子，自幼聪明好学，在书法上专工草书隶书，也善画画儿。他七八岁时始学书法，师承父亲。有一次，王羲之看献之正聚精会神地练习书法，便悄悄走到背后，突然伸手去抽献之手中的毛笔，献之握笔很牢，没被抽掉。父亲很高兴，夸赞道：“此儿后当复有大名。”小献之听后心中沾沾自喜。还有一次，羲之的一位朋友让献之在扇子上写字，献之挥笔便写，突然笔落扇上，把字污染了，小献之灵机一动，一只小牛栩栩如生于扇面上。再加上众人对献之书法绘画赞不绝口，小献之滋长了骄傲情绪。献之的父母看此情景，若有所思……

一天，小献之问母亲郗氏：“我只要再写上三年就行了吧？”妈妈摇摇头。“五年总行了吧？”妈妈又摇摇头。献之急了，冲着妈妈说：“那您说究竟要多长时间”“你要记住，写完院里这18缸水，你的字才会有筋有骨，有血有肉，才会站得直立得稳。”献之一回头，原来父亲站在了他的背后。王献之心中不服，啥都没说，一咬牙又练了5年，把一大堆写好的字给父亲看，希望听到几句表扬的话。谁知，王羲之一张张掀过，一个劲地摇头。掀到一个“大”字，父亲现出了较满意的表情，随手在“大”字下填了一个点，然后把字稿全部退还给献之。

小献之心中仍然不服，又将全部习字抱给母亲看，并说：“我又练了5 年，并且是完全按照父亲的字样练的。您仔细看看，我和父亲的字还有什么不同”母亲果然认真地看了3天，最后指着王羲之在“大”字下加的那个点儿，叹了口气说：“吾儿磨尽三缸水，惟有一点似羲之。”

献之听后泄气了，有气无力地说：“难啊！这样下去，啥时候才能有好结果呢？”母亲见他的骄气已经消尽了，就鼓励他说：“孩子，只要功夫深，就没有过不去的河、翻不过的山。你只要像这几年一样坚持不懈地练下去，就一定会达到目的的！”

献之听完后深受感动，又锲而不舍地练下去。功夫不负有心人，献之练字用尽了18大缸水，在书法上突飞猛进。后来，王献之的字也到了力透纸背、炉火纯青的程度，他的字和王羲之的字并列，被人们称为“二王”。

4，贝多芬童年

贝多芬的祖父与父亲都是宫廷歌手。在大部分时间里，他的父亲都喝得大醉，没有对家庭和气过一点，甚至连家人们是否有足够的吃穿都从未过问。起初，善良的祖父还能使这个家庭免受太多的苦；反过来，他最大的孙子的音乐才能也使老人感到莫大的欣慰。但是当小贝多芬只有四岁时，祖父就去世了。贝多芬的父亲常把孩子拽到键盘前，让他在那里艰苦地练上许多小时，每当弹错的时候就打他的耳光。邻居们常常听见这个小孩子由于疲倦和疼痛而抽泣着睡去。不久，一个没什么水平的旅行音乐家法伊弗尔来到这个市镇，被带到贝多芬家里。他和老贝多芬常常在外面一个小酒馆里喝酒到半夜，然后回家把小路德维希拖下床开始上课，这一课有时要上到天亮才算完。为了使他看上去象一个神童，父亲谎报了他的年龄，在他八岁时，把他带出去当做六岁的孩子开音乐会。但是天下哪有后天培养出来的神童，尽管费了很多事，老贝多芬始终没有能够把他的儿子造就成另一个年轻的莫扎特。与莫扎特相比，贝多芬的童年太不幸了。莫扎特在童年受到良好的教育，他的练功时间是愉快而安静的，有着一个慈爱的父亲和一个被钟爱的姐姐；而贝多芬则不然，虽然他的演奏赢得了家乡人的尊敬，但世界性的旅行演出却远未象莫扎特那样引起世人的惊叹。

　　《聊斋志异》是中国清朝小说家蒲松龄创作的文言短篇小说集，它的创作过程基本上都是不断收集民间文学、古籍改编、创新而成的一本短篇文言小说。本文主要从作品内容本身与民间一系列文学的角度论述它的灵感来源。

　蒲松龄只要听到什么奇闻轶事，他都会仔细了解，把故事记下来，再进行加工创作，收录到自己的作品中。搜集素材方面，他的灵感来源，来自民间，尽管在创作过程中有加工的痕迹，却依然还保留着大量的民间关于鬼神灵异的较原始的信仰，从民间文学中又可细分为以下几类。

　一、民间妖怪故事

　《山海经》里的青丘九尾狐，《封神演义》里的妲己，东汉赵晔的《吴越春秋·越王无馀外传》记载的涂山氏九尾白狐。这些算是早期狐妖题材作品，后来在民间衍生出狐族四大姓氏：青丘、涂山、有苏、纯狐。不仅如此，还有诸多花妖树妖等，在百姓眼里，世间万物皆有灵，都可成精。

　清朝的蒲松龄结合民间传说与经典古籍等内容，日积月累，创作了《画皮》中的狐妖小唯，其实在《聊斋志异》中单单描写狐的文章就有30多篇，有很多狐仙、狐妖、狐狸精等，当然也有普通的狐狸；《竹青》中的由乌鸦所幻化的竹青；《衢州三怪》中的独角怪、白布怪、鸭怪。衢州三怪是衢州的一个古老传说，"三怪"源于旱、火、水之灾；《白秋练》中慕蟾宫就对着月亮吟诗时，白鳍豚精白秋练竟暗恋上了慕公子，以致相思成疾。

　二、民间阴鬼之论

　民间认为，现世的人间为阳间，人死后进入阴间，也就是阴曹地府，所谓的“黄泉”。生前为人，死后成鬼。自《搜神记》开始，情鬼的形象在民间与文学作品中时常出现，深受百姓喜爱。到了唐代，随着小说艺术水平的提高，描写情鬼的作品曾一度繁荣，且喜欢写历代帝王家中的女鬼，如《独孤穆》《颜浚》《张云容》。《聊斋志异》中有鬼故事170多篇，约占全书总数的三分之一，描写了大量的女鬼形象，这些爱憎分明、形象鲜明的女鬼在故事的叙事中发挥了重要的作用，里面多数提到“人鬼情未了”，《聂小倩》中八岁就死掉的女鬼聂小倩；《连琐》中受冤的女鬼连琐；还有《巧娘》《鲁公女》等，她们一个个都是有个性的情鬼，多数为善良之鬼。《聊斋志异》中有善良的男鬼，如《叶生》中丁乘鹤因欣赏叶生的才能，““使即官署，受灯火”，还“时赐钱谷恤其家’， 尽力帮助之。叶生得了重病快要死去，丁公却仍不忍丢下他，叶生很是感动，死后魂魄跟随着丁公。这篇文章非常感人，也很凄楚，充满了作者对崇高友谊的赞叹及对黑暗科举的憎恨的思想感情。《聊斋志异》中的亡魂，大都是非正常死亡：王六郎死于溺水，林四娘死于明末战乱，公孙九娘死于于七农民起义的牵连，梅女死于恶贼和贪官的污蔑与逼迫等等，她们都死于风华正茂的好年纪，死后执念极深，难免有怨。但恪守本心的鬼很多，如《梅女》中梅女为鬼十六年，清白自守，除恶申冤，捍卫比生命还珍贵的尊严；《褚生》中的褚生魂从知己，感恩图报；《长清僧》借尸还魂后依然不堕落、不动摇，高僧风范依旧。

　其中也有冤鬼、恶鬼祸害人间，死法也五花八门，如《缢鬼》中吊死鬼，《江中》中会吃人的鬼，《尸变》中的害人女尸，《霍生》中冤死的严妻，《水莽草》中误吃水莽草而死的祝生。

　三、民间传说中的神仙

　神仙分天神、地祇、地府神灵、人鬼之神、仙和真人等。神仙在《聊斋志异》中的比例相对于妖鬼人来说较少，且完全服务于剧情。

　《雹神》中指主管降雹的天神；《土地夫人》《牛蝗》中的土地夫人、蝗神；《酆都御史》中的阎罗天子传说；《孙夏》《大男》中的关羽，《桓侯》中的张飞等人鬼之神；《葛巾》中的紫牡丹仙子，细分下来到底属于妖还是神？这里又分了一类“仙”。民间传说，天上住着各路神仙，地府中也有许多神职人员，最常见的莫过于勾人魂魄的“黑白无常”。民间的神，《聊斋志异》多次提到土地庙，在百姓心目中，神是“至高无上”的信仰，其主要目的是为了满足百姓们的心理需要。《考城隍》写考城隍神事，宋公被召去考城，题为“一人二人，有心无心。”因“有心为善，虽善不赏。无心为恶，虽恶不罚”句得诸神传赞不已，任为城。从这点也可以看出，城隍之职是正直有德者担任。面对不能恪尽职守的神灵，则会给予了严厉的惩罚。《席方平》中城隍、郡司、冥王收受贿赂，不但不给他伸冤，反而对他施加酷刑，逼迫他不准再告状。最后，席方平告到二郎神那里，终于使他们受到了惩罚。

　四、民间轶事

　《聊斋志异》除了记录了一些妖狐鬼怪的故事之外，也记录了一些名人名案的故事。这些故事有一定的现实依据，或反讽当时的某种思想观念，或是百姓的一种期盼，邻里间传播的故事，起着一种教育的意义。如《于中丞》写的是清朝著名的一代廉吏于成龙的故事。而《镜听》中的益都郑氏兄弟，则是平民百姓家长里短的真实写照，也具有教育意义。　

　《蛇癖》中吃蛇的人；《崂山道士》《仙人岛》中的道家文化；《太原狱》中的案子； 《化男》中女变男的奇事等，这些故事的主角是凡人，事件千奇百怪，有一种猎奇心理。

　五、民间杂技、小戏等娱乐活动

　《鼠戏》里的“歌声甫动，则有鼠自囊中出，蒙假面，被小装服，自背登楼，人立而舞”；《戏术》里的“有桶戏者，桶可容升，无底中空，亦如俗戏”；《蛙曲》里的“以细杖敲其首，辄哇然作鸣。或与金钱，则乱击蛙顶，如拊云锣之乐，宫商词曲，了了可辨”；《铁布衫法》里“骈其指，力砍之，可断牛项；横搠之，可洞牛腹”出现了气功。《棋鬼》《鸽异》《口技》里也可看出百姓日常生活中的娱乐消遣项目。

　六、民间思想理念

　《考城隍》中宋先生去世后考上城隍，还魂为母亲尽孝，体现了民间中的“孝道”。《长清僧》告诉人们：人要做一件正确的事，不仅是一时一刻的坚持，还应该是一辈子的永恒。《盗户》是为了讽刺当地清廷官员治政无方、昏庸无能。作者又借《骂鸭》警告那些偷东西的贼人。

　我们发现，在《聊斋志异》里，百姓口中说出的故事、神话、传说等都有涉及，它在一定程度上反映了当时的社会状况。民间文学是蒲松龄创作的灵感源泉，它是整部作品的根基。

灵感就是一种思维的模式，是一种富有创造性的思维。

灵感是一个人内心的思维想法，是人的一种心理活动。这种想法还是一种有创造性的思维想法，它的特点就是想法很新颖，与别人的想法或者固有的思想与众不同。能在一个事物上产生创新的思想，能用自己独特的思想去改造事物。

灵感是一个人的内心活动，它是人的内在思想，这是产生它的一个前提。只有人内心有了活动后才可以有可能会产生灵感。当然，仅仅拥有内在的创新思维是不够的，灵感需要在实物上体现，就需要一个实物的载体，没有这个实物的载体，再新颖的想法都是纸上谈兵，只是空洞的别人是无法理解的。

比如钢琴家郎朗在钢琴方面有很多的灵感，他就会通过弹奏钢琴来将自己的灵感表现出来，如果没有钢琴的帮助，他的灵感只能被称作为个人想法，而不能说是一种灵感。

再比如说画家梵高，他的作品虽然抽象但是寓意无限，是别人无法创作出来的。这就是他灵感的体现，他内心独特的想法通过一幅幅画反映了出来，成为了一种灵感的体现。

灵感之所以有的人会有有的人没有，是因为它是只有人对某个事物进行思考才会出现的，如果不动脑，灵感是不会自己蹦出来的。所以很多不喜欢动脑子的人，对身边事物没有任何想法，灵感自然就不会有。反之，如果长期对一些事物有自己的思考，就经常会产生灵感，人生也会更加的丰富。

所以，灵感的有无取决于自己是否对事物有自己的想法。

个人体会，写作没灵感，一般是这样几种情况：

1、什么都没有，只有一个“我要写小说”的念头；

2、没有大纲，想到一个绝妙的点子，但起因经过结果一概没有，凭着一腔热情就开始写；

3、有粗略的大纲，有大事件，但不知道应该怎么串连；

4、脑中有画面，有剧情，不知道该怎么表达。

第一种……问题比较大。

写小说写的是故事，所有的感情、逻辑、思想都要通过故事来表达，这里所需要的最初的灵感，就是所谓的“梗”。

要有一个激发你构思整个故事的起始梗，才算有了地基，有了无中生有的一。

这个灵感来源是非常广泛的，无论是看书、看视频，还是逛街、跑步，都有可能激发，但是硬想很难想到。

比如，你在路边，看到有老人家摆小摊，联想到古早老爷爷卖秘籍梗，觉得烂大街，那改一改。

有个年轻小伙，或者姑娘卖东西，又或者索性是主角摆摊谋生。

卖点什么呢？可以是一些稀奇古怪，效果强大但没什么用的东西，也可以是各种传说中的、漫画中的武器，被当做周边的真品。

然后顺着逻辑思考，为什么主角拥有这些奇怪的物品，又为什么会在拥有这些东西的情况下，沦落到摆摊为生。

故事的背景就出来了。

第二种情况，没有大纲，想到一个绝妙的点子，但起因经过结果一概没有，凭着一腔热情就开始写。

开头或许会很顺利，但多半顺不到一万字就开始卡，因为主角性格、背景设定、层级划分都还没有确定，故事情节圆不回来就很容易写崩。

当然，也不排除有人天赋强大，一路顺着写自然而然就能写出一个完整的故事，还能凭借“连我自己都不知道下一章会发生什么”的惊喜感，写出一个出人意料的精彩故事。

但天才毕竟是少数，普通人还是老老实实地写大纲吧。