明代的日用瓷器，除了宋元时期的大窑场如磁州、龙泉等地仍有烧造外，不同程度的粗、细陶瓷器生产遍及山西、河南、甘肃、江西、浙江、广东、广西、福建等省。其中，山西的法华器、德化的白瓷和江苏宜兴的紫砂器更是这一时期的特殊成就。

法华又称珐华，是明代中期以后在晋南一带盛行的具有特殊装饰效果与独特民族风格的日用器皿。法华器的胎与琉璃器完全一样，釉的配方也和琉璃器大体相同，只是助熔剂有差异：硫璃以铅作助熔剂，而法华所用的助熔剂是牙硝。《南窑笔记》说：“法蓝、法翠……本朝有陶司马驻昌南，传此二色，云出自山东琉璃窑也。其制用涩胎上色，复入窑烧成者。用石末、铜花、牙硝为法翠，加入青料为法蓝。”这里的法蓝、法翠很可能就是指法华的蓝色和孔雀绿色。在古代华和花是一个字。为什么在色彩上要加一个法字，它的最早记载见于何时，都还有待进一步研究。法华的装饰方法，是“采用彩绘中的立粉技术，在陶胎表面上用特别带管的泥浆袋，勾勒成凸线的纹饰轮廓，然后分别以黄、绿、紫釉料，填出底子和花纹色彩，入窑烧成”（高寿田：《山西琉璃》，《文物》1962年4、5期）。山西所制的法华器，一般都是小件的花瓶、香炉、动物之类。景德镇在嘉靖前后也仿制法华器，但它和山西法华不同。首先是景德镇用瓷胎而山西法华用陶胎，因而烧成的温度就不一样。景德镇的器物有饰以花鸟、人物的瓶、罐、钵等。在器物的底色上，琉璃一般是黄、绿二色，但法华则以紫或孔雀绿为主，缀以黄、白、孔雀蓝的花纹，就更能突出艺术效果。

德化窑的白瓷在宋代已有生产，但成为全国制瓷业中一种具有代表性的品种，是在明代开始的。万历十四年（1612年）刊刻的《泉州府志》说：“磁器出晋江磁灶地方，又有色白次于饶磁……又有白瓷器，出德化程寺后山中，洁白可爱。”关于德化的古代窑址，福建省博物馆于1976年再次调查，据现有资料，明代的窑址计十八处：在浔中公社的有祖龙宫、屈斗宫、岭兜、后窑、西门头、大草铺、后所；在三班公社的有内坂、新乾寨、窑垅山、桐岭、旧窑、新窑、啤坝窑；在刈坑公社的有石坊、双溪口、苏田；在上涌公社的有许坑林等。

明代德化白瓷有其独特的风格，它不仅与唐宋时期其他地区的白瓷不同，而且与景德镇同时期的白瓷也不一样。它有如下的特点：

（一）瓷胎细密，透光度极其良好，为唐宋其它地区白瓷所不及。唐宋北方白瓷，是用氧化铝含量较高的粘土烧制的，粘土内含助熔物质少，故器胎不够致密，透光度较差。而德化白瓷则用氧化硅含量较高的瓷土制成，瓷土内氧化钾含量高达6％，烧成后玻璃相较多，因而它的瓷胎致密，透光度好。

（二）就釉面来看，德化釉为纯白色，而北方唐宋时期的白瓷釉则泛淡**，元明时期景德镇的白瓷却白里微微泛青，与德化白瓷有明显的区别。造成这种差别的原因，不仅与原料的化学组成，特别是氧化铁、氧化钛的含量有关，也与烧成气氛的性质有关。北方白瓷的特点是胎、釉中TiO2、Al2O3含量比较高，胎中的Fe2O3含量亦较高，烧成时采用氧化气氛。故瓷器呈现白里泛黄的色调；景德镇白瓷的特点是胎釉中Fe2O3、TiO2、 Al203含量均较适中，烧成时采用还原气氛，故瓷器呈现白里泛青的色调；德化白瓷的特点是胎釉中的Fe2O3含量特别低，K2O含量特别高（周仁、李家治：《中国历代名窑陶瓷工艺的初步科学总结》、《考古学报》1960年第1期），烧成时采用中性气氛，所以德化白瓷就比唐宋北方白瓷和景德镇同期生产的白瓷釉色更纯净，从外观上看，色泽光润明亮，乳白如凝脂，在光照之下，釉中隐现粉红或乳白，因此有“猪油白”、“象牙白”之称。流传欧洲后，法国人又称为“鹅绒白”、“中国白”等等。

明代德化白瓷的品种，宋应星《天工开物》说：“德化窑，惟以烧造瓷仙精巧人物玩器，不适实用。”德化的瓷雕和供器，如一些仿古的尊、鼎和香炉等明代制作确实较多，但日用器皿也还是有的，而且从屈斗宫窑址的调查来看，除了传世多见的梅花杯外，更发现了“杯身呈八角形，器身外壁棱面印有八仙的八仙杯，这种轻巧玲珑的小杯胎薄，特别是腹部，能映见指影。在灯光或日光下显出肉红色。这与文献记载的‘以白中闪红者为贵’是一致的”（厦门大学人类博物馆：《德化屈斗宫窑址的调查发现》，《文物》1965年第2期）。此外，如明末清初人周亮工在《闽山记》中提到的：“德化瓷萧笛，色莹白，式亦精好，但累百枝，无一二合调者。合则声凄朗，远出竹上。”这种瓷制乐器，目前尚有实物传世。

明代德化的瓷雕是颇负盛名的，一般说来有如下几个特点：

（一）能于各种雕像中见性格，如达摩的庄严，观音的温柔，寿星、罗汉之类的诙谐。

（二）能充分运用对比的手法，装饰性很强，如雕像的衣服多取迎风飘举之势，一举一动，对比强烈；面部刻划细腻，衣纹则深而洗练，主次分明。

德化瓷质地优异，它的佛像大都追求单纯的雕塑美和原材料的质地美，摒弃彩饰，因而有独特的风韵。这些瓷雕背部往往有小小的“何朝宗”、“林朝景”、“张素山”等印记，其中以“何朝宗”最为著名。上海博物馆所藏带有“明朝天启肆年岁次甲子秋吉日赛谢”青花题字的白釉铺道瓶，是明德化窑稀有的记年器。

明代外销瓷的生产主要在福建，广东也有着相当大的规模。但是，就整个制瓷业来说，代表明代水平的是全国制瓷业中心江西景德镇。

明代景德镇所产的瓷器，数量大，品种多，质量高，销路广。宋应星在《天工开物》中说：“合并数郡，不敌江西饶郡产……若夫中华四裔。驰名猎取者，皆饶郡浮梁景德镇之产也。”从品种和质量来说，景德镇的青花瓷器在元代的基础上又有了新的发展，成为全国瓷器生产的主流。明代釉上彩瓷的盛行，是我国陶工数千年实践的结果。早在新石器时代，人们就已认识到某些天然矿物如铁矿石、赭石、瓷土等，可以作为赭红、黑、白等彩色，在陶器表面绘成各种图案花纹，这就是著名的彩陶。汉代盛行的铅釉，是以铜和铁为着色元素制成的低温釉。到唐代，又进一步利用某些含钴、铁、锰的矿物在铅釉中的着色作用，从而制成了具有蓝、黄、绿、白等多种色调的唐三彩。宋代，我国北方磁州窑，采用毛笔蘸彩料，在已烧成的瓷器釉面上描绘简单的花纹，然后置于800℃左右的炉子中加以烧制，使彩料烧结在釉面上，这种彩称“宋红绿彩”。上述这些工艺上的发明，大部分首创于北方，后来陆续传入景德镇。景德镇的工匠们吸收了这些技术，并加以综合、改进和提高，在明清两代，他们对釉上彩的配方作了重要的改革。釉上彩是在低温色釉的基础上发展起来的。低温色釉的化学组成属于PbO—SiO2二元系统。而釉上彩的化学组成则属于PbO—SiO2—K2O三元系统。这是人们为了适应工艺上的需要，又在上述二元系统的组成中以硝的形式引入了K2O的缘故。此外人们还将釉上彩和当时已经比较成熟的釉下彩结合起来，创造成功了别具一格的斗彩。以成化斗彩为代表的彩瓷，是我国制瓷史上的空前杰作；永乐、宣德时期的铜红釉和其他单色釉的烧制成功，则表明了当时景德镇制瓷工匠的高度技术水平。

明代景德镇成为瓷都，在元代已经打下了基础。元代青花、釉里红新品种的烧制成功，以钴为着色剂的霁蓝和铜红高温单色釉的出现，以及描金装饰手法的运用，都为明代彩瓷和单色釉的辉煌成就创造了技术条件。但是，景德镇在元代的全国制瓷业中，还不能居于盟主的地位，因为当时的龙泉。磁州和钧窑等各大窑场仍具有相当大的规模。入明以后，情况就有显著的变化。景德镇以外的各大窑场都日趋衰落。首先是钧窑系的各种产品全部停止生产。龙泉青釉瓷器虽在明初仍继续大量烧造，但它已无法和景德镇的釉下彩、釉上彩、斗彩以及多种多样的高低温色釉相匹敌，所以在明中期以后它们都不可避免地走向衰落。磁州窑系的白地黑花器虽然仍为民间所喜爱，但是和景德镇的青花瓷器相比较，在胎、釉和制作工艺上都望尘莫及，最后亦归于没落。随着各大窑场的衰落，各种具有特殊技能的制瓷工匠自然会向瓷业发达的景德镇集中，形成了景德镇“工匠八方来，器成天下走”的局面。

优越的自然条件，是使景德镇能成为瓷业中心的一个重要因素。景德镇位于昌江与其支流西河、东河的汇合处，四面环山。明代，浮梁县境内的麻仓山、湖田及附近的余干、婺源等地，都蕴藏着丰富的制瓷原料。浮梁和附近地区，怀玉山脉绵亘起伏其间，山区多产松柴，可经昌江及其支流航运到景德镇，为烧窑提供了丰富的燃料。当时的民窑很多设于昌江及其支流沿岸，河水不仅可供淘洗瓷土，而且可以设置水碓，利用水力粉碎瓷土。

丰富的自然资源，成熟的技术条件，在国内外市场需要的刺激下，明代景德镇的制瓷业在元代的基础上突飞猛进，它不仅要满足国内外市场的需要，而且还担负了宫廷御器和明政府对内、对外赐赏和交换的全部官窑器的制作，成为全国的瓷业中心。

　　明式家具着重在“式”。无论后代家具在材料和生产时间有什么变化，只要具有明代家具的风格，都叫做明式家具。明式家具具有浓厚的明式风格，朴实高雅、秀丽端庄、韵味浓郁、刚柔相济，造型优美简练那么明式家具的特点都有什么，今天土巴兔小编就和大家介绍一下。

　　明式家具的特点

　　1、选材上，多用硬木，纹理优美

　　明式家具之所以能在海内外亨有美誉，其大量选用质地坚硬、色泽幽雅、肌理华美的珍贵木材是一个重要因素。如前文所述，明式家具所选用的黄花梨、紫檀、鸡翅木、榉木等木材，其木质自身就有着优美的色泽和肌理，黄花梨温润，紫檀静穆，乌木深沉等。这些木材经磨光打蜡，充分展示了木材本色的自然美，加之铜饰件等的衬托，更显得精美绝仑，富有艺术感染力。

　　明代家具的木材纹理，自然优美，呈现出羽毛兽面等膝陇形象，令人有不尽的遐想。充分利用木材的纹理优势，发挥硬木材料本身的自然美，这是明代硬木家具的又一突出特点。明代硬木家具用材，多数为黄花梨、紫檀、鸂鶒木等。这些高级硬木，都具有色调和纹理的自然美。工匠们在制作时，除了精工细作而外，同时不加漆饰，不作大面积装饰，充分发挥、充分利用木材本身的色调、纹理的特长，形成为自己特有的审美趣味，形成为自己的独特风格。这是明代家具的又一特点。

　　2、造型上，以线为主，洗练大方

　　在所有中华民族的传统艺术中，几乎都采用“线”的形式来表现。明式家具通过框架结构，以线为主要造型语言，来塑造各种形体特征的。明式家具在造型中多采用曲线与直线的对比与变化，集中了直线与曲线的优点，柔中带刚，虚中见实。明式家具的线型还借鉴青铜器、古玉器、陶瓷、建筑、书法、绘画等艺术形式中线型的运用，深得刚柔相济、流畅舒展之妙。

　　严格的比例关系是家具造型的基础。我们看明代家具，其局部与局部的比例、装饰与整体形态的比例，都极为匀称而协调。如椅子、桌子等家具，其上部与下部，其腿子、枨子、靠背、搭脑之间，他们的高低、长短、粗细、宽窄，都令人感到无可挑剔地匀称、协调。并且与功能要求极相符合，没有多余的累赘，整体感觉就是线的组合。其各个部件的线条，均呈挺拔秀丽之势。刚柔相济，线条挺而不僵，柔而不弱，表现出简练、质朴、典雅、大方之美。

　　3、装饰上，繁简相宜，手法灵活

　　明式家具在注重结构、功能、造型、材料的诸多前提下，讲究适宜的装饰，采用雕刻、镶嵌、髹饰等多种用法，或结构装饰、或细部刻划，使结构与装饰、装饰与家具整体浑然融合，适宜的装饰，既为家具增饰添华，又与家具整体的简洁形成对比。装饰用材也很广泛，珐琅、螺甸、竹、牙、玉、石等等，样样不拒。但是，决不贪多堆砌，也不曲意雕琢，而是根据整体要求，作恰如其分的局部装饰。如椅子背板上，作小面积的透雕或镶嵌，在桌案的局部，施以矮老或卡子花等。虽然已经施以装饰，但是整体看，仍不失朴素与清秀的本色;可谓适宜得体、锦上添花。

　　4、结构上，严谨科学，榫卯合理

　　明式家具多种多样的构件，在结构中的作用均十分明确，根据受力情况和形式效果，在用料、做工上无不做到精益求精，在比例和关系上正确和谐。即使一些看起来只起装饰作用的构件，也多是结构构件的加工变化，在家具形体中显得自然、紧凑。

　　5 结构严谨、作工精细

　　明代家具的卯榫结构，极富有科学性。不用钉子少用胶，不受自然条件的潮湿或干燥的影响，制作上采用攒边等作法。在跨度较大的局部之间，镶以牙板、牙条、圈口、券口、矮老、霸王枨、罗锅枨、卡子花等等，既美观，又加强了牢固性。明代家具的结构设计，是科学和艺术的极好结合。时至今日，经过几百年的变迁，家具仍然牢固如初，可见明代家具的卯榫结构，有很高的科学性。

　　6 造型比例严谨，注重功能性

　　在造型特征上明代的家具设计讲求严密的比例关系和适宜的尺度，在此基础上与使用功能紧密地联系在一起，力求达到功能与形式的完美结合，在造型中运用曲线，无论是大曲率的着力构件还是小曲率的装饰线脚、花纹、牙板，大多简洁挺劲，贺润流畅，而无矫饰。

　　明式家具的分类

　　明式家具分五类：第一类为床榻宝座;第二类为椅、凳、墩;第三类为桌、案、几;第四类为橱、柜、格、箱;第五类为屏风及其它家具。

　　第一类，床、榻、宝座，为卧具和起居用具，明代此类家具主要有架子床、罗汉床、榻和床式大椅。

　　第二类，椅、凳、墩等坐具，明代的坐具主要有交椅、圈椅、四出头官帽椅、南官帽椅、靠背椅、杌椅、坐墩。

　　第三类， 桌、案、几等承具，明代的桌分束腰桌和无束腰桌;案有长方案和条案之分，案面两端有翘头案和平头案之分;几有香几和炕几之分。

　　第四类， 橱、柜、格、箱等存贮具，橱一屉称为闷户橱、两屉称联二橱、三屉称联三橱、四屉称联四橱;柜分圆角柜和方角柜;箱有长方和正方形之分。

　　第五类，屏风及其它家具，屏风有插屏和围屏;其它家具有镜台和衣架。

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从刻版上来说，武强年画以阳刻为主、兼施阴刻，运用黑白对比的手法，发挥出木刻刀韵的效果。在着色上，以大红大绿为主，色彩强烈、鲜明，风格独特。在历次鉴赏会上，国内外美术界无不认为，武强年画主题突出，结构严谨，画面清晰，线条粗犷，人物形象健美，举止体态传神，堪与天津杨柳青年画、山东潍坊年画、江苏桃花坞年画、四川绵竹年画、河南朱仙镇年画相媲美，是我国年画中一支绚丽多彩的花朵。

传统的武强年画，其题材多为气氛热烈，符合劳动人民祈求人寿年丰、大吉大利的心理，表达的是人们热切的希冀和愿望，象“五谷丰登”、“福禄寿”、“年年如意”等，都是武强年画的主要内容。它采取象征、比拟、双关等手法，表达出民间艺术特有的浪漫色彩。如：画一只喜鹊站在梅花枝上，则取名“喜上眉（梅）梢”；荷塘里一枝出水芙蓉，再画一条金丝鲤鱼，就取名“连（莲）年有余（鱼）”等等，都是通过画面上的事物来象征寓意吉祥的内涵。

这个木刻古代书韩诗外传值钱。

根据今日头条资料显示《韩诗外传》是一部记述中国古代史实、传闻的著作，共十卷，由360条轶事、道德说教、伦理规范以及实际忠告等不同内容的杂编，《韩诗外传》最早的刊本是宋本，等到中国古代明朝的时候已经经历一个元朝，宋朝和明朝之间隔了89年。因此此时木刻《韩诗外传》是值钱的。

古书是中国古代优秀思想文化的重要载体，从某种意义上说，古籍善本是中华民族优秀文化遗产中最具特色，最有魅力的实物资料。正因为如此，古籍善本一直受到历代文人墨客、知识分子的偏爱和珍藏。《韩诗外传》起源于宋朝，对于明朝而言其就是古籍的代表，因此极具收藏价值。

中国美术

以汉民族为主体的华夏民族所创造的以物质材料为媒介，占据一定立体或平面空间的艺术。在中国，这种古老的艺术形式，大约产生在史前时代。在漫长的历史进程中，不仅演化出建筑、雕刻、绘画、工艺造型等门类，还形成了不同于西方美术的独特传统与体系。

建筑艺术

中国建筑艺术，在世界建筑史上是延续历史最长，分布地域最广，有着特殊风格与体系的造型艺术。中国古代建筑艺术在文化层面上表现出三大特质：注重审美性与政治伦理性的高度统一；具有鲜明的人文主义品格，是中国传统文化精神的集中展现；在多样变化中注重综合性的整体空间意象。其形式特征主要表现为：①多以群体组合的形式构成丰富的空间序列。如以十字轴线展开的坛庙建筑；以纵轴为主横轴为辅的民居和宫殿建筑；以曲折轴线展开的园林建筑。不管哪种展开方式都形成抑扬顿挫，有前序、高潮、尾声的空间序列。②单体建筑造型有一定的规格程式。如殿、亭、廊等形制都由台基、屋身和屋顶组成，同时各部分之间都有一定的比例，尤其是到了清代，这种规格化已达极至。③木结构的梁架组合形式所形成的体量巨大的屋顶，与坡顶、正脊和翘起飞檐的柔美曲线，使屋顶成为中国建筑最突出的形式特色。④室内空间处理灵活多变。常用板壁、槅扇、帐幔、屏风、博古架隔为大小不一，富有变化的空间，产生迂劻、含蓄的空间意象。⑤注重建筑构件的色彩和装饰彩绘的表现性。并以此标示等级与功能的差异。

中国建筑艺术按时间序列可分为秦汉、隋唐、明清、近现代4个阶段。①秦汉阶段。早在商周时期，中国建筑的主要特征如庭院形式、对称布局、木梁架结构、单体造型、大屋顶等已初步形成，不过因诸侯割据而南北各异。秦汉时期随着政治上的集权和一统，建筑风格也趋于统一。其特征是，都城里坊划分有秩，并多封以高墙。宫殿、陵墓多为高大的台榭式群体建筑，其中单体建筑体量巨大，多以十字轴线展开，并装饰有造型夸张、诡谲、色彩浓重的雕刻和彩绘，布局舒展、整齐，具有明确的伦理、等级、秩序等内涵，表现出刚健、质朴的风格特色。②隋唐阶段。汉末到南北朝时期，随着佛教的传入和盛行、南北民族的大融合以及文人士大夫归隐山林的思想情趣和山水诗、画的出现，使南北朝时期的建筑艺术在传统的理性精神中加入了许多浪漫情调。至唐代终于形成了理性与浪漫相交织的盛唐风貌。宏伟、规整的都城，恢宏舒展的宫殿、坛庙，规模巨大，形制多样的寺塔、石窟，造型浑厚，装饰华丽，展示出博大伟美的风格特征。③明清阶段。经五代两宋城市经济的发展及各地方文化乃至蒙、藏、阿拉伯文化的进一步交融，至18世纪的清代，中国古代建筑艺术走向最成熟的阶段。城市街巷规格方整，宫殿陵墓建筑定型化，但形制增多，手法多样，造园艺术空前繁荣。其总体风格是雍容、典丽、严谨、清晰。④近现代阶段。随着封建制度的解体和西方文化的东渐、现代社会科学技术的发展以及现代人审美情趣和文化心理的变迁，20世纪的中国建筑产生了较大变异。在传统的园林建筑中，增加了建筑的比重，空间更加曲折多变，装饰更加繁复细丽。出现了大量中西合璧式的公共建筑，更加注重其实用功能与审美功能的统一。80年代以后城市整体布局更加开放，变革更加迅速。风格更加丰富多样，寻找时代风格与民族风格的有机结合将是中国现代建筑的重要课题。

雕塑

中国雕塑在题材内容、形式风格、雕塑技法上都具有鲜明的民族特色。古代雕塑作品主要是陵墓雕塑、宗教雕塑和民俗雕塑。其发展高峰是秦汉至隋唐时期。20世纪以后受西方文化影响出现了大型纪念性雕塑和架上雕塑。

中国原始雕塑主要以人和各种动物形象的陶塑为主，还有石、骨、玉材料的雕刻。人物形象大多是附加在实用器物上的装饰物。多以捏塑、贴塑、锥刺等手法制成，随意性很强，形象粗简、稚拙。但从辽宁牛河梁红山文化遗址发现的头像和残片看，可知5000年前的原始先民们已有了木架支撑、层层敷泥等最初的雕塑方法。商周时期的雕塑作品以青铜器铸造为主。商代青铜礼器造型奇特，多富于神秘、威慑的色彩。西周以后，其风格趋于写实而富于理性。至春秋战国时期则变得繁丽、华美。商、周时期除礼器外，还有一些器物支架、底座等实用青铜器和石、骨、玉雕刻作品，或人物或动物皆造型巧妙，制做精细。另外如四川广汉三星堆出土的一组青铜人像，形制巨大，形象夸张，与中原遗物有着明显差异，可窥见远古巴蜀文化的风貌。秦汉时期的雕塑空前繁盛。最具典型意义的是秦始皇陵兵马俑雕塑群。其塑造方法是模塑与手塑相结合，塑好泥胎后，入窑烧制再加彩绘而成。以体量的巨大、数量的众多、形象的真实产生着震撼人心的艺术魅力。汉代的厚葬风使动物俑和人物俑的雕塑作品众多，造型古朴、神态夸张而强调动势。西汉名将霍去病墓前的大型动物石刻，手法简练概括，于浑厚中显示着雄强的力之美。随着佛教的盛行，佛像雕塑成为魏晋南北朝时期雕塑艺术的主流，著名的云冈、敦煌、龙门、麦积山四大石窟均开凿于这个时代。一般而言，北魏时期的造像在形式风格上受印度或西域式样的影响，庄严、浑朴，于静穆中显示着佛的伟力。南北朝的佛教雕刻融合汉族知识分子的审美时尚，形成了褒衣博带秀骨清象的新风貌，此外，南朝陵墓雕刻群也是这个时期重要的雕刻作品。最出色的是那些镇墓神兽，体量巨大，造型奇伟。隋唐时期是中国古代雕塑的鼎盛期。其成就首先表现在石窟雕塑上，如龙门石窟奉先寺石刻造像。其雕刻手法流畅而娴熟，创造了完全民族化的造型风格，它不仅体现唐帝国博大、雄强的时代精神，同时也显示出唐人丰富的想象力和高超的雕刻技艺。唐代宗教雕塑的另一特点是形象的现实化与个性化。那些佛国的人物都被赋予了世人的性格和神貌。以顺陵石狮、昭陵六骏为代表的陵墓雕刻，单纯而注重动势，体现出雄视一切的恢宏气度。此外，最能代表唐俑艺术水平的是那些真实生动的三彩俑。世俗题材的增多和写实风格的发展是宋、辽、金时期雕塑艺术的主要特点，四川大足石窟、山西晋祠、山东长青灵岩寺、江苏直保圣寺彩塑，都生动传神地表现出了世人情态，有很强的写实性。辽代大同下华严寺的菩萨造像体态优美、神性含蓄、衣饰华美，大有唐塑遗风。此外河南焦作金墓出土的砖雕人物，型制虽小却有浓郁的生活情味。元、明、清时代的雕塑成就主要体现在宫廷、园林中的雕塑作品上，在点缀人间、烘托氛围上起了很重要的作用。此外，清末天津张明山的以民俗生活为题材的小型泥塑，在写实方面达到了相当高的水平。20世纪以后，中国雕塑在题材内容和形式风格上产生了新的变化，出现了一批雕塑家和纪念性的写实雕塑作品。80年代以后，雕塑艺术向着多样化发展，环境雕塑和小型架上雕塑并驾齐驱，并且在艺术观念、创作手法和材质的探索上都有了长足的进展。

绘画

中国的绘画艺术源远流长，在数千年的演化过程中，不仅创造了多种多样的形式，并且在绘画观念及表现方法上自成体系，独具民族特色。传统的中国绘画，主要使用柔软的毛笔、水墨，以黑白线条和装饰性色彩描绘形象，与注重再现客观事物外在形式的西方传统绘画相比，更注重主观情感的表达和意境的创造。20世纪以后，中国绘画从西方获得了许多借鉴，有了更加多样化的发展。

中国绘画的缘起，可追溯到大约1万年以前的新石器时代。那些刻在岩壁和兽骨上的花纹、描绘在陶器上的纹样、画在地面和墙壁上的人和动物形状等，虽然粗犷、稚拙，但已具备了在平面空间展示形象的基本性能，可视为中国最早的绘画艺术。据记载，周代已有历史人物的画像，春秋时期已有大型壁画。从出土的青铜器纹饰、漆器彩绘和楚墓帛画可看出在春秋战国时期以线造型的特色已初步形成。秦汉时期的绘画艺术已十分发达。既有壁画又有肖像画，既有历史画又有神怪画，题材多样，种类不一，从汉墓出土的大量壁画、画像石、画像砖、帛画、漆画等可睹当时绘画艺术之风貌。其壁画造型生动洗练，用笔质朴简率，在单纯、稚拙的形式中表现出运动、力量和速度感，其画像砖多为各种生活场面，造型夸张简括，注意整体动势的描绘。其帛画多富有浪漫性，如湖南马王堆一号汉墓出土的非衣帛画，制作精细，造型准确，用线流畅而有变化，以石青石绿等矿物颜料着色，至今鲜丽不变。魏晋南北朝时期，佛教壁画空前兴盛。以敦煌莫高窟的壁画数量最多也最精彩。卷轴画和顾恺之、陆探微、张僧繇等士人画家的出现，标志着中国绘画进入了一个新的更加自觉的理性阶段。人物画趋于成熟，准确的人体比例、优美的线描和深入的表情刻画取代了汉代绘画天真、稚拙、以动态传情的特色。与此同时还出现了最早的山水画，并产生了中国最早的独立画论。隋唐绘画仍以宗教题材为大宗。佛教的盛行不仅为画家们提供了施展创造才能的物质条件和观赏群，还能确立画家的社会地位，因之许多画家都从事寺庙壁画创作，大大提高了它们的艺术水平。与此同时表现世人生活的人物画高度繁荣，将人物画从南北朝的“迹简意淡而雅正”推向了“细密精致而臻丽”的境界。山水画迅速发展，花鸟、鬼神、牛马、屋宇等开始独立成科，一时名家辈出，使唐代绘画五彩纷呈，绚丽多姿。五代两宋时期的绘画艺术进一步成熟和完备，登上中国古代绘画的顶峰。寺观壁画衰落，世俗生活和山水、花鸟成为画家们更加喜欢的题材。绘画的教化功能被逐渐减弱，审美、寄情和娱悦功能则被空前看重。文人画家的涌现，使绘画向诗歌汲取营养，更加注重诗情意境的表现。在材料工具和技巧上更趋考究、精妙。水墨画空前成熟，重彩画更加工整细丽。总体看宋代绘画更趋精致、多样化，并富于人情味的抒情性。绘画功能的转变也使其创作与欣赏的结构发生着雅俗分流的变化。元代知识分子的特殊境遇和文人画思潮的扩大，使绘画产生了时代性的转折与变异，元画以卷轴为主，且多用纸。纸能充分发挥渴笔的功能，遂使笔法空前丰富，与宋画相比更能表现物象的多种质感和艺术家细腻的感受。宋人崇尚以诗入画，强调空间与情趣的变化。元人崇尚以书入画，更强调笔墨情趣的形式感，从绘画自身来看，元画向着完满性跨越了一大步。明清两代山水花鸟画更成大宗，宗教画、人物画愈加衰落。明代山水画坛画派林立，进一步发展了中国传统绘画的形式风格。明中叶以后，形成一股雅俗合流的势力。著名画家涉足文学插图、年画、稿本的创作，给绘画艺术带来了新的生机。清初社会矛盾空前尖锐，出现了四画僧、四王、金陵八家等一大批杰出画家。突起了中国绘画史上的又一个高峰。乾隆年间（1736～1796）扬州画派和清末海上画派的出现，使摹古之风甚盛的清代中、晚期画坛又放异彩。雅俗合一之势更加明显。辛亥革命以后，在西方文化的冲击与影响下，中国的绘画在观念与价值取向上都面临着多种选择的可能。但为人生而艺术、把绘画创作与现实功利紧密结合的大趋势成为主要流向，写实主义绘画渐居首位。50年代以后，以徐悲鸿画派与前苏联绘画体系相结合为根基，为政治和为人民服务的绘画大发展。80年代以后，中国绘画更向着多层次，多态式发展，出现了空前繁荣的景象。

书法

以毛笔书写汉字，也是中国特有的一种造型式样。讲求用笔的疾徐、顿挫、顺逆、刚柔、墨色的浓淡、干湿创造美的章法及结构形式，借以表达书法家的文化修养、品格情操。

中国书法在数千年的演化过程中，形成了篆、隶、楷、草、行等主要字体形式。篆书是商、周、战国时代通行的字体，大都刻在甲骨、青铜器或简牍、帛、石、陶上。至秦代小篆成为全国推行使用的统一字体。其结体圆长，笔画匀称，藏头护尾，圆润优美。隶书盛行于汉代，字体宽扁，左右舒展，横画如蚕头燕尾，具有浓厚的装饰意趣。楷书经南北朝到唐代发展至顶峰，其字形方正、笔画结构严整。王羲之、欧阳询、褚遂良、颜真卿、柳公权等书法家留下的不同风格的楷书作品，给后人以深刻影响。草书经章草、小草发展为狂草，笔线连绵不断，大起大落如风驰电掣。此书也盛行于唐代，以张旭和怀素最为著名。行书介乎草书与楷书之间，书写简易，流畅。形成于汉，成熟于两晋。历代书法家都以行书字体创造了各自不同的风格。

篆刻

中国篆刻是以书法字体，结合镌刻制作印章的一种艺术。它于方寸之中，红白之间创造各种美的结构和形式。因其字体多为篆书所以称篆刻。

篆刻艺术是由作为权力和凭证的古玺印发展而来的。明中叶以后发展成独立的艺术式样，并形成了各种风格流派。如明代以文彭为代表的吴门派和以何震为代表的徽派；清代以程遂厚重、凝练风格为代表的皖派，以丁敬、邓石如开创，黄易等西泠八家发扬光大的浙派。清末吴昌硕将古印、陶文、石鼓文等熔于刀法之中，以苍劲古朴之风被尊为吴派。

工艺美术

中国的工艺美术历史悠久、种类繁多。它一方面以满足人们的实用要求和审美要求为目的，与社会的物质生活和精神生活紧密相联；另一方面，高超、精湛的制造技艺又闪烁着中国历代劳动者智慧的光芒。所以中国工艺美术又浓缩着民族文化的精华，展示着民族精神发展的历程。

中国工艺美术 门类众多，按功能可分为实用工艺美术和陈设工艺美术；按生产方式可分为手工艺美术和工业设计；按生产和消费的社会层次可分为民间工艺美术、宫廷工艺美术和文人工艺美术。按材料和创作工艺可把传统工艺美术归结为雕刻工艺、织绣工艺、编织工艺、金属工艺、陶瓷工艺、漆器工艺六大类别。现代工艺则以产品对象分为室内环境设计、染织设计、日用工业品造型设计、日用陶瓷设计、商业美术设计和书籍装饰设计等。

原始人制造的第一件劳动工具可视为中国工艺美术的远源。从单纯工具发展为新石器时代的石、玉、骨、牙雕刻，缝纫，编织，制陶等工艺，已明显地表现出对美的追求与创造了。最有代表性的是形制多样、纹饰斑斓的陶器。商、周、春秋、战国时期，浑厚、奇丽的青铜礼器和精美的玉器是造型艺术的代表。至汉代青铜造型仍占重要地位，漆器、丝织、釉陶等制作技艺已相当成熟，南北朝时期在青瓷烧制、织锦技术等方面成就最为突出，风格趋于华丽。唐代的织锦、陶瓷、金银器、漆器等工艺获得全面发展，其制作水平和生产规模都是空前的。富丽华贵、舒展丰满是唐代工艺造型的风格特征。宋元两代制瓷工艺蓬勃发展，瓷窑遍布全国各地，以钧、汝、官、哥、定五大名窑的产品最具特色。优雅的造型，晶莹的釉色，精湛的制胎、烧窑技艺，享誉全世界。明代资本主义萌芽的产生，促使其工艺美术跨入一个新阶段，各工艺门类都有了全面发展，其总体风格简约、劲健而端庄。清代工艺美术在品种、形式、手法、技艺等各方面都远远地超越了前代，可以说是中国古代工艺美术的集大成时期。与时代和上层人士的审美趣味相谐，其风格日趋雕琢、精致、繁缛。20世纪以后，在现代工业文明的冲击下，传统工艺美术衰落，具有清新、明快、简洁风格的现代工艺迅速崛起。尤其是80年代以后，中国工艺美术在形式和内涵上都与现代社会文化及人们丰富多变的审美心态息息相关，在品类的繁多、风格的多变、技艺的精良等方面都是前所未有的。它们一方面构建着现代社会的生活环境，另一方面又不断地影响和更新着人们的精神追求和审美观念。中国美术大约产生在史前时代。在漫长的历史进程中，不仅演化出雕塑、绘画、工艺造型等门类，还形成了不同于西方美术的独特传统与体系。

中国的工艺美术有着悠久的历史。原始社会新石器时期的陶器，可以说是最早的工艺美术品。此后，商周的青铜器，战国的漆器，汉唐的丝织品，宋朝的刺绣，明清的景泰蓝和瓷器等，都是极其精美、名贵的工艺品。

中国传统的工艺美术，制作精美，技艺高超，不但具有鲜明的民族风格和地方特色，而且品种丰富，种类繁多。如：金属工艺、漆器、陶瓷、编织、刺绣等。

中国工艺美术品是中国文化艺术宝库中的珍宝，很早以前它们就已走向世界，并向各国人民展示了自己的风采。

明代初期：基本继承的是元代的典型书风；沈度的《敬斋箴册》代表馆阁体最高水准 。其笔力劲道，气格超迈，通篇结字匀停，行列齐整，形貌丰润淳和，端雅雍容。

明代中期：江浙一代经济逐渐发展，文化也因之而起，成为书法的核心地区。一些文人淡于仕进，优游文艺，逐渐成为具有一定职业化特征的书画家，以出售书画为生。这使其创作目的、风格追求都不可避免地发生了一些变化， “ 文人化 ” 的清雅气息逐渐有所减弱，而好异尚奇之风逐渐兴起。如王宠，追求的就是一种疏宕雅拙的韵味，以韵写拙，而又 “ 拙中见秀 ” 、 “ 拙中见雅 ” 。

明代晚期：国家内部的政治、文化斗争日趋尖锐，从心学中衍生的个性解放思想蓬勃发展，而外来的军事压力也渐渐增大，这极大地影响了人们的心理，并进一步影响了文艺活动。书法领域因之也出现了一次重大的变革，狂放书风成为书法发展的主流，也有人称之为豪放派。

可能是留存下来的时候没有保存好或者木遭到腐蚀而造成文字不清楚。

看不清的地方可以根据上下午推敲一下，校对古籍时如果有参考，可以参考其他书目进行校对，选择最符合你认为的文意，进行适度的推测是可以的。

如果没有，那么就用方框表示，有几个字就用几个方框，空出缺文位置。以待更多资料。首先挑一本自己感兴趣的古籍，要有详细的注释，最好也要有翻译，然后把它认真地、仔细地学习完，记住是学习完，不是看完，这是个学习的过程，一定要动笔写笔记。可以写心得，也可以写点能帮助你理解内容的文字，比如对字词的注解，对句子的诠释。

看不懂的地方一定要查资料写注释，看了那么多古籍到现在我才意识到看古籍一定要写注释，否则将来再看一遍，不懂的地方还是不懂，那就永远没有进步。