插画艺术风格有哪些

1扁平插画

。扁平插画相对来说有很强的通用性,因为它简约又直观、弱化了细节和透视,识别度和上手度也相对更快,契合了年轻人对可爱和萌趣的审美要求,是最容易让画面出整体效果的技法;通常会运用规则的几何图形或不规则的矢量图形去保留物体原有的辨识度形态,搭配大块面的色块,用简约的图形去让主体形态更加抽象或者简约化,运用的范围比较广阔,常见的有海报、包装、banner、App闪屏、游戏界面等。

2渐变插画。

渐变插画的特点是大量运用低饱和度的渐变手法,且在用色上一般采取近似色;其细节丰富而细腻、画面风格偏写实、视觉稳重大气,让画面很有视觉冲击力和层次感。其中,渐变插画里面又细分双色渐变、半透明渐变、网格渐变、渐变模糊等形式。

3MBE插画

。这种插画风格的特点是:简洁、圆润和可爱,一般都带有特粗的深色描线、Q版化卡通形象、圆润的线条、矢量绘制的线条+面组合的设计风格,整体很清新、可爱的调性,一般运用在图标和空白界面的提醒等方面。

4肌理插画。

肌理插画一般是在基于扁平画的基础上,最后融入肌理效果,最后呈现出有质感,且有光影效果的画面;这种画法一般没有描边线,大多都是通过色块的明暗来区分每个元素;通过增加质感、杂色等,来增加插画的层次和立体感,可以有效的刻画作品的细节;给人很朴实的感受,比较轻松随意;肌理中的颗粒感增加了画面细节,也更耐看,同时也更有个人风格。

5立体插画。

立体插画能够二维的空间里表现三维的事物,为画面带来透视感和空间感,更好地传达信息。

6描边插画

。描边插画可以简单理解为众多线面结合图标组合在一起,互相呼应而组成一个大画面,多带有描边的处理;多运用线条和描边,画面整体比较干净整洁,常用于H5/App;在应用时要注意描边的粗细对比,要衡量是否符合常规。

7剪纸插画。

剪纸风格插画就是用剪纸的方式制作插画,通过切割,堆叠分层剪纸来营造不同的内容。与传统的平面插画相比,剪纸插画可以使画面更具层次感和立体感,形式上也更加新奇有趣。

8国潮插画。

国潮在近几年备受推崇,简言而知,国潮就是以中国文化和传统为基调,集时尚、格调和腔调于一身,是传统与现代的文化思潮碰撞,更是东方美学的淋漓展现。因此插画融合了国潮文化,加速画面的传播力度,更具时尚感;同时也赋予了品牌更多的符号和文化价值。品牌可以借此迸发出无限的魅力和营销潜力。

9光影插画。

光影插画能利用光线和阴影结合,将画面的氛围烘托到极致,是一场想象与现实的完美碰撞。通过明暗和阴影层次变化,让视觉上更有立体感,以此形成固象,让画面更加有吸引力和视觉空间感。

10手绘型插画。

手绘插画是插画表现手法中最原始的一种,很考验创作者的形体和绘画功底;通过运用手绘的肌理和图形来直观地传递情感的艺术设计语言,可以让观众更直接的接受情感,极具直观的形象和真实的生活感以及快速的情感感染力,比其他的插画形式多了一种人情意蕴。多用于艺术性的活动或者动漫、海报设计,整体张扬又随意,带着诸多的生活气息,很有亲和力。

插画风格有哪几种

插画风格大概可以分为以下几种:

1日韩风

特点:日本最典型的的就是“赛璐璐”风格,画风唯美,人物体型纤细,男女变化不大。日本风格更加休闲与生活化,而韩国风格更倾向于华丽和浪漫,与写实风格基本相似。

2欧美风

特点:欧美风插画以写实居多,强调真是的纹理和质感,刻画细腻。喜欢将表情夸张化,让角色看起来更生动,更有活力。

3中式古风

特点:与上述两种美术风格的插画相比,中式风格原画也有着自身的鲜明特点,内敛含蓄却充满张力。尽管中国风原画也或多或少地受到欧美、日韩原画的影响,但深厚的古典艺术、高雅和神秘依旧是其特色。

4Q版插画

特点:Q版插画风格最突出,主要以人物和动物为主,人物可爱夸张或搞怪,人体比例矮短,虽然线条简单,色块分明,但人物特点鲜明。

5扁平化风格插画

特点:主要由色块构成,造型几何化,外轮廓光滑,几乎没有轮廓线视觉表现多样化,可亲和,也可严谨。符合现代屏幕媒介和当代审美趋势而流行的风格。

6诙谐幽默风格插画

特点:比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见。常见于新闻杂志插画,有幽默、讽刺的韵味蕴含在画面中,多于政治、社会和文化等议题有关。色彩的选择上也是比较夸张化,让人一眼看过去就忍俊不禁。

7写实主义插画

特点:最常见的风格,是什么样,就画什么样,就是画得像。把那些最需要表达的东西表达清楚。

插画的7种风格

特点-扁平、流行、常用的风格、简洁明了

扁平插画简单来讲就是把复杂的关系简约化,让画面更加清爽整洁,也是现在比较常用的风格了,很多商务工具类的APP会选择使用这种风格。比如说拉勾、钉钉

特点-扁平插画的变种、增加颗粒感、有质感、光影关系好

肌理插画顾名思义就是给插画加上了些肌理质感(比如杂色)和光感,本质也和扁平插画差不多,一些想体现质感的页面会用到这种风格。以下是一些设计师的作品。

特点-美术功底要求最高、应用广、展现内容丰富。手绘风格的插画运用的也比较广,常见的有一些插画绘本,故事场景设计等。下面这些是摘自插画师-顾心的作品。

特点-简洁、圆润、可爱、断点

MBE插画(dribbble的一位设计师创作了这种风格),它主要的特点就是圆润、可爱、呆萌、简洁。在APP中的引导页、启动页和缺省页运用也比较广泛。

特点-唯美、颜色的采取近似色、颜色明亮鲜艳。

渐变插画有点类似日本漫画场景的感觉,风格特别唯美浪漫。光感比较强,所以也称为微光插画。颜色一般采用相近色,颜色种类不要太多。

特点-25d插画、立体感强、视觉冲击强。

立体插画也称为25D插画,也就是在二维的空间里表现三维的事物。所以现在越来越多的设计师去学习C4D这个软件,虽然AI和PS也能做,但会麻烦一些。很多电商类的APP会选择使用这种风格。比如说京东

特点-形状、描边、抽象画处理

描边插画除了运用形状,还在它的外轮廓都运用了描边,可以很清晰的表达抽象事物。经常运用在一些图标icon上,比如闲鱼、转转

如何零基础自学pscg插画手绘入门

方法/步骤

基础:

素描基础是所有美术绘画的敲门砖和奠基石,素描基础好便能顺畅地绘制,创作和表达

素描基础最基本的四部曲:黑白灰色阶体积感空间感速写练习

临摹是捷径,但临摹切忌盲目描摹,应结合知识结构解读描绘。

作画步骤:①处理好整个画面的黑白灰关系

②塑造体积感同时关注空间关系

③调整空间关系,关注刻画靠前的对象

训练

1速写:大量练习速写,场景速写,角色速写,设计速写,可随手随地训练

2漫画线稿:同样地进行大量临摹和创作

3纸上水粉水彩的色彩练习:这样的练习是非常有必要的经验和绘画体验,例如调色,培养色感,利用颜色进行形体塑造。

以上的练习能够迅速提高观察和绘画能力,达到一定的程度后可以进行下一步骤的训练。

角色基础:

1人体动态结构

方法:①画照片

②同一动作不同高度和不同角度的训练

③关注连续动作的关键帧

④尝试设计动作

2人体体块注意体块的朝向

3人体透视及透视原理需要注意的是:人物着装人体空间意识视点的变化

数字基础学习:

5

解决以上问题便到了进阶阶段

进阶的训练有:

CG插画赛璐璐风格是什么意思？教你如何运用赛璐璐技巧进行画画

CG插画是什么赛璐璐是什么意思怎样才能画出赛璐璐的作品零基础如何学好插画学习绘画难吗想必这些都是绘画初学者们经常在想的问题吧,就是不知道如何才能学习好绘画,然后绘画出自己想要画的东西

那么今天灵猫课堂就在网络上收集整理了一些关于如何绘画赛璐璐插画的教程给大家,二次元平涂的技巧,CG插画赛璐璐风格是什么意思教你如何运用赛璐璐技巧进行画画,教程非常简单,赶紧来看看叭:

最早赛璐璐是指动画制作的单帧原片,为了节省成本和时间,很多日本的动画角色大多在线稿的基础上平铺底色,然后加上暗部即作为一帧使用,后来这种绘画方法广泛用于插画、原画工作。所谓的赛璐璐绘画,是以高完成度的线稿为基础,规整平铺颜色,然后根据画面需要添加暗部即完成作品。

拟人作为插画中的一种修辞手法,可以很好的给我们提供灵感来源,通过提取参考物体的外形特征,配色感觉,还可以将参考物体作为图案纹样加入到我们的画面当中,拟人的手法非常适合画人设或者立绘之类的,那么这一次就带着大家一起来画一个油菜花拟人**姐。

这一步主要确认你想画的的动态和人物形象,人物的身体动态用画火柴人的方式定出来大概的型就可以了。然后用草图的方式随意勾勒一下服装和头发,服装特点就借鉴花瓣的圆弧形,来画出裙摆的感觉,还将花苞的形状融入到了人物发型上面。

这一步把人体结构用硬边圆笔刷清晰的勾出,方便后期往上面加衣服,顺便把头部也给细化了。

在上一步人体基础上面细化出来服装和头发的线稿,依旧使用硬边圆笔刷,把遮挡部分用橡皮擦掉即可。

通过对油菜花的主要颜色,即**和绿色进行颜色提取,并且后期调整颜色的明度和饱和度,做出配色色卡,然后将搭配好的颜色平涂上去即可,涂色笔刷使用硬边圆。

这一步主要用柔边圆笔刷大面积的刷出颜色的混色,着重在肤色的红晕染色还有头发下半部分的颜色渐变。

用硬边圆笔刷配和图层的正片叠底模式,把暗面阴影处用边缘清晰的色块画出来。

用硬边圆笔刷,把亮面处用边缘清晰的色块画出来,这里主要画头发的反光还有衣服上的亮面。

锁定线稿图层,然后把每个部分的线稿颜色根据所在的色块进行改变。使线稿跟整体颜色更和谐统一。

这里花的画法跟人物是一样的步骤,但是画这种花很多的小植物,不用每一朵都画出来,可以挑选四到五个不同角度的花单独画出来,然后后期再多复制一些,进行组合摆放。

添加纯色背景,将小花和人物放在一起,为了避免背景过花,人物不突出,可以在人物后面加一个白色边框,最后再整体调整一下画面饱和度和对比度就完成啦!

以上就是灵猫课堂为大家从网络上整理分享的教程啦,主要是教大家如何绘画赛璐璐插画的教程,日系平涂的技巧,教程非常简单,相信这篇教程肯定会大家有所帮助,赶紧来看看叭~

CG漫画插画设计哪些课程

CGWNAG的大概是这些

第一阶段

第一周:简述CG艺术的发展,作品赏析,PHOTOSHOP的使用技巧及石膏头像临摹练习。

第二周:素描基础,色彩基础,透视原理,构图技巧2张场景的演示(练习构图与透视)。

第二阶段

第三周:人体结构总览,逐步加强对真实人体的分析和理解为之后能设计绘制出真实存在感角色打下重要的根基,人体骨络分解:详细讲解人体各部分骨骼关系、骨点位置。

第四周:详细讲解人体肌肉穿插关系、名称。重点讲解人体面部肌肉以及全身肌肉。

第五周:人物面部刻画,表情与性格表现。

第三阶段

第六周:材质的表现与人体工程学的合理构造讲解;人物肖像的绘制,学习怎么样设计出令人印象深刻的角色;武器道具的设计,各种类型武器鉴赏与练习物理类和魔法类。

第七周:怪物设定,怪物的变形夸张表现如何设计出美型和丑陋具有特征的怪物;机械设定(线稿上色)。

第八周:人物设定,现代时尚人物化装等技巧丰富人物性格特征。

陈颖怡:CGWANG-数码手绘老师

曾任职江门美名扬广告公司,广东缤果动漫集团有限公司

CGWANG2D项目组核心成员。参与完成制作多款项目美术风格的概念设计。

对整个美术设计流程非常熟悉。擅长基础结构造型色彩的讲解。清晰的教学思路,擅长辅导教学,具有亲和力。

天花板为人体部位名。上腭的俗称。因其状似天花板，故名。上腭为口腔的上壁。腭分硬腭与软腭两部分。硬腭在前，以骨质为基础；软腭在后，由黏膜及肌肉组成。

详见百科词条：天花板 [ 最后修订于2015/10/5 19:41:34 共73字 ] 以下结果自动匹配而成，不排除出现与主题不相关的内容，请自行区分。

仿古式插花属于插画造型分类吗

属于。按照这个分类可将整个世界插花分为三大类别,即西方式、东方式和综合式插花。

1、西方式插花

又叫密集式插花或大堆头插花。西式花艺有分美式,英式,法式,德式等。但其实他们的区别并不大,现在的发展也是相互学习,而法式美式等都受英式花艺的影响,但法国在西式花艺上的发展确实一直领先。因为法国人将花艺与时尚紧密结合,所以每年巴黎花艺的流行趋势一直都会影响整个世界。

主要特点是:整个插花的外形为几何图形,造型简单、大方,色彩以艳丽浓厚繁多,花材种类多,数量大,作品形体比较高大,表现出热情奔放,华丽的风格,注重花材的形式美和色彩美,并以外形表现主题内容,注重追求插花作品的块面和群体的艺术效果,而不太讲究花材的个体美或姿态美,尤其不讲究枝、叶的表现,仅将它们作为陪衬或作遮掩花泥和花插容器之用。在我国,此类插花广泛应用于宾馆、会议之用,能强烈地烘托热烈、欢腾之气氛。

西方式插花主要分:传统式和现代式两种。

①传统式插花:

以欧洲为代表,它的插法特点是色彩浓烈,是用大量不同颜色和不同质感的花组合而成,以几何图形构图,讲究对称的平衡。由于多种不同的图形都有较为明显的轴线(亦称中心线),因此尽管采用的是民族的插法,色彩斑斓,绚丽耀目,但杂而不乱,浑然一体,花与花之间,叶与叶之间层次分明,有深度,有节奏,表现出很好的章法。叶和枝是比较次要的,其功能只表现出作品的高度及静态的背景衬托。

②现代式插花:

把东方式和传统的西方式结合起来,经过分解,构成设计,插出的作品更能表现出色彩及花朵的美感。也可归入综合式。

2、东方式插花

也称为线条式插花,其代表为中国和日本。

中国在近2000年前已有了原始的插花意念和雏形。插花到唐朝时已盛行起来,并在宫廷中流行,在寺庙中则作为祭坛中的佛前供花。宋朝时期插花艺术已在民间得到普及,并且受到文人的喜爱,各朝关于插花欣赏的诗词很多。至明朝,我国插花艺术不仅广泛普及,并有插花专著问世,如张谦德著有《瓶花谱》,袁宏道著《瓶史》等。中国插花艺术发展到明朝,已达鼎盛时期,在技艺上、理论上都相当成熟和完善;在风格上,强调自然的抒情,优美朴实的表现,淡雅明秀的色彩,简洁的造型。清朝插花艺术在民间却得不到重视、发展和普及。中国的近代由于战乱等诸多因素,插花艺术在民间基本上消失。一直到近几年来,随着国民经济的发展及改革开放,人民生活水平逐步提高,鲜花才逐步回到了人们的生活当中。

日本花道实际由中国传入日本,数百年来日本人很完整地传承了花道。直到近年才再次受到国人的重视。跟西式花艺不同,花道作品注重花与空间的结合,往往具有独特的意境。给人空灵,平静内心的映像。花道的存在就是为了让我们发现花的原始状态,最简单原始的美好。在国外,有很多花艺师会用路边的野花或者是家里喂马的草作为插花作品的素材,其实最简单的素材,不需要过多搭配,就能展现出花最美丽的状态。

主要特点:崇尚自然,师法自然并高于自然。一般选用的花材比较简练,不以量取胜,而以姿和质取胜,不仅着力表现花朵的美,而且十分重视枝、叶和果实的表现力及季节的感受。造型上以自然线条构图为主,形体小巧玲珑,色彩上以淡雅、朴素著称,主题思想明确,力求考虑三种境界即生境、画境和意境。生境即师法自然,高于自然;画境则遵循绘画原则和原理,达到美如画的境界;意境即插花的任务和目的,具有一定的主题思想,含蓄深远,耐人寻味和遐思,表现出作者的情怀和寄托。

东方式插花可归纳成一句话即“花不在多,室雅何须大”,构图上比较自由,但日本插花构图较严谨,形式风格化。

3、综合式插花

即吸收东方式和西方式插花之特点,加以提炼而成的另一种插花方式。

综合式插花主要在美国。美国二次世界大战前的殖民时期以西式插花为主,战后,美兵驻兵日本,开始接受日本插花,同时受到西方式影响,成为东西合壁。主要形式有:T型、S型、螺旋型、L型、三角型、不对称三角型、直立型、水平型等等。此种插花已被宾馆、会议等处应用,因为其具有花用量相对较少,而且能烘托一定的气氛。

插画都有哪些风格？常见的插画风格都有哪些种类？

插画风格大概可以分为以下几种:

1日韩风

特点:日本最典型的的就是“赛璐璐”风格,画风唯美,人物体型纤细,男女变化不大。但同时二者又略有区别,例如日本风格更加休闲与生活化,而韩国风格更倾向于华丽和浪漫,与写实风格基本相似。

2欧美风

特点:欧美风插画以写实居多,强调真是的纹理和质感,刻画细腻。喜欢将表情夸张化,让角色看起来更生动,更有活力。

3中式古风

特点:与上述两种美术风格的插画相比,中式风格原画也有着自身的鲜明特点,内敛含蓄却充满张力。尽管中国风原画也或多或少地受到欧美、日韩原画的影响,但深厚的古典艺术、高雅和神秘依旧是其特色。

4Q版插画

特点:Q版插画风格最突出,主要以人物和动物为主,人物可爱夸张或搞怪,人体比例矮短,虽然线条简单,色块分明,但人物特点鲜明。

5扁平化风格插画

特点:主要由色块构成,造型几何化,外轮廓光滑,几乎没有轮廓线视觉表现多样化,可亲和,也可严谨。符合现代屏幕媒介和当代审美趋势而流行的风格。

6诙谐幽默风格插画

特点:比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见。常见于新闻杂志插画,有幽默、讽刺的韵味蕴含在画面中,多于政治、社会和文化等议题有关。色彩的选择上也是比较夸张化,让人一眼看过去就忍俊不禁。

7写实主义插画

特点:最常见的风格,是什么样,就画什么样,就是画得像。把那些最需要表达的东西表达清楚。

插画风格及方法

不同类型、风格的插画作品,其实都需要有其相对应的美术基本功,比如:

—写实类作品最需要的是对造型、光影的描写塑造,以及对人体和场景的把握和理解;

—海报、封面设计类作品最需要对画面构成的把握、颜色的搭配的熟练运用;

—看似简单的儿童插画及绘本(如几米),除了需要对颜色搭配、画面构成有所把握外,对人体、场景也要有一定的研究,否则很难设计出夸张可爱又不失合理的人物来。这两年比较热门的绘本作者-高木直子,也都是美术专科出身,经过了多年美术训练的。

虽然每个风格对美术基础的要求都各有侧重,但是就像绘本类作品一样,掌握综合全面的美术知识是非常必要的——写实类的作品如果对画面构成没有研究,那么出来的作品就没有重点、甚至没有气势。所以,如果没有对美术基础的扎实训练,不能掌握全面的美术知识,要创造出属于自己的成熟稳定的风格,是很难的。

以擦为例,如今的他可以有属于自己的固定风格的同时,又可以根据题材、要求不同而创作其他的风格,就是因为他掌握了扎实、全面的美术基本功。

先说软件

用的大多数是AI还有painter,这两个软件是用得最多的

一般分为欧美的韩国的,日本的这三个大方向多细分的话有好多啊唯美的写实的,抽象的等等好多

画插画没有捷径,如果想学插画~那一定要有绘画基础~~多画!多用点心!楼上说的很好,我再补充下,画插画要用到数位板和软件相结合,建议使用painter只要是喜欢插画的朋友,大部分都有自己动笔创作的冲动吧~而一旦开始画画了,往往会比较羡慕那些性格作者,也想要创造出自己的插画风格,然后发出如上般的豪言壮语。

对于很多喜欢插画创作的朋友来说,这里往往有一个误区,就是认为如果是某些清新的,或者另类的风格是不怎么需要基础训练的,只要有足够的创意和无限扩散的“感觉”就可以创作出来,其实不管是写实插画还是唯美作品风格,都是每个作者经过长期的积累而慢慢演化出来的,就算是那些另类风格的作者,在他们拥有自己风格之前,更是需要磨练出非常扎实的美术功底的。

风格上当然是找自己最合适和最擅长的了,如果没有特别擅长的,就找一个自己特别喜欢的,模仿一下。如果是想做商业插画,以此谋生的话,建议你还是稍微地调查一下当前的市场,大家更喜欢什么类型的插画。至于要用什么方法其实很多种的,不一定要用软件啊,还是要看你欣赏或者是擅长的是什么。总之插画这个东西,你若是真的有兴趣,真的有恒心画下去,总是会好的,不是说一定要什么风格和方法,你提出来的这个问题本身就有点问题哦

插画的毕设题目怎么选

选择能用插画表现出自己的所想的题材,这个是在插画设计是比较关键的。

接下来为大家提供两种插画创作的主题思考方向,帮助大家更好的准备自己的设计作品。

1故事。很多同学在思考创作主题时,会跳过故事这一选项,多数同学多是觉得故事插画的印象还停留在儿童绘本或者漫画上,把一个故事作为主题有些小儿科。这可以说是同学们一个极大的创作误区,在实际作品集创作中,以故事作为主题进行创作,是一个十分高效省力的选择。

2概念。有时候,由于一些文章缺乏人物,地点等故事场景,大家很难对文章进行插画创作。这种情况下,提取出文章概念对其进行插画式创作也不失为一种很好的创意主题。

蒸汽朋克插画的十一个主题

“蒸汽朋克”的美学主要来源于19世纪维多利亚时期的着装风格和工业革命时期发展出的蒸汽动力机械,以典型的怀旧装束和嵌满齿轮的配饰而闻名。但“蒸汽朋克”运动人气力爆棚还要归功于另一方面:插画艺术。

艺术家们在蒸汽朋克大背景下,进行大量地描绘创造产生不同的作品

这些作品从元素上区分,大致可分为11个主题

蒸汽朋克的主要魅力存在是来自各类独特人物的穿着、容貌和举止

类似飞船船长、背着火箭包的雇佣兵、飞天海盗等这些在蒸汽朋克中十分常见的人物

在这类插画中艺术家们常会花费大量笔墨,用明亮的色彩加上大量的场景来突显人物的特色

蒸汽朋克强调脑洞大开突破传统的创新

因此机器人的制造也是一条不可忽视的创作主线

艺术家们通过发条、齿轮、传动装置等整齐元素让机器人看起来既独特又脆弱,格外有趣

机器巨人比起上面提到的机器人来得更加有趣

因为他们更为笨重而且破坏力十足,是能把整个故事情节带上高潮的存在

而且通常他们都会沦为反叛者的工具

因此艺术家们在描述这些大家伙肆意破坏时也总是乐在其中

飞船、飞艇是蒸汽朋克的基本主题之一

它们承载着对整个未来科技的梦想,体现了蒸汽朋克文化中最有趣的一面

在蒸汽朋克插画中占有重要地位

任何奇幻的亚文化都会衍生出相关的绘图技术

有趣的蒸汽朋克故事中也少不了错综复杂的设计图的存在

它们可能经过渲染着色十分精美,也可能是一张随意到不行的草图

在蒸汽朋克虚拟的时空里

抽象艺术最能展现出它的独特美

在这个时空中机械动力是无所不能的,甚至你能看到机械与动物融为一体这样怪异又有趣的画面

富有创造力的发明家和机智任性的绅士,是蒸汽朋克中最受欢迎的人物类型之一

旧式人物庄严与狂欢碰撞相结合的装扮,更能突出展现人物有趣的两面性

维多利亚时代的城市是兼具古典美和工业美的存在

注入蒸汽朋克元素则又添一抹超现实的极端色彩

平淡无奇的城镇景观在机械和技术的感染下,带上了令人不可思议的缥缈气息

自1997年《星球大战》首映以来,它几乎已经渗透到每一种亚文化里

蒸汽朋克也不例外

许多艺术家执着于给星战中的人物设计服饰,甚至以星战为主题进行大批量的创作

因此星球大战也成为蒸汽朋克插画中的重要存在

在蒸汽朋克的世界里,交通工具也是十分有趣的元素

它们通常都具备这三个故事特点:是故事中开创性的发明;经常抛锚,但又能够随时随地修理;在千钧一发的时刻总能重新运转起来

蒸汽朋克为故事里面关于战争的情节添加了许多元素,例如飞船、凝固汽油弹、火箭包、坦克、机器人等,都可以用来与敌军作战

也因此给插画增加了视觉冲突,使战斗更能激发人体内的好战因子

中医插画的主题怎么写

1、在选择主题后,可以通过阅读相关书籍、文献、调查研究等方式,搜集相关资料,了解主题的相关知识和历史背景,以及当前的研究进展和应用实践。

2、搜集资料的基础上,确定主题的要素,如画面构图、色彩搭配、表现手法等,以及要表达的主题和情感。

3、根据主题要素,设计草图,尝试不同的构图和表现方式,以达到最佳的表达效果。

4、在设计草图的基础上,进一步确定细节,如线条、色彩、光影等方面,以及文字说明和注释等。

5、根据设计草图和确定的细节,完成中医插画作品,并进行修饰和润色,以达到最佳的视觉效果和艺术效果。

1：文艺复兴时期简介

文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

2：意大利早期文艺复兴时期

在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术

通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：

A：吉贝尔蒂

吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。

B：布鲁涅列斯齐

布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。

C：多纳泰罗

多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)

D: 马萨乔

马萨乔(Masaccio,1401--1428)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。

代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。

E：阿尔伯蒂

著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。

（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术

佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。

A：弗兰切斯卡

弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。

代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。

B：乔凡尼·贝利尼

乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。

代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。

C：梅西纳

梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。

代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。

3：意大利盛期文艺复兴美术

16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。

（l）：达·芬奇

达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。

代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。

（2）：米开朗琪罗

西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。

代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

(3)：拉斐尔

拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。

代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。

(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表

在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。

A：提香

提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。

代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。

（5）其它地区的美术家

A：萨托

萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。

代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。

4：样式主义美术

达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。

（1）庞多尔莫

庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。

代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。

（2）罗素

罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。

代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。

（3）布隆基诺

佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。

代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。

5：意大利以外地区的文艺复兴美术

欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。

（1）尼德兰文艺复兴美术

尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。

（2）德国文艺复兴美术

德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。

（3）法国文艺复兴美术

百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。

（4）西班牙文艺复兴美术

西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。