1、静物摄影

主题：静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。多以工业或手工制成品、自然存在的无生命物体等为拍摄题材。

在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过创意构思，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。这就叫静物摄影。

静物摄影在选材方面有广阔的天地，在择好素材之后，就可以随心所欲的处理这些对象，因为被摄物体是无生命的，可以任凭摆布，多角度移动以达到创作意图。

静物摄影具有两大优点：首先，它是进一步体会艺术视觉的深化过程。当一些很平常的物体被拍成引人入胜的照片时，实际上也就是深入学习观察这些物体的过程。其次，拍摄静物能获得更多的实际摄影知识。

对摄影者来说，静物摄影的难处在于它的画面构成具有独到之处。当布置好被摄物体之后，必须选择拍摄角度，在用光方面发挥创造性，进而把从静物摄影中学习到的实际摄影知识、基础原理应用到日常摄影中去。

2、人像摄影

主题：人像摄影与一般的人物摄影不同，人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。

而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。

不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。

那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。当然，从广义上来说，人像摄影拍的是人，它也属于人物摄影。

人像摄影以刻画和描绘被摄者的外貌与神态为自己的表现任务，应人物相貌鲜明。它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

3、记录摄影

主题：记录摄影指以纪录为第一目的，对客观事物进行真实影像反映的摄影。

摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。记录摄影的结果是影像记录作品。

相应而分，影像记录作品包括影像新闻作品和影像纪实作品。记录摄影目的(可能并不惟一，却是首要目的)在于记录;前提是尊重客观真实;对象是客观事物的表像;记录方式是以摄影再现影像。按照纪录影像的方式和追求的价值不同来划分，记录摄影分为新闻摄影和纪实摄影。

4、艺术摄影

主题：随着发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。

例如：我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。

其中的差别完全 在于艺术性的高低。艺术摄影拍出来的效果更唯美，因为这不仅需要技术，还要找准拍摄的时间、地点和角度。

5、画意摄影

主题：画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。

十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品——《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。

可以这样说，雷兰达对推进摄影艺术的发展功不可没。从此，画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

6、商业摄影

主题：商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。从狭义上讲就是商业摄影，广义上就是为发布商品或者撰写故等进行的摄影类型，这种类型在时下的摄影活动中是极为重要的一种。这类摄影是为商业利益而存在的，要按照企业要求进行拍摄，比较拘束。

7、水墨摄影

和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。

水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。

8、全息摄影

主题：全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。

普通摄影是记录物体面上的强光分布，它不能记录物体反射光的位相信息，因而失去了立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。

人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影即使只剩下一小部分，依然可以重现全部景物。

全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息**和电视等许多方面。

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但这本书仍是一套深入浅出的好教材。从照相机工作的原理，到摄影的基础知识：曝光、构图、用光技巧、闪灯的运用，再到一些常见题材的基本拍摄手法，可谓一应俱全。对每一个时期的摄影者来说，都能做到开卷有益。

、摄影分类

1静物摄影

静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命(此无生命为相对概念，比如从海里捕捞上来的鱼虾、已摘掉的瓜果等)、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。多以工业或手工制成品、自键兆然存在的无生命物体等为拍摄题材。在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过创意构思，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。这就叫静物摄影。

静物摄影在选材方面有广阔的天地，在择好素材之后，就可以随心所欲的处理这些对象，因为被摄物体是无生命的，可以任凭摆布，多角度移动以达到创作意图。静物摄影具有两大优点：首先，它是进一步体会艺术视觉的深化过程。当一些很平常的物体被拍成引人入胜的照片时，实际上也就是深入学习观察这些物体的过程。其次，拍摄静物能获得更多的实际摄影知识。对摄影者来说，静物摄影的难处在于它的画面构成具有独到之处。当布置好被摄物体之后，必须选择拍摄角度，在用光方面发挥创造性，进而把从静物摄影中学习到的实际摄影知识、基础原理应用到日常摄影中去。

2人像摄影

人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待冲野被摄者的形象，并没有具体的情节。而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。当然，从广义上来说，人像摄影拍的是人，它也属于人物摄影。人像摄影以刻画和描绘被摄者的外貌与神态为自己的表现任务，应人物相貌鲜明。它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

3记录摄影

纪录摄影指以纪录为第一目的，对客观事物进行真实影像反映的摄影。摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。纪录摄影的结果是影像纪录作品。相应而分，影像纪录作品包括影像新闻作品和影像纪实作品。纪录摄影目的(可能并不惟一，却是首要目的)在于纪录;前提是尊重客观真实;对象是客观事物的表像;纪录方式是以摄影再现影像。按照纪录影像的方式和追求的价值不同来划分，纪录摄影分为新闻摄影和纪实摄影。

4艺术摄影

随着的发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。例如：我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。其中的差别完全 在于艺术性的高低。艺术摄影拍出来的效果更唯美，因为这不仅需要技术，还要找准拍摄的时间、地点和角度。

5画意摄影

画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的'作品-----《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影艺术的发展功不可没。从此，稿判租画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

6商业摄影

商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。从狭义上讲就是商业摄影，广义上就是未发布商品或者撰写故等进行的摄影类型，这种类型在时下的摄影活动中是极为重

要的一种。这类摄影是为商业利益而存在的，要按照企业要求进行拍摄，比较拘束。

7水墨摄影

和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。

水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力

8全息摄影

全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通摄影是记录物体面上的光强分布，它不能记录物体反射光的位相信息，因而失去了立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影即使只剩下一小部分，依然可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息**和电视等许多方面。

二、摄影技巧

(一)一般摄影技巧

拍摄出好的摄影作品需要有一定的器材,耐心，以及一些必要知识。

所谓“摄影”，就是对一些景物的局部或者全部进行拍摄，以被摄物体的独有特征之美来吸引观众。但在拍摄时近景时，通常由于相机离被摄物体很近，所以很容易因为相机的举握不稳定而影响像质。不过你可以通过购买一些适当的器材来克服这些问题。拍摄好的摄影作品需要掌握以下几个技巧：

1使用三角架

拍摄时必须将相机安装在一个三角架上以防止相机的晃动。尽量的将相机靠近被摄物体，并且注意不要引入不必要的阴影。

2调焦轨

虽然它不是拍摄时的必备品，但是调焦轨却是一个很好的辅助装置可以帮助你拍摄出好的特写镜头。调焦轨能够使相机以非常小的增距沿着X和Y轴线移动，能够精确的控制相机的位置和画面的景深。如果用移动三角支架来达到理想的位置则是非常麻烦的。

3使用快门线

即使你已经将相机安装到了三角支架上，但是如果你在按快门的时候不小心，仍然有可能使相机产生晃动，所以为了避免这种情况的发生，我建议你最好还是使用快门线。

4使用黑色或有色背景

在拍摄时，当被摄物体的背景为黑色，那么就能够使拍摄出来的图象看起来最清楚。你也可以使用模糊的背景，特别是当被摄物体的色彩很浓的时候。

5在必要的时候使用反光卡

使用一个白色的卡片或是用一张铝箔包在卡片上，将光线反射在被摄物体上，以照亮物体上的阴影部分。需要注意的是不要让这张卡片出现在被拍摄范围内。

6一定要有耐性

有时候，即使是一阵微风也会使拍摄到的特写镜头出现模糊的情景。在这个时候，你就一定要有耐性了，最好是等到风过了之后再进行拍摄。同样的，在户外拍摄时，当天上的云将太阳遮住了，最好是等到太阳出来后再拍摄，这样拍摄出来的照片看起来会比多云时拍摄的照片的色彩更鲜艳

“宁欠勿过”(上)和“宁过勿欠”(下)

“宁欠勿过”(上)和“宁过勿欠”(下)

、明亮一些。

7运用好构图

奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对于构图，他已达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为：“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。关于相机在构图中的位置。他认为：“你越能忘记你的器材，越能集中你的题材和构图，那么相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”

小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。因此，怎样构图，和怎样选择主体、光线、色彩一样，也能成为一个摄影家独特的个人风格的基础。 “在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。 “构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它们使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。” 有些人或许对构图有天赋。

当画面中被摄主体在画面中所占比例过小，或画面的空白空间比较单调时(例如拍摄夕阳下的高楼大厦时)，可以创造性地运用欠曝形成剪影作为前景，通过黑色的剪影既可以压迫观众的视觉投向被摄主体，同时黑色剪影也不会分散观众的注意力。我们甚至可以运用以剪影作为主体的边框，形成方、圆或变异的各种形状，使平常的景物具有独特的画面形式感，增加画面的纵深感。

“宁过勿欠”与“宁欠勿过”的两种曝光原则

关于摄影坛里“宁过勿欠”与“宁欠勿过”的两种曝光原则，各有各的观点，两者都有为数不少的支持者。顾名思义，“宁过勿欠”指的就是“宁可过曝也不可欠曝”，只要曝光直方图不超出右边界，就可以放心地过曝，这样反而能让画面最大限度地干净细腻，并且感光度越高，效果越明显;“宁欠勿过”指的是“宁可欠曝也不可过曝”，因为欠曝带来的不够亮的问题完全可以用后期PS补救回来，而一旦过曝、丢失细节，拿什么软件都难以解决了。

(二)创意婚纱摄影小技巧

1有时爱是不需要表白说出的，手势打出，无声的爱更能打动人心，“LOVE”，手势、背影， 此处无声胜 声。

2镜子一向是摄影中运用最多的小道具，从镜子折射中拍出的照片效果总是出其不意，效果极佳。新娘借着镜子与伴娘站在了一起，相得益彰，妙然有趣，互动得非常到位。

3除了新娘，孩子是婚礼上最容易捕捉精彩镜头的人，当他们站在一起，女人与小孩，美丽与童真，在这一瞬间，幸福的未来就在眼前，触手可及，记录永恒。

4谁说婚纱照上的新郎必须中规中矩，偶尔的搞怪也是不错的创意，当然有伴郎的作伴更好，感情越深越二，这样的婚纱照记下的是新郎与哥们之间满满的基情之爱。

5出嫁的女儿总是要哭的，感谢父母养育之恩，不用去拍流下眼泪的瞬间，或与父母或与祖母母亲新娘三代人一起手手相牵，温情默默足以打动所有来宾。

6婚礼礼成之后的新人相拥亲吻有太多的创意可以拍，让所有的来宾蒙上眼睛，假装没有看到他们的甜蜜，其实在心底每个人都献上最真挚的祝福。

(三)婚纱摄影技巧

1面部表情要自然真实，略带微笑

拍照最忌表情僵硬，婚纱摄影时也不例外，如果新娘面相呆滞木讷，像是被人强制安上去的一般，拍出来的效果肯定不会好;虽然拍结婚照是非常甜蜜开心的事，新人也切忌笑的自然不要太过，微笑最好。

2身姿端直，打起精神

拍摄时身姿端直才有美感，切忌耷拉着脑袋，显得无精打采的，再好的摄影师也拍不出好照片来。

3姿势张弛有度，优雅美观

拍照时可以摆各种各样的姿势，或微微扬手，或稍微侧身，或低眉沉思，或翘首远盼……配合摄影师的建议，新娘可以摆出很多优美的姿势。这里应注意动作的幅度，张弛有度，优雅得体，动作切忌过于张显而流于夸张，也不能过于细微而显得忸怩作态。

4巧用道具，增添美感

新娘手持扇子会增添一种古典韵味;双手捧花会让新娘和花朵相得益彰;贴近自然会独得一份清新和宁静;而靠近新郎会让新娘看起来更加甜美幸福……凡有所依，必添美感。

5保持妆容，完美结束

婚纱摄影持续时间较长，有的甚至会持续一天，这时候我们就应该确保婚纱礼服的整洁干净、新娘妆容和发型的完好无缺。

在静物摄影时，镜头的选择范围很大，一般的镜头都可以满足静物拍摄，因为静物拍摄时拍摄内容不会移动，摄影师只需要调整自己的镜头达到静物拍摄的要求即可，但是一般不推荐广角镜头。

摄影一词是源于希腊语，两字一起的意思是"以光线绘图"。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。

　导语：静物拍摄构图也是很讲究技巧的，那到底讲究什么技巧呢？下面是我为你准备的静物拍摄构图的要求和技巧，希望对你有帮助！

　主题的选择

　对于拍摄主题的选择，拍摄什么样的照片完全取决于你自己的兴趣。但是千万不要以为自己一定要像其他人一样拍摄水果或者鲜花一类的，可以开放性的选择拍摄对象。比如首饰和现在市面上流行的彩石都是常见的装饰品，它们较为小巧，而且样式种类较多，从它们开始下手，也是不错的选择哦~ 静物拍摄构图技巧

　拍摄银饰手链这类饰品，可以用大光圈拍摄把背景散景化，便可呈现出一个个发光的小圆圈，为增添美感。

　对于具有名族风的饰品，可以搭配一个陈旧的化妆盒，让呈现出一种怀旧风。

　这些平时不起眼的小彩石被单反相机放大的呈现出来，每一个都具有它独特的色彩和纹理，仔细观察是不是也别有一番趣味呢

　把你想说的话通过上面的拍摄方式呈献给你心爱的他(她)吧~

　对于拍摄这些小物件来说，拍摄时要作近距离摄影，因此使用的器材应从近距摄影的角度来考虑。所以对于镜头的选择，笔者建议选用中、长焦镜头或者微距镜头。使用中、长焦镜头时，镜头与被摄体的最近对焦距离可稍大，布光比较方便。但如果您对拍摄画面的细节要求高一些，那就应该选用微距镜头来拍摄。

　正确使用背景

　选择一个好的背景对创作一件成功的作品起着非常重要的作用。对于静物拍摄来说选择的背景最好能够简单而且漂亮，这样不会对你所拍摄的物体产生很大的影响。一面淡雅素色的墙是比较不错的选择。

　白色的背景墙，使整张看起来简洁大方。

　如果你想使画面看起来颜色更加丰富饱满，不妨找一些和实物相匹配色调的背景或者是反差大的背景。

　具有沧桑感的背景墙与前景的和谐搭配，使画面看起来更加饱满。

　对于拍摄戒指类的银饰，可以选择颜色反差较大的亮色背景，便可凸显出银饰的质感，且令画面看起来不那么单调。

　对于一些比较小的实物，有可能用不上使用背景，所以我们可以使用一个衬底来代替，例如黑色的天鹅绒会是不错的选择，因为它能够吸收光线，使衬底看起来是纯黑色的。

　构图

　对于静物拍摄来说，它不局限主题元素的个数。所以构图就显得尤为重要。在拍摄前应该充分考虑如何使你的作品做到各种元素的最佳组合，既可以让画面看起来充盈，留白适当，也能抓住观众的视觉焦点，不使画面看起来散乱。下面笔者就给大家介绍几种静物拍摄常用的构图技巧。

　1三分构图法

　三分构图法在摄影中是最基础也是最为安全的一种构图方式。将画面的上下左右各平分为三等份，他们的四条等分分割线相交成四个点，这四个点被称之为趣味中心点，是安排作品的最佳位置。

　摄影中常用到三分法构图。

　2散点构图

　对于拍摄非单一物体来说，散点构图是静物摄影中最常用的构图方式。散点构图是把物体布满整个画面，不刻意去突出某件物体，完全是自由松散的构图结构。通过疏密或色调去组织画面，使无序的画面置于有序之中。这种构图方式可以充分发挥拍摄者的创作空间，不过要使画面看起来不过于凌乱，各位朋友还得下一番功夫。

　运用散点构图法的时候切记不要把物品集中堆在一起，这样会使画面看起来比例不和谐。

　3对角线构图

　对角线构图是很有视觉冲击力的一种构图方式，动感最强。如选用的得当的话，拍出来效果会非常好。

　4三角形构图

　三角形构图通常是以三个相同性质的主题构成画面的三角形整体。由于三角形的三条边是由不同方向的直线合拢而成，而不同的线条组成不同的形式的三角形，产生不同的趋势和变化，会给人带来不同的感受。

　三角形构图拍摄，可使的主次分明，疏密相间。

　5对比构图

　对比是构图的一种表现形式，对比的极化在摄影中被广泛应用，例如色彩对比、质感对比、大小对比、阴暗对比等等，比比皆是。但是这种构图方式也最难拿捏，能成功运用对比构图的作品多数不凡。有一定摄影基础的朋友不妨多多尝试。

　实色的葡萄与透明的器皿形成对比，玻璃的光滑材质与底布的褶皱形成对比。

　光滑表面的金属质镜子和布满纹理的木板形成鲜明的对比，这样的拍摄是不是多了几分趣味性呢

　光线的运用

　静物摄影的主要表现是突出物体的质感，要将其表现出来，除借助于某些道具外，关键在于光线的运用。静物摄影中常用到的光线有直射光、柔光、侧光以及顶光。

　1柔光的运用

　在静物拍摄中，打柔光是经常会用到的一种用光方式。它不局限于拍摄某一类物品，只要你想让你的影像表现出朦胧柔美的情调，便可使用这种用光方式。

　柔光拍摄中会使用到柔光罩。

　2直射光的运用

　直射光适合于表现一些质硬的物体，会给观者带来一种明了、强悍的感觉。

　直射光可展示硬质物体的金属质感。

　3侧光

　正面光由于不利于表现物体的立体感，所以一般多用做辅助光。侧光则立体感表现较好，也最适宜表现物体的质感。因此，静物摄影中最常用到的就是侧光。

　对于拍摄瓷器来说，宜以正侧光为主，柔光和折射光最好同时应用，在瓶口的转角处保留高光，在有花纹的地方应尽量降低反光。

　4顶光

　顶光最近似于太阳光照射的方向，所以这样的用光方式可以模仿阳光投射的效果，并且使拍出来的照片有一种高光感。不少作品采用这种光做主光。

　在很多摄影爱好者的印象中，认为光线越复杂越好，喜欢把所有光都照射到被摄体上，其实这是错误的，因为这样不但不能体现出光的层次感，相反会给人留下乱糟糟的感觉。

　最后笔者再给大家提个醒，在拍摄中不仅布光要合理，使用光线的先后顺序也是很重要的。首先要重点把握的是主光的位置，然后再利用辅助光，来调整画面上由于主光的作用而形成的反差，突出主题的层次，控制投影。

　色调与情感

　一幅优秀的摄影作品不仅只是记录下真实，更重要的是它可以让观者感受到它想要表达的情绪。色调是表现情绪的主角。好的摄影作品通常可以传递给观者情感。

　静物摄影常从道具、色彩的选择，灯光的布置以及背景的取舍去营造不同的色调，表现不同的情绪。有时在一个色调中有一点对比强烈的色调，犹如柔和的乐曲中插入一句悦耳的高音，特别提神，静物摄影中也常采用这种手法来表现主体。

　充分运用到色彩是笔者较为喜欢的一种摄影方式。着重表现元素的色彩，使之为画面增色，营造意境。好的照片一定要让观者有想象空间，例如上图的高跟鞋让笔者想到了女人，它随意摆放的姿态仿佛像一个性感尤物慵懒的坐在自己的心爱的玫红色宝座上，在等待着她的梦中情人为之宽衣解带。整张凸显的冷艳高贵之感不言而喻。 暖色调也是静物拍摄中常用的一种色调，它色温柔和，会给予人一种想要靠近的感觉，通常被用来拍摄具有怀旧风格的影像。例如上图，铜制怀表、皮革记事本、小的铁质物件、随意蜷缩的图纸，整幅图配上暖色调，宛如呈现出上世纪二十年代美国富豪的书房一角。

　摄影技巧书籍

　摄影 社会 空间

　顾铮

　《摄影 社会 空间》的主题是“摄影·社会·空间”，收入这个小辑的四篇文章(包括一篇译文)试图从不同角度与不同学科领域展开对于这个主题的交叉性考察。这个努力同时包括了尝试以跨学科的方式展开对摄影的社会实践的考察。比如，收入《摄影 社会 空间》的《影像的功能：城市改造中影像作为表达与干预方式的可能性》一文，就出自年轻的社会学研究者姚瑶女士之手。

　虽然这是一本理论性质较强的书籍，但也不乏对优秀摄影家的关注。本书发表的朱浩、骆丹两位摄影家的访谈，一定会对具有摄影理论热情的人产生如“头脑风暴”般的智力刺激。冯原先生的散文与日本摄影家森山大道先生的散文也为此书增色不少。当然，资讯性也是本书主编的努力方向，这在书评与评述性报导方面有所体现。而“观念摆渡”这个栏目，既是有关摄影文化研究的经典文本的译介，具有独立性，同时也可纳入海外资讯的广阔视野中加以认识。

　视觉文化读本

　罗岗

　在讲求效率的时代，视觉超越听觉，图像统治文字，电子媒介的图像实时(现场)传播具有不可比拟的优越性和诱惑力。一切提供观看信息的媒介，如**、电视、戏剧、摄影、绘画、时装、广告、形象设计、网络视听……都被纳入到“视觉文化”的范畴之中，各种影像都在构筑着视觉文化符号传播系统。“视觉文化”似乎演变成为一个纷繁、杂乱的概念。在本书的序言中，编者罗岗就“视觉文化”的概念进行了规范，将其与通常所说的“视觉艺术”进行了区分，他认为“视觉文化和视觉艺术有一个重要的区别，就是视觉文化使人们观看图像的场所发生了变化。视觉文化把人们的注意力引离结构完善的、正式的观看场所，如影院和艺术画廊，而引向日常生活中视觉经验的中心。”

　这正如伊雷特·罗戈夫(IritRogoff)指出的：我们留意到的一幅画可能出自于一本书的护封或一则广告中;看电视是家庭生活的一部分而不只是观看者的个人行为;我们可以像在传统的**院里看**一样，从录像带、飞机或有线电视上看到**。正像文化研究已寻求了解人们在大众文化消费中创造意义的诸种方式一样，视觉文化首先研究人们日常生活的视觉经验。在观看过程中，人们也同样能够见到经典，只是图像经典在这时已经被赋予了完全不同的意义。由此，所谓“读图时代”的来临，也就是意味着多样化的视觉研究不仅进入到人们的日常生活中，而且正在改造整体性的社会结构。这需要研究者有新的问题意识和方法意识。

　“视觉文化研究”正好提供了建立这样一种新的理论领域的契机，《视觉文化读本》则是展现了各种研究的可能性及成果。无疑，不论是本雅明时代所强调的摄影技术，还是当今迅猛发展的网络科技，都是“视觉文化”赖以发展的技术平台。伴随着现代传播科技的发展，影像技术、电子信息技术逐渐兴盛，“虚拟空间”介入现实空间，“视觉文化”对人们的日常生活的影响越来越大。电视直播改变了**将过去延时记录下来的做法，把远处发生的事情同时地呈现出来，更重要的它还意味着主体将更紧张更有效地去看、听和感知生活世界。整个世界在瞬间被远程地呈现出来，而关于这个世界的幻想也毫无限制地迅速传播开来。书中“看的方法与日常生活”一章，便分析了视觉文化如何进入我们的日常生活，时空在技术作用下似乎被整合在了一起。

　现代文化日益转向以视觉为中心，视觉文化时代的来临标志着一种文化形态的转变和形成，《视觉文化读本》中的文章便是在对这一趋势做出各自的回应，通过“视觉文化”之眼，来“观视”这个世界，不是把文化单纯看成是现实反映的观念形态的东西，而是看成构成和改变现实的主要方式，在构造物质世界的过程中起着能动的作用。

　西方摄影文论选

　顾铮

　《西方摄影文论选(修订版)》的预设对象从一开始就没有把“搞理论”的人作为主要目标，而是以从事与接受高等摄影教育的师生以及广大摄影工作者和爱好者为主要读者。反观中国的摄影与摄影教育，一向以实用为指针，一味强调实际技能而忽视理论，这也是造成现在不重视“理论”的原因之一。这其中当然有不得已的苦衷，如“理论”人才不足，但这并不等于上述有关人士就没有理论上的兴趣。只是问题在于，我们到目前为止还没有一本足以让人们认为当得起“摄影”文论的发好选集。

　本书虽是北京**学院摄影学院专业系列教材之一，但读者定位并不仅限于“科班出身”。本书节选的文章范围丰富，既有专业级学术大师的史论文章，也有布列松这样伟大摄影师轻松幽默的文笔，十分值得研读。19世纪，技术的变迁诞生了摄影术，伴随其发展的是西方社会的城市化和文明进程，摄影的理论大系便孕育其中。所以，本书作为西方理论的概览，业内必读。

摄影的分类：

1、静物摄影

静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命（此无生命为相对概念，比如从海里捕捞上来的鱼虾、已摘掉的瓜果等）、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。

多以工业或手工制成品、自然存在的无生命物体等为拍摄题材。在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过创意构思，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。这就叫静物摄影。

2、人像摄影

人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。

只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。当然，它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

3、记录摄影

纪录摄影指以纪录为第一目的，对客观事物进行真实影像反映的摄影。

摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。按照纪录影像的方式和追求的价值不同来划分，纪录摄影分为新闻摄影和纪实摄影。

4、艺术摄影

随着的发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。艺术摄影拍出来的效果更唯美，因为这不仅需要技术，还要找准拍摄的时间、地点和角度。

5、画意摄影

画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。画意摄影逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

6、商业摄影

商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。这类摄影是为商业利益而存在的，要按照企业要求进行拍摄，比较拘束。

7、水墨摄影

和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画；按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。

水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力

8、全息摄影

全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息**和电视等许多方面。

上个月双十一，趁着各种打折屯了一堆摄影书。要知道这些书平时都死贵死贵的，都舍不得买。这次一并拿下。这个月一口气看完，给大家汇总一下，并给出我的推荐理由。告诉大家，想要拍出大片，应该选择哪些书作为学习指南。

培养出你独特风格的关键思维。其实，摄影就是一种你发现周围世界的记录方式。出片好与坏，与手里的工具（也就是器材）关系不大，更多的是相机背后的那颗脑子。你的视角不同，出片就自然与别人有别。这本书挑了一些题材：金秋、风光、红外线、自由行、延时、航拍、人像。通过这些，帮助你将你的想法转化成影像。

这本书里提到，“摄影眼”不仅要用眼，更要用心，除了拍出“看到的”，更要拍出“想到的”。相机的视角与人眼大有不同，通过焦段、透视、快门设置的变化，呈现出与肉眼所见极为不同的景象。而我们可以透过相机，将我们大脑中想到的景象，用照片的形式描绘出来。如果我们能充分驾驭相机，拥有一双“摄影眼”，就能突破瓶颈，拍出不平凡的作品。

看过那么多讲后期的书，大多都是告诉你Lightroom怎么用，Photoshop怎么用。所以，然后呢？你记住了多少？你有应用了多少？后期背后的思路与动机，你依旧没有掌握。这本书不同之处在于，作者对后期进行了反向破译。先告诉你，透过成片，你能分析出这张片子有哪些特点，经历了哪些后期步骤，从而提高你分析片子的能力，带动后期前主动分析构思，避免你在软件里对着片子一通瞎调。这本书对许多后期特征都有深入的分析，建议在后期上遇到瓶颈的同学读一下。

这本书深度讲解美食摄影前期流程。缪韵老师是国内有名的新锐美食静物商业摄影师，为许多知名客户拍过美食大片。这本书详细讲述了美食摄影的前期步骤，包括布景、食物造型、布光、拍摄。对想了解美食摄影的人来说是不错的参考书。我觉得这本书的价值还在于，书中的知识可以照搬运用在静物摄影上，在生活中我们可以利用这本书的知识拍出一些好的片子，分享朋友圈，也是一件很有意思的事情。

这本书真的是献给小白用户的。很多小白用户想到摄影，可能大多数的场景是在旅行的时候要拍一些好的照片吧。这本书就从旅行的角度，从基础开始，告诉你怎么才能在旅行中拍出好的照片。从最开始的教你怎么配置器材，出发准备，拍摄技巧，到风光、建筑、人文、自然多个主题讲解。即使你没有什么旅行需求，用这本书打基础，我也是很推荐的。

这本书的内容，比前作稍微深入一些，建议看完第一本的同学，紧接着看这本。这本书很有意思，全篇，以旅行目的地为主线，告诉你对应地点的片子应该怎么拍，好似一本旅行指南书。分章节告诉你，全年每个月，去什么地方最好。对应章节里，有相应的摄影师，晒出他的大片，教你怎么拍。

风光摄影的入门佳作，风光摄影的各个方面都有涉及，语言平实亲近，不教条。在这本书里，作者非常注重风光摄影的理念与思路，先规范了流程，再开始动手拍。作者反倒是对器材不甚重视，器材只是你手中的工具，能把它用好就行，真正制约你的，其实是躲在机器后的那些思路。在书中，机身镜头的器材讲述篇幅很少，脚架系统、滤镜系统篇幅多，这两个才是风光中最重要且容易被忽视的器材。书中风光后期实操案例部分，颇有价值。

拍人像，学到一定层次之后，就一定离不开闪光灯的帮助。谈到闪光人像，恐怕全世界都逃不开乔·麦克纳利这位老爷子。他是世界著名摄影大师，专精于闪光人像拍摄。这本书，他来教你小型闪光灯的创造性应用。这本书，老爷子着重告诉你们，热靴闪光灯在摄影中的应用方式。首先简单介绍与闪光相关的器材附件，再从单灯拍摄为基础开始，最后扩展到双灯、多灯拍摄。

对于摄影而言，最重要的莫过于光。乔老爷子拍了30多年照片，深知如何描述光、调整光、渲染光、控制光、引导光。这次，它通过《雕刻光线》告诉我们，小型闪光灯有哪些创造性应用。这本书可比《热靴日记》厚多了，附带有大量的样片，文字记述详实，以第一人称的视角，告诉我们这些照片都是怎么拍出来的，就像和你讲故事一般。无论你对闪光灯摄影有多少基础，你应该都能从老爷子这里获得一些启发。

之前闪光摄影部分介绍了乔老爷子的两本书，这本《瞬间的背后》主要回顾的是他30多年摄影路上一些经典照片的拍摄思路与背后的故事。帮助你搞清楚拍摄的来龙去脉，并顺便学到一些技能。这本书独到之处，在于“三角学习法”。先给你个概念，介绍一个他钻研一生得到的技巧，紧接着给出一幅他的经典作品，解释这个技巧的应用，最后告诉你这张照片背后的故事。

作为风光摄影的爱好者，当我们学习理论知识到一定程度之时，总是会存在一个瓶颈期。似乎自己知道的也差不多了，继续学习课程感觉都是在炒冷饭，费时费金钱，也没能给自己带来多少提高。自己的构图、思路甚至后期，还都在原地踏步，没有出片。在这个时候，我们就需要多看看大师的片子，通过多多阅读大片，来更新自己的摄影思路。《论风光》就是一本这样的画册。它由《中国摄影》杂志社主编，汇总了国内数位风光大师的佳作，并附上了摄影师拍摄的心路历程。这本书不讲解器材，没有片子的参数，全部注重的是思想。印刷精美，值得收藏慢慢欣赏。

作者许英龙是一名自由摄影师。在英国读书的日子里，他给自己立了一个Flag，就是要在一年之内，每天出一张片子，而且只用50mm定焦镜头，题材以街拍为主。这本书，就是他这一年以来的街拍成果。他专注于扫描英国街头的人文小景，颇具人情味。从他的片子里，我们看不出什么拍摄技巧，也没什么后期手法，我们反倒是可以学习一下作者的拍摄思路，以及他观察这个社会的方式、视角，这也是街拍最为核心的能力。

在摄影圈子里，安塞尔·亚当斯是一位大师级别的存在，特别是风光摄影这个圈子里。亚当斯从小就跟着父母去美国优胜美地景区旅游，在那个时候，他开始用相机记录那边的风光。一拍就是十多年。在那边它出了许多大片，出版后在美国一举闻名。亚当斯的风格，讲究照片要如实清晰、影调丰富、层次分明，不甚喜欢过重的后期。而他最为闻名的，还是著名的“分区曝光法”，这是我们现在风光摄影包围曝光、局部曝光处理的前身。在现在依然有很多人在使用。这本书第六章详细讲述了分区曝光的思想精髓，虽然很多都是基于胶片曝光的介绍，但是思想仍然可以参考借鉴。

布列松是法国摄影大师，他喜欢用轻便的装备，随时捕获精彩的瞬间。打破镜子，用肉眼观看，在拍摄照片之前，对混乱的表象进行思考，而非逃避。布列松的风格，是统一而完整的。他说，自己的兴趣从不在摄影“本身”，而是它所呈现的一种可能性，通过忘记自己来记录拍摄对象于若干分之一秒内的情绪和画面的形式之美，换句话讲，就是画面唤起的几何结构的美感。这本书不厚，88页，可以通过这个，来了解一下布列松是怎么看待这个世界的。