之后由于伊斯兰教入侵北方，逐间影响南北音乐风格的区别，而北方信伊斯兰教的突厥族国王阿克巴(1542－1605 AD）则是一个非 常喜爱音乐的君主。因此，在他治理期间，其宫廷乐师Tan Sen开创了北印度音乐之先河，印度音乐的raga(拉格）受到他的影响，而发生了很大的变化。另外印度的室内乐，亦从阿克巴大帝即位之后，与印度寺院的音乐、戏剧等，一并获得了很好的发展。 印度音乐丰富而复杂的传统，实在是今天是世界音乐文化最丰富的宝藏，也正应验了这个历史攸久民族的伟大，在印度音乐中，我们常可以发现一些在其他音乐文化中已经失传的特质，音乐所具有的特殊力量与宗教情怀，即兴演奏的特殊能力，音乐与数学与整个宇宙之间特殊的关系等等；许多现代的音乐家，无论是古典的或是流行的，都由从印度音乐中寻找灵感的例子，但相对起来，真正研究印度音乐，演奏印度音乐仍然仅局限在印度人自己，我想，我们应该先从欣赏印度音乐开始，进而了解实践，必定能够开拓我们的听觉的领域，丰富我们的文化。

印度歌曲最好听10名： 《拉兹之歌》、《丽达之歌》、《苏尼达之歌》、《吉米来吧》、《天使之吻》、《女友嫁人了新郎不是我》、《印度新娘》、《En veetu thotttathil》、《Bindiya chamkegl》。

1、《拉兹之歌》这首歌是印度老**《流浪者》里面的歌曲，主要描述了流浪者的悲惨生活，这首歌引发了人们的共鸣和同情。

2、《丽达之歌》这首歌也是印度**《流浪者》里面的插曲，但是和《拉兹之歌》表达的情绪不同，这首歌配合**的剧情，表现的是男女主人公重逢的喜悦之情，这首歌经过很多内地的歌手翻唱过，所以也是一首经典老歌。

3、《苏尼达之歌》这首歌是印度**《大篷车》里面的插曲，被很多人翻唱，尤其是改拍mv，歌词的大意是表达了一个人的失魂落魄。

4、《吉米来吧》这首歌是由上世纪的印度女歌手作词演唱的歌曲，一经推出就占据了各大排行榜榜首，一夜之间传遍了印度的大街小巷，也是印度上个世纪红极一时的歌曲。这首歌传到中国来的时候也刮起了一阵迪斯科的热潮。

5、《天使之吻》这个就不用介绍了，就是有亲吻声音的那个，又名“印度亲嘴歌”，整首歌都是亲嘴的响声。

6、《女友嫁人了新郎不是我》这首歌作为印度的经典怀旧歌曲，是**《女友嫁人了新郎不是我》的插曲，这部**主要是喜剧，所以这首歌也讲述了**当中的故事情节，表达了燃烧的爱火。

7、《印度新娘》这首歌是印度在2008年推出的一部爱情电视剧的主题曲，这首歌也呼应了电视剧里单纯美好的爱情。

8、《En veetu thotttathil》这首歌多次拜中国大妈当做广场舞的伴舞曲，这首歌当中，男生和女生动情的对唱，给你一种触动人心的感觉，把你带入了印度的爱情世界里。

9、《Bindiya chamkegl》这首歌是印度一首很老的老歌，后来被新的歌手翻唱，据歌迷们反映，这首歌的歌手的声音很妖娆，是对印度神秘女子的写照。

10、《Bindiya chamkegl》：《Bindiya chamkegl》是一首比较古老的印度歌曲，很多人翻唱过这首歌。

印度古典音乐中重要要素拉格的划分标准是拉格、塔拉。

印度古典音乐中旋律体系（是主要架构），称为拉格（Raga），及极为复杂的节拍体系称之为塔拉（Tala），拉格（Raga，梵语的raga，意热情，因此印度古典音乐中重要要素拉格的划分标准是拉格、塔拉。

印度共和国简称印度，位于南亚，是南亚次大陆最大的国家。

解开你最神秘的等待—印度音乐之夜，即将于12月9日在半度雨棚揭开神秘的面纱，先带朋友们了解一下演奏家是如何品评印度音乐的。

章益

问：钻研西塔琴的中国琵琶演奏家章益，他为什么那么喜欢印度音乐呢？

章益说： “ 印度音乐之所以好听，我的答案其实很简单。就是：韵。”

“ 印度的宗教信仰韵律是印度音乐的起源，起伏跌宕的旋律和余音绕梁的律动变化是好听和具有灵性疗愈作用的核心力量。”

“自由开放的曲式结构则是印度人民性格特点的写照，充分发挥人的天性是印度音乐的人文宗旨。也是好听的魅力所在。因为即兴，所以每一次演的是人生，奏的是内心深处最柔软真实的情感。” 

印度音乐的即兴性是吸引章益的一个焦点。多年来，章益用自己的主导乐器琵琶为主线，与多种音乐类型融合，考证唐代古乐，还在苦心学习西塔琴，将琵琶和西塔器乐的特色融汇，将中国与印度音乐的内质贯通。

安志华

说到为什么这么痴迷于印度音乐，这要从开始学习拉格开始，其实作为中国人还是对旋律最敏感，也许是血液里的基因所致，对印度的古典旋律有着说不出的吸引力。它起源早，最关键的是，印度很好的保存和传承了他们的音乐，这是最宝贵的。早期我在学习印度音乐时，并没有阅读什么相关的文献和资料，只是单纯的学习，老师怎么教我就怎么学，完全凭借感知去学习和理解。久而久之我越发感受到印度音乐文化是中国音乐的根。

为什么这么说呢，我从小就在收音机和电视里听笛箫、古筝、二胡还有民族乐团的演奏。后来被欧美摇滚和流行乐洗脑。但后来我认识到国乐和欧美流行本身的反差非常大。

一种是以优美线性旋律、讲究意境和留白，表达内敛与含蓄，但不太注重节奏组织。现代的民族乐团引进了欧洲的低音提琴和大提琴，还有部分打击乐，来弥补自身音乐中可能缺乏的音响上的缺陷。

另一种是鼓点强劲，和声、节奏组织复杂，表达张扬与豪放，但旋律可以说是附着在节奏上的产物，也就是不太注重旋律的优美性，如果把节奏关掉，只听旋律会感到十分无聊。

但印度音乐恰好是二者结合最好的解释，既注重旋律的优美性，又有复杂多变的节奏作为骨架来支撑旋律。采用了更多的圆滑音去连接旋律，让其更加波浪化，听觉上更舒适和放松。同时，更多采用复杂细腻语汇组织节奏，让节奏穿插在平滑的旋律当中。旋律时不时的停顿和留白让节奏进入，节奏时刻关注着旋律为它搭建平台。二者都没有太多的去改变自己的性格，反而旋律和节奏的特点更强——旋律更线性化，节奏更复合化。但二者的融合却做到了天衣无缝。印度音乐并非像我国目前的民族音乐只注重线性旋律，也并非像欧美音乐那么节奏强劲与豪放。恰好是二者取其中。

印度音乐像太极推手，旋律与节奏你进我退，我退你进，往复循环，在不经意间会有一个猛烈的发力，让我们感受到内在力量的酝酿与爆发。时紧时松，张弛有度。时而让节奏打破旋律感的循环，造成短时间内节奏与旋律的错位，给人以听觉上的新鲜感，时而回归，符在旋律上，万般呵护。最有意思的是在音乐循环的过程中，最后一个音永远作为下一个循环第一个音的开始，首尾相接，仿似佛教中轮回的理论。整体音乐从最开始的散板旋律阿拉普Alap开始，一点一点的铺垫，到节奏的进入，直到最后的快速把音乐推向高潮，以三次乐段重复（提哈一Tihai）作为整个音乐的结束，这正符合中国人的审美与思维。

这难道不值得庆幸吗？中国的历史造成我们的音乐文化传承的断档，而且我们现在的很多民族乐器都是西域流传过来的，恰恰印度完整保留了这一切。这是我们中国音乐去寻根溯源。

这也许就是我为什么喜欢印度音乐的原因吧。

汪清

很多人问我：“你为什么那么喜欢印度音乐？”

我回忆了一下，我基本就是含糊的说：“我也不知道哎……我就是觉得特别好听。”

然后又被问道：“怎么个好听呀？”

其实，一开始，我从没有真的去问过自己这个问题。好听嘛，不就是个很个人的问题吗。就是感觉，感觉好听，就好听呗。就像有人觉得咖啡很好喝，有人觉得实在是苦的不可思议。

但久而久之，我也开始问自己，那为什么我就觉得印度音乐好听呢？一旦我真正问自己这个问题的时候，有一种非常奇怪的感觉升起来。好像是一种类似渴望的一种感觉。一下子我觉得我就像一个充满渴慕之情的少年，对爱恋之人却一无所知，只是恍恍惚惚终日在树林里追踪着她的影子、气味和笑语，但却未曾与之会面。

后来我就坐下来，静静思索着，尝试得出一些结论，尝试描绘一下她的容貌。

所以你们也可以知道，接下来我的记叙将是非常主观的，也许别人完全不认同我。我尝试将感性的东西，用理性的方式梳理出来。

(图为当代最杰出的Tabla大师Zakir Hussain在孟买的音乐会，两位打击乐大师的“对阵”。每年2月我都会去这个音乐节。）

初听印度古典音乐，一定大为此中的绚丽的技术，华丽的鼓点，和机智的即兴所震撼，特别如果是身临现场的话，观看到音乐家的演奏行为，尤其令人振奋。但我觉得其他音乐类型，比如爵士乐，也有毫不逊色的同样的特征。

那为什么印度音乐令我觉得格外好听呢？是有什么更加特别之处呢？有人说，我感觉它很“神秘”。我觉得这还真是一个完全不能表达出确切意思的，但在此处很确切的词。

第一：我觉得就最整体的层面来看，传统印度音乐虽然是一种演奏和娱乐，但最终极来说，这种艺术形式是一种美学的表达。是一种令演奏者和听众对于“美”的一种经验。而这种体验通过乐器、声音、节奏、技术、情绪等等手段作为媒介。就像吃迷幻蘑菇，蘑菇本身不是主体，而蘑菇激发的体验才是重点。从这个角度来说，演奏家的技巧、人格处于一种谦卑的地位，他们服务于一种美。

第二：Tanpura——Drone效果。 Tanpura这个传统的印度音乐，通常有4到5根弦，没有品，只弹奏空弦。这个乐器的作用就是持续制造一种不间断的声音效果,通常的音建立在主音和属音上，但也要根据不同Raga而定。

看到一句很厉害的话，分享一下：

"Of all harmonic devices, it [a drone] is notonly the simplest, but probably also the most fertile" “所有的和声性乐器中， Drone绝不是最简单的，反而是最富饶丰满的。”来源：van derMerwe, Peter (1989) Origins of the Popular Style: TheAntecedents of Twentieth-Century Popular Music, p65 Oxford: ClarendonPress 

非常赞同！Tanpura制造的一个充满泛音的声域，就像一个神秘的结界，乐器在这个保护场中如泉水般流出来。

第三： Meend。 这个是一种在传统印度音乐旋律中最有特征的一种技术。就是从一个音高缓慢或者快速的流动到下一个音高。这种技法在弦乐、弹拨乐中都有。但我觉得，这种技术在人声中的效果最好。或者说，人声在印度音乐旋律方面最有效果。人声具有滑动的能力非器乐能及，在音量上、速度上、运动方式上极度自由。聆听一条旋律中的Meend，就好像音符之间在游动，光影在变幻。

因此，我细细思索了一下，我觉得首先吸引我的是这种音乐传达了一种精神力量，这是一种人对于美的一种实践和探索的质朴纯粹的追求。在服务于这种“大美”的原则下，用音律raga和节奏tala孕化出的音乐表演艺术，不仅仅体现出非凡的技术，但也必须内化成一种精神力量。

印度人普遍热爱音乐，尊敬音乐家，甚至连对乐器都是特别尊重。绝不会跨过一件乐器。我想他们是领悟了印度音乐的这种力量把。

分三种

第一

能乐，传统宫廷类

比如 樱花

第二，民歌

比如

拉网小调

没有伴奏，完全靠嗓音

第三，流行乐

电子风格浓厚

现在各种曲风都发展得很快

当然也有blue,jazz类型的，但不多

流行音乐以舞曲为主

邦乐

PS：高中音乐课上老师说，日本传统邦乐的特征就是不存在“do re mi fa so la xi do”这几个普通音调中的“re”和“so”两个音。典型的例子就是《樱花》。

邦乐一般指日本音乐的总称。通常是作为西洋乐的对称语使用的，指的是除西洋音乐以外的所有的日本传统音乐。根据使用乐器的种类，可以做出以下分类：

雅乐：在宫廷举行仪式时所演奏的仪式音乐，古代时从中国、朝鲜传入，可以说它保留了日本音乐最古老的风格。

声明：佛教的典礼音乐，是一种声乐。它与佛教同时传来，以后给日本音乐带来了很大的影响。

琵琶乐：战国时代以后，它是作为一种以琵琶伴奏叙述战争故事的音乐而得到发展，是弹唱演奏的声乐曲。

筝曲：所谓“筝曲”除了指古琴曲以外，还指古琴、三弦、箫的合奏曲。古琴是由13根弦的弹拨弦乐器，江户时期和三弦琴音乐结合一起而得到发展。从大正时期到昭和初期留下许多名曲的宫城道雄，给筝曲界带来很大的影响。

箫：箫产生于镰仓时期，那些虚无僧吹奏这种竖笛来代替念经。因为它长一尺八寸（约55厘米），故又被称为“尺八”。

三弦音乐：三弦的共鸣箱上贴着猫皮或者狗皮，是日本具有代表性的乐器。在江户时期，被广泛使用的三弦，不仅作为歌舞伎、人偶净琉璃等剧场音乐，而且还作为许多歌谣音乐的伴奏，至今仍然广泛使用。

民谣：各地歌唱承继下来的歌曲音乐。其中劳动歌曲较多，我们最熟悉的《拉网小调》便是此种精品。

与西洋音乐7个音阶相比，近代邦乐只有5个音阶（这一点应该是继承了我国的“宫商角徵羽”五声）。节奏大部分是2拍子和4拍子的偶数拍子，几乎没有3拍子。歌谣居多，纯器乐曲较少。乐器通常用作声乐伴奏，但和声乐的表演过程，有一种微妙、不一致的复杂的脱节现象。此外，三弦、古琴和箫形成的乐器组合，产生了杂音的要素，而这些却作为邦乐复杂的音色受到人们的喜爱。

明治时期西洋音乐进来以后，西洋音乐成了日本音乐的主流，邦乐渐渐被西洋乐所压倒（现在一提到日本歌手，大多都是滨崎步、近畿小子等等流行乐坛的佼佼者，很少再有传统音乐人的出现了）。但是，近年来邦乐重新得到了重视，爱好者正在增加。

日本音乐向来分为邦乐和洋乐两大类，人们在欣赏西方古典音乐的同时也会从雅乐中深切地体味日本传统音乐的乐趣。近来，有的日本人把西方音乐的手法引入邦乐。西方的作曲家也向日本人寻求题材，邦乐和洋乐之间的藩篱似乎已经被拆除了。将来的音乐会成为采纳双方长处的美妙音乐。夏川里美正是日本近现代邦乐界的顶级艺人之一。她的曲风优美动听，在无论在日本国内还是亚洲其他地区，都具有相当高的人气

在一个纯日本的氛围中，存在着一种似是而非的西方音乐，这正是多年来两种对比鲜明的东西方文化相互作用的结果：虽然日本的音乐人大量借鉴了美国的流行音乐，但他们却能冷静地以自己的方式对这些音乐进行再创造。

尽管日本的许多流行音乐与美国音乐有着一脉相承的关系，但日本的音乐创作处处渗透着民族的独特性。日本音乐除了那种可感知的民族性之外，更是一种两国文化相互作用的产物，正是这种相互作用，才产生了日本音乐所特有的综合性。诚然，美国音乐曾经对日本音乐产生过不小的影响，但至少在日本国内，日本音乐人的创作对美国音乐产生了更大的影响。

印度音阶组成称为史瓦拉(Swara西方的Note)，印度音乐的七音符：sa,re,ga,mapadha,ni，基本的音符组成音程。根据印度的音乐神话,音阶中的七个基本音来自鸟兽的叫声，并能唤起人们对特殊色彩的感觉。

以下音名分别是: (后面分别是与之相关的鸟兽叫声和被赋予的各种色彩)

沙音Sa ，为孔雀的叫声，为荷叶绿色。

里音Re ，为云雀的叫声，为红色。

嘎音Ga ，为山羊的叫声，为桔红色。

马音Ma ，为鹤的叫声，为白莲花色。

巴音Pa ，为夜莺或杜鹃的叫声，为黑色。

塔音Dha ，为马或蛇的叫声，为**。

尼音Ni，为象的叫声，为所有颜色的综合。

印度音乐中主要的架构是旋律体系称为拉格(Raga) ，及极为复杂的节拍体系称之为塔拉(Tala)

“拉格”（Raga,梵语的"raga"，意热情。）被称为印度古典音乐的灵魂，也是印度古典音乐的基本调(Tune)，也可说是旋律的种子。它是一种旋律的框架。它有很多种，每种拉格都有自己特有的音阶，音程以及旋律片断，并表达某种特定的味（Rasa），但拉格本身只是一种框架，它要靠音乐家的即兴表演加以丰富、完善。

拉格原意为色彩(Color)或热情(Passion)因此拉格企图藉特定音符组合的旋律，来引领聆听者的情绪和感情，由五个到七个的音符所组成的基本旋律，做自由的变化。这种先人所制定的旋律型(Raga) 北印度有3百种，但很多也失传了，有谱可循的拉格有80余种，如今常用的约60余种。在传统习惯上，不论是演唱或演奏，要点选的拉格是完全依据时间、季节、情绪来决定的，早晨、中午、晚上或春夏秋冬，悲伤、喜悦或敬神等拉格是不容混淆的。拉格不只是固定的旋律型，由于加上时间、加上更细致等抽象的情境情绪的诉求和即兴的技巧、演奏长短、速度的掌控，因此表演者也是创作者，具有作曲家的能力，才算得上是胜任称职的印度的音乐家。塔拉(Tala)源自梵语，塔(Ta)是坦安达瓦(Taandava)湿婆(Siva)的宇宙之舞、象征宇宙生生不息的节奏。拉(La)是指湿婆神妃帕巴底(Parbadi)的分身的舞蹈拉西亚(Lashia)，合称塔拉(Tala)，塔拉近似西方的节拍，塔拉在印度是在节拍周期中固定的拍子(Rhythmic Cycle Containing a Fixed number of beats) 印度的搭拉(节拍)非常复杂，不是按照每个小节中有几个单位拍来计算的，首先要分清楚每一句中有几个单位拍，从6拍(3+3) 、7拍(3+4) 、8拍(4+4)或10拍(2+3+2+3) 、12拍(6+6) 和最常见的16拍(4+4+4+4) ，可组合成百上千种变化。印度搭拉可以是等值区分，也可以是不等值区分。

搭拉提供了精准拉格旋律的架构的基础；因此搭拉(Tala)和拉格(Raga)是印度音乐中不可缺的两大支柱。要深入体验聆赏印度音乐不能不知搭拉和拉格。

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